Había una vez un juego fuera de los caminos trillados del Krosmoz. Kwaan, desarrollado por el estudio de Montreal de Ankama, representaba una experiencia única: un juego multijugador colaborativo donde la competencia daba paso a la cooperación, y la violencia se desvanecía ante la creación de un ecosistema armonioso. Sin embargo, a pesar de sus innovaciones audaces y su concepto, este proyecto místico se extinguió discretamente en 2017, tras menos de tres años de existencia.

Un repaso a la historia de un experimento fascinante que nunca logró convencer a las masas. Este dossier forma parte de una serie retrospectiva sobre los diferentes proyectos de Ankama, tras nuestro anterior enfoque sobre el juego móvil Wakfu Raiders.

Los primeros pasos: un laboratorio de experimentación (2012-2013)

Mucho antes de la implicación oficial de Ankama, Kwaan nació como un proyecto artesanal y apasionado. Los blogs de desarrollo de la época revelan un enfoque profundamente experimental. En noviembre de 2012, el equipo se presentó simplemente: “Kwaan es un pequeño MMORPG” y “Kwaan es un mundo vivo. Kwaan quiere que te quedes y empieces a descubrir las cosas por ti mismo“.

El proceso de desarrollo reveló un enfoque artesanal y comunitario. El equipo comenzó con un motor casero antes de migrar a Unity a principios de 2013: “Actualmente estamos migrando nuestro código de un motor casero a Unity“.

Las primeras pruebas revelaron el espíritu colaborativo que siempre caracterizaría a Kwaan. En diciembre de 2012, el equipo organizó sus primeras pruebas de estrés con solo 10 personas: “Éramos 10 personas y la mayoría disfrutamos intentando entender de qué diablos se suponía que trataba este juego“. Este enfoque, donde los jugadores debían descubrir el juego por sí mismos, se convertiría en una firma del proyecto.

Los blogs de desarrollo revelan un fenómeno fascinante: Kwaan atrajo a los antiguos jugadores de Glitch, el MMO experimental de Tiny Speck que cerró en diciembre de 2012. Los comentarios en los blogs de desarrollo eran elocuentes: “Era tester alfa de Glitch” o “¡Ex-Glitchen! ¡Voy a probarlo!“. El equipo de desarrollo era perfectamente consciente de esto y les dirigió incluso un “¡GRAN SALUDO A TODOS VOSOTROS, HUÉRFANOS DE GLITCH!“.

En mayo de 2013, la comunidad alcanzó 100 personas registradas, una cifra que el equipo celebró: “¡Ya somos oficialmente una Tribu!” y “Bienvenidos a todos los ex-Glitchens“. Esta base de jugadores, aunque modesta, ya estaba apasionada y comprometida.

El equipo definió explícitamente su creación como un desafío a las convenciones: “Sabemos que prometer una experiencia única con un MMO es un ejercicio peligroso, y muchas esperanzas han sido pisoteadas por la realidad del mercado y las complejidades de diseñar una experiencia significativa no basada en el consumo y el grinding“.

El concepto básico era revolucionario: “Kwaan es una experiencia MINÚSCULA. Es como un ‘Hada en una botella’: es una miniatura, es gratis, es una experiencia, solo para ver si podemos mantener un juego que gire en torno al misterio, características extrañas y pura absurdidad“.

El universo mitológico era denso y original. Los Dwaal eran descritos como “nacidos del barro del Gran Lago. Fueron esculpidos por las manos de la Diosa, y recibieron la vida de las flores que ella puso sobre sus cabezas“. Cada Dwaal poseía un Aat, un elemento natural que le daba su personalidad única: “todo lo que viene de la tierra, hojas, vegetales, rocas, barro“.

Un concepto revolucionario: la cooperación como única vía

El principio básico de Kwaan rompía radicalmente con los códigos establecidos del videojuego multijugador. Los jugadores encarnaban a pequeñas criaturas vegetales llamadas Dwaal, agentes especiales de la naturaleza cuya misión consistía en mantener sano el Kwaan, un Árbol-Mundo místico. Esta responsabilidad colectiva constituía el corazón de la experiencia: ni combates, ni comercio, ni competición, sino una cooperación pura orientada hacia un objetivo común.

Eric Léveillée precisó la visión del juego en su presentación: “El juego es una aventura multijugador en línea y el objetivo del juego es que, con una comunidad de otros jugadores, debes mantener feliz al árbol. Porque si no realizas rituales cada día con otras personas, si no lo haces, entonces el servidor termina muriendo y pierdes todo el progreso que has hecho“.

Benoit Delassus desarrolló esta mecánica fundamental: “El primer objetivo para cada servidor es asegurar que su mundo sobreviva. Son misiones que hay que volver a hacer todos los días en un período de 24 horas. Y por eso, tenemos lo que llamamos rituales, que son misiones cooperativas“. Estos rituales diarios creaban un ritmo natural que obligaba a los jugadores a conectarse regularmente y coordinar sus esfuerzos.

El aspecto más radical del sistema fue revelado por Benoit: “Y si no lo logramos, pierde el humor y si se pone triste hasta morir, el juego se detiene porque el servidor muere […] Había seis servidores en el lanzamiento del juego. Cuatro de ellos murieron“. Esta mortalidad de los servidores ilustraba dramáticamente los desafíos planteados por un gameplay completamente dependiente de la cooperación.

La mortalidad de los servidores constituía un problema estructural mayor. Benoit explicó: “Originalmente, queríamos que el servidor se reiniciara directamente, pero luego nos dijimos que, de inmediato, si los servidores están muertos, es porque no había nadie para ocuparse de ellos“.

Uno de los aspectos más innovadores concernía al ecosistema autónomo que describía David Calvo: “Una cosa de la que estamos muy orgullosos es el hecho de que Kwaan produzca su propia contaminación: los objetos producidos y elaborados pueden pudrirse, y los jugadores pueden comer la podredumbre y luego digerirla. Es parte de la autonomía del sistema para hacerlo más ‘vivo’“.

Benoit Delassus describió el enfoque narrativo: “Por el momento, solo hay cuatro que funcionan en bucle. Cada día de 24 horas, aparece una nueva historia. Luego crea eventos en el mundo“. Estas historias cíclicas debían enriquecerse regularmente para mantener el interés de los jugadores. La ambición inicial era considerable: “Partimos de una base de 365 (…) Partimos de una base de ciclos y una vez que el juego estuviera perfectamente finalizado en esta dinámica, solo tendríamos que añadir historias“.

El gameplay mezclaba varios géneros de manera original: point-and-click, plataformas y RPG. Los Dwaal no podían saltar, una restricción que obligaba a los jugadores a usar un garfio para agarrarse a las superficies y alcanzar las plataformas elevadas. Esta mecánica de movimiento única creaba un enfoque diferente a la exploración, donde cada movimiento debía ser calculado y la cooperación se volvía natural para acceder a las zonas más difíciles.

La memoria de Delassus reveló detalles técnicos precisos sobre el desarrollo de Kwaan. El juego estaba construido en Unity con scripts desarrollados en C# bajo Visual Studio. Esta base técnica moderna permitía una flexibilidad de desarrollo crucial para la experimentación. El equipo utilizaba herramientas propias de Ankama: una para el mapa del mundo y otra para el networking multijugador. Para la interfaz de usuario, el equipo optó por Flash, mientras que los gráficos se creaban bajo Photoshop. Esta arquitectura técnica híbrida permitía ajustes rápidos.

Uno de los aspectos del desarrollo de Kwaan residía en la relación excepcionalmente cercana entre desarrolladores y jugadores. Eric Léveillée contaba su enfoque diario: “Yo estaba muy cerca de la comunidad en el juego; teníamos muchas interacciones con ellos. Por ejemplo, por la mañana, lo primero que hacía era lanzar el juego. Kwaan tiene servidores públicos, así que podíamos ir a todos los servidores; yo iba a un servidor“.

“O hablaba con los jugadores, o me limitaba a observar lo que hacían. Observaba desde fuera sin interactuar con ellos para que no vieran necesariamente que era programador”

Eric Léveillée

Benoit Delassus confirmó esta filosofía: “Hemos apostado mucho por la cooperación entre jugadores. Fue uno de los primeros aspectos un poco bloqueantes del juego, de hecho, porque la cooperación implicaba que fueran los jugadores quienes se instruyeran entre sí. No había tutorial al principio del juego“. Esta ausencia voluntaria de tutorial forzaba las interacciones comunitarias y creaba vínculos auténticos entre los jugadores.

Esta filosofía tenía sus raíces en el período pre-Ankama, donde el equipo ya declaraba: “Tengan en cuenta, sin embargo, que el juego es un misterio y que es su papel resolverlo“. Los blogs de desarrollo originales testimoniaban este enfoque colaborativo desde la concepción: “Una parte del juego consiste, de hecho, en hacer el juego sobre la marcha“.

La reactividad del equipo impresionaba a la comunidad. Eric Léveillée explicaba: “A menudo, hablaba con los jugadores y hacía bocetos, y cinco minutos después, en nuestro código, las reglas estaban arregladas y corregidas. Era tan simple como eso“. Esta velocidad de desarrollo era posible gracias al reducido tamaño del equipo y a la arquitectura técnica flexible del juego.

La recepción crítica y la paradoja de la visibilidad

La comunidad de jugadores expresó opiniones entusiastas durante las entrevistas. En el podcast “On a juste une vie”, varios jugadores testificaron: “no como los demás, una comunidad particularmente simpática, comunidad al estilo Ankama” y mencionaron “un universo muy entrañable con una accesibilidad óptima“.

Benoit Delassus informó sobre la recepción del acceso anticipado: “Tenemos 31 reseñas, creo. No recuerdo el número exacto, pero algo así para el juego. Y todas son positivas excepto una“. Estas cifras alentadoras ocultaban, sin embargo, la pequeña base de usuarios que resultaría problemática para la supervivencia del juego.

Sin embargo, Kwaan vivió un momento mediático espectacular. El 22 de enero de 2016, el famoso streamer alemán GRONKH, con sus 600.000 seguidores, transmitió el juego durante solo 30 minutos y atrajo a 25.955 espectadores simultáneos.

La barrera de entrada era significativa. Eric Léveillée reconoció: “Kwaan es realmente un juego que no es fácil de manejar. Es un poco por diseño, queríamos que fuera así. Queríamos que los jugadores en el juego se preguntaran y dijeran ‘¿qué estoy haciendo?’” Esta complejidad asumida creaba una curva de aprendizaje alta que desanimaba a algunos jugadores nuevos.

Los desarrolladores tuvieron que adaptar su enfoque en respuesta a los comentarios. Eric explicó: “Nos dimos cuenta de que realmente necesitábamos ayudar a los jugadores que comenzaban el juego con tutoriales“.

Los errores identificados: análisis retrospectivo

La memoria de Benoit Delassus propuso una autocrítica lúcida de los errores cometidos durante el desarrollo. El principal error identificado concernía a la comunicación: “haber descuidado la comunicación (…) fue uno de los errores importantes de nuestro equipo“. Esta negligencia explica en parte por qué el juego nunca encontró su público a pesar de su originalidad.

La estrategia de comunicación en torno a Kwaan sufría varias limitaciones. David Calvo mencionó los desafíos de presentación: “Lo más difícil es hacer entender la profundidad del juego a jugadores que solo ven la superficie y no quieren profundizar para entender por qué usamos figuras conocidas para crear otra forma de juego“.

Esta complejidad conceptual hacía difícil presentar el juego en unas pocas frases. El pitch de Eric Léveillée en un minuto ilustraba esta dificultad: “El objetivo del juego es que, con una comunidad de otros jugadores, debes mantener feliz al árbol porque si no realizas rituales cada día con otras personas (…) obtienes una comunidad de personas y trabajan juntas“. A pesar de su concisión, este resumen tenía dificultades para transmitir la riqueza y originalidad de la experiencia propuesta.

La ausencia de mecánicas espectaculares hacía que el juego no fuera adecuado para el streaming y los vídeos virales. A diferencia de los juegos de acción o competición, Kwaan ofrecía una experiencia contemplativa y colaborativa difícil de capturar en formatos de vídeo cortos e impactantes. Esta inadecuación probablemente contribuyó a limitar su visibilidad, excepto por el fenómeno excepcional del stream de GRONKH, que mostró que un solo influencer podía generar un gran revuelo sin convertir esta atención en una base de usuarios duradera.

El cierre y sus enseñanzas

El cierre anunciado de Kwaan en octubre de 2017 marcó el final de un experimento audaz. Eric Léveillée compartió sus reflexiones sobre las lecciones aprendidas: “Una lección que aprendí es el peso de complicar demasiado las cosas por el placer de la tecnología o la idea, pero volver a centrarlo en el placer del jugador. Es algo que aprendí mucho“.

Esta toma de conciencia subrayaba uno de los escollos del proyecto: la sofisticación técnica y conceptual a veces había prevalecido sobre la accesibilidad inmediata. Eric continuó: “Fue mi primera experiencia multijugador y fue muy formativa“.

La memoria de Delassus ofrecía una perspectiva personal sobre esta experiencia formativa: “Esta pasantía fue mi cuarta en videojuegos, y será solo la primera con un juego terminado y distribuido. Pero también fue la más larga e instructiva, introduciéndome en todas las etapas de la construcción de un juego, dentro de un pequeño equipo de apasionados“.

Un fantasma digital: la resurrección imposible

Hoy, Kwaan sigue existiendo en una forma fantasmagórica particularmente cruel. Sigue siendo posible comprar una clave de Steam por unos pocos euros en sitios de reventa, y estas claves aún se activan sin problemas en la plataforma. Sin embargo, esta activación solo conduce a una amarga decepción: tras la instalación, el juego no detecta ningún servidor disponible y se niega obstinadamente a iniciarse.

Esta situación trágica subraya la total ausencia de iniciativa comunitaria para preservar el legado de Kwaan. A diferencia de otros MMOs de culto que encuentran una segunda vida gracias a servidores privados creados por fans apasionados, Kwaan no se ha beneficiado de ningún intento de resurrección comunitaria. Esta inercia es aún más frustrante porque el juego tenía todos los ingredientes para seducir a las comunidades creativas.

En una época en la que fenómenos como r/Place de Reddit o la Pixel War francesa demuestran el masivo apetito del público por la creación colaborativa, no se puede más que lamentar esta oportunidad perdida. Con su gameplay basado en la creación artística compartida y la cooperación sin violencia, Kwaan podría haber encontrado un público.

La experiencia Kwaan probablemente influyó en las reflexiones posteriores de Ankama sobre el equilibrio entre innovación y accesibilidad. Los testimonios de los desarrolladores revelaron un equipo apasionado que empujó los límites de lo que puede ser un juego multijugador, creando una experiencia auténticamente colaborativa en un paisaje dominado por la competición.

Kwaan sigue siendo un testimonio valioso de lo que puede ser el videojuego cuando se libera de las restricciones comerciales para explorar nuevos territorios narrativos y lúdicos. Su fracaso no disminuye en absoluto el valor de este intento, que enriquece el patrimonio creativo de la industria francesa y sigue inspirando a los desarrolladores que se niegan a conformarse con las fórmulas probadas.

Hoy, casi ocho años después de su cierre, las solicitudes persisten esporádicamente: “¿Hay alguna posibilidad de una secuela?” se preguntaba un jugador nostálgico en 2019, mientras que otro pedía en 2018 “servidores privados” o una “versión offline“. En 2020, una voz solitaria seguía clamando: “Por favor, traigan de vuelta este juego“, y más recientemente, en 2023, alguien preguntaba simplemente si el juego “aún funciona“. Estas solicitudes dispersas, verdaderos mensajes en una botella digital, testimonian el apego duradero de un puñado de nostálgicos irreductibles que se niegan a olvidar esta experiencia única. Sin embargo, Ankama permanece en silencio ante estas peticiones comunitarias, dejando definitivamente a Kwaan en el limbo digital: accesible para la compra pero injugable, fantasma de una experiencia que solo vivió el tiempo de un soplo creativo.

Masako Sakano comenzó su carrera a mediados de los años 70, en plena edad de oro de la animación televisiva japonesa. Sus inicios fueron en Great Mazinger en 1974, y luego en UFO Robot Grendizer (más conocido en Francia como Goldorak), donde trabajó como asistente de animación en el clean-up y los intervalos, dos términos que explicaremos de manera sencilla.

Luego pasó a la animación clave (key animation o genga en japonés) en Goldorak y Zambot 3, y luego participó en Mobile Suit Gundam. La animación clave es el corazón del movimiento: el artista dibuja las poses principales que narran la acción.

En 1984, su camino se cruzó con el de Hayao Miyazaki en Nausicaä del Valle del Viento. Desde la creación del Studio Ghibli en 1985, se embarcó en Laputa, el Castillo en el Cielo, y luego en una impresionante serie de clásicos del estudio:

• Mi Vecino Totoro
• Porco Rosso
• La Princesa Mononoke
• Susurros del Corazón
• El Viaje de Chihiro

Siempre principalmente en el puesto de asistente de animación, a cargo del clean-up y los intervalos, garantiza que cada trazo permanezca fiel al character design (el diseño de los personajes) y que cada movimiento sea fluido. También trabajó en cortometrajes del Museo Ghibli, como Mei y el Gatobús o Monmon la Araña de Agua.

Durante más de veinte o treinta años, fue una de esas manos invisibles que aseguraban la precisión, la coherencia y la suavidad del movimiento en las películas de Miyazaki. En una entrevista dada en 2009 en Lille, resume su profesión con una simplicidad desarmante:

“¡Es animación tradicional con lápiz y papel! (…) También usamos un poco la computadora, porque hoy en día no podemos prescindir de ella.”

Este credencial del lápiz y el papel, lo mantuvo intacto… hasta llegar a los estudios de Ankama, en Roubaix. Esta humildad también impregna su discurso cuando habla de sus propios proyectos:

“Soy animadora 2D en Ankama, pero no tengo realmente un proyecto… Tengo una idea que podría servir para un largometraje, pero nunca podría hacer una película como Miyazaki. Se necesita un equipo, dinero, talento, ¡y no tengo todo eso!”

En 2006, Masako Sakano realizó un giro que pocos animadores japoneses de su generación se atrevieron a dar: dejó Japón para instalarse en Francia. Comenzó colaborando con el estudio Folimage en el largometraje Mia y el Migú (2008), y rápidamente se unió a Ankama Animations, atraída por esta joven estructura de Roubaix que mezclaba animación televisiva, videojuegos y transmedia en el proyecto aún en desarrollo Wakfu.

Cuando se le pregunta qué cambia entre Ghibli y su trabajo en Francia, responde con una sonrisa casi divertida:

“Pasaba mis días dibujando con lápiz y papel. (…) Ahora trabajo para Ankama, una empresa de animación francesa, y es lo mismo: sigo usando estas herramientas.”

En Ankama Animations, Masako Sakano trabajó en varios proyectos importantes que marcarían a los fans del Krosmoz. Como recordamos en un artículo sobre la temporada 3 de Wakfu en 2015, Ankama multiplicaba los proyectos ambiciosos de animación en ese momento, y Masako Sakano se convirtió en uno de sus pilares discretos pero esenciales.

En la serie Wakfu (2008–2017), trabajó como animadora tradicional y artista de poses de personajes en aproximadamente 52 episodios. En un estudio mayoritariamente orientado a la animación Flash, su papel consistía en aportar ese sentido de movimiento orgánico, peso y deformaciones que proviene directamente de la escuela japonesa.

El Dofus Mag número 3 (2009) “explica de manera más general la situación de los estudios de animación en Francia y Japón para que puedas entender mejor por qué Ankama Animations es, sin duda, una de las apuestas más arriesgadas de los chicos del norte”, resume perfectamente la situación:

“Así, Masako Sakano hacía animación tradicional en el Studio Ghibli y sigue haciéndolo (pero en Roubaix). La única diferencia notable es que hay algunas computadoras más entre su lápiz y el espectador.”

Esta frase no es solo un eslogan llamativo: describe con precisión lo que aporta a Wakfu. Sus poses sirven como base para animaciones luego finalizadas en Flash, pero el corazón del movimiento —la intención, la energía, la silueta clara— proviene del dibujo a mano.

Esta influencia se puede ver en muchas escenas de combate, carreras y reacciones expresivas de los personajes: el timing (la velocidad del movimiento) y el spacing (la distancia entre los dibujos) a menudo evocan una sensibilidad más “sakuga” —término japonés para secuencias de animación particularmente trabajadas y fluidas— heredada de sus años en Ghibli.

Una animadora francesa, Floriane Grivillers, alias Foya, también testimonio en LinkedIn el placer de trabajar en los genga de Masako Sakano para Wakfu.

Masako Sakano no se limita a Wakfu. También se convirtió en una de las piezas clave de la animación de la otra gran licencia de Ankama, Dofus: en la serie Dofus: Los Tesoros de Kerubim (2013), trabajó en 52 episodios como artista principal de diseño de personajes, es decir, responsable principal de la disposición de los personajes y las poses clave.

El artista de diseño de personajes, para decirlo simplemente, es quien decide cómo se colocan los personajes en el plano, desde qué ángulo se les ve y cómo se integran en el decorado. Es una mezcla de puesta en escena y dibujo técnico, que prepara el terreno para los animadores.

Luego participó en el largometraje Dofus – Libro I: Julith (2015), donde su experiencia en Ghibli encontró un eco natural en las ambiciones cinematográficas de la película. El proyecto mostraba claramente sus ambiciones durante el Festival de Annecy 2015: elevar el nivel de la animación francesa con combates muy coreografiados, expresiones finas y deformaciones cartoon controladas.

Un proyecto cristaliza particularmente el diálogo entre la animación japonesa y la francesa en torno a Wakfu: el OVA “Ogrest, la Leyenda”, un especial de 45 minutos realizado por Ankama Japan en 2011. La película se presenta frecuentemente como un ejemplo logrado de esta cooperación entre el estudio francés y los talentos japoneses. A diferencia de la serie principal, producida mayoritariamente en Flash, el episodio de Ogrest está animado completamente en 2D tradicional, con un equipo mixto franco-japonés.

Hoy en día, Masako Sakano sigue trabajando como animadora 2D independiente en Francia, colaborando con diferentes estudios mientras continúa esta trayectoria singular entre Japón y Europa. En su perfil de LinkedIn, se describe como “Freelance 2D Traditional Animator” y especifica: “experienced in Japanese and French Animation Industry. I am always interested in cute projects, short films, and feature films.”

En septiembre de 2024, publicó en LinkedIn que buscaba trabajo en la región de Lille o en teletrabajo internacional. Sigue siendo invitada regularmente a festivales (Paris Manga, Jonetsu, encuentros sobre animación) para hablar de su profesión y esta doble cultura profesional.

Para los fans de Wakfu, saber que una animadora que trabajó en los intervalos de Mi Vecino Totoro o El Viaje de Chihiro también trabajó en las poses de Yugo, Amalia o Kerubim, le da un sabor especial a cada plano bien animado.

Masako Sakano es la prueba de que entre los bosques de Totoro y las llanuras del Mundo de los Doce, a veces solo hay un mismo trazo, dibujado a lápiz, por la misma mano.

La ambición era enorme: crear una experiencia interactiva que superara la simple sesión de streaming habitual. Lucien Melki, fundador de Jump Influence, recuerda el desafío lanzado por Ankama: « Desarrollamos y creamos una extensión directamente en Twitch. Durante 3-4 meses, hubo concepción y desarrollo con Dofus y los equipos de Jump ».

El resultado superó todas las expectativas. Desde el primer día, más de 66.000 personas utilizaron la extensión, una cifra casi récord en Twitch. A lo largo del evento, 167.500 usuarios descargaron la extensión, transformando cada transmisión en una aventura colectiva donde los espectadores alimentaban a Gargandyas, el poderoso Titán de Osamodas, para hacerlo evolucionar del nivel 1 al nivel 100.

Bruno Vicaire, Influence Manager en Ankama, destacaba los resultados que « superan nuestras expectativas más locas »: más de 100.000 usuarios únicos en menos de una semana, una erosión de audiencia totalmente nula durante la primera semana de juego (una primicia para la categoría Dofus) y « una experiencia interactiva e inmersiva única ».

La campaña movilizó a 350 creadores (streamers profesionales) y más de 600 streamers que compartieron la extensión con su comunidad. En total, 250.000 personas participaron en esta operación, convirtiendo a « Feed the Beast » en una de las mayores experiencias colaborativas jamás realizadas en Twitch. Como señala Lucien Melki en LinkedIn: « Simplemente creamos la extensión interactiva más popular del mundo en Twitch ».

La extensión ofrecía cuatro tipos de eventos interactivos que ocurrían regularmente durante las transmisiones. Cada 30 minutos, aparecían runas de Forgemagia en la superposición, obligando a los espectadores a hacer clic rápidamente antes de que desaparecieran. También surgían jefes, que requerían responder correctamente a cuestionarios sobre el universo del Krosmoz o lanzar el hechizo elemental adecuado. Finalmente, algunos monstruos solo podían ser vencidos mediante spam en el chat. Este enfoque cross-stream permitía a los jugadores contribuir a la progresión colectiva independientemente del canal que estuvieran viendo, creando una verdadera sinergia entre las diferentes comunidades.

Las estadísticas de audiencia de Dofus en Twitch atestiguan la eficacia de esta campaña. En julio de 2025, con el lanzamiento de « Feed the Beast », el juego registró un aumento espectacular del 120% en el promedio de espectadores en comparación con el mes anterior, pasando de 893 a 1.964 espectadores en promedio [adjunto: estadísticas]. El pico de espectadores alcanzó 12.244 espectadores el 22 de julio, día del lanzamiento del evento.

En agosto, a pesar del fin progresivo del evento el día 12, la audiencia se mantuvo con 2.009 espectadores en promedio (+2,3% respecto a julio) y 1,49 millones de horas vistas. El número promedio de transmisiones pasó de 31 en julio a 38 en agosto, un aumento del 22,5%.

La estrategia de Ankama para esta campaña se enmarcaba en la voluntad de fortalecer la experiencia del espectador de los creadores de contenido orgánico en lugar de invertir grandes presupuestos en creadores externos. Este enfoque dio sus frutos, creando un círculo virtuoso donde la comunidad existente se convierte en el principal vector de promoción del juego.

« Este año, decidimos reforzar la experiencia del espectador de nuestros creadores de contenido orgánico en lugar de gastar grandes presupuestos en creadores externos » – Bruno Vicaire

Una estrategia que generó una audiencia auténtica y comprometida, muy lejos de los picos efímeros que suelen observarse en las campañas de influencia tradicionales.

Fundado el 1 de marzo de 2022 con un capital de 300.000 euros, Blue Banshee fue el fruto de la colaboración entre tres personalidades clave. Étienne Jacquemain, diseñador de juegos y director creativo con sede en Ploemel, aportó su experiencia en el desarrollo de videojuegos. A su lado, David Kubacki, más conocido como Souillon, creador del famoso cómic Maliki desde 2004, se encargó de la dirección artística. El tercer socio no era otro que Ankama.

Souillon había trabajado en Ankama como diseñador de personajes para el videojuego Dofus antes de pasar a la serie animada Wakfu. Los cómics de Maliki, publicados por Ankama Éditions desde 2007, habían vendido más de 300.000 ejemplares en todo el mundo.

Maliki: Poison of the Past, un primer juego recibido con entusiasmo pero con ventas decepcionantes

El estudio Blue Banshee había concentrado todos sus esfuerzos en el desarrollo de Maliki: Poison of the Past, un RPG narrativo por turnos inspirado en el cómic homónimo. El juego, desarrollado durante tres años, finalmente se lanzó el 22 de abril de 2025 en PC a través de Steam y Nintendo Switch, esta última con exclusividad de consola.

El universo de Maliki no era desconocido para el público. Creado en 2004, este webcómic humorístico y autobiográfico de Souillon ya había conquistado a una comunidad fiel. Los ocho tomos de la serie de cómics, publicados por Ankama Éditions, habían demostrado el apego del público al personaje de Maliki, una joven de pelo rosa acompañada de sus gatos Fëanor y Luma.

El juego ofrece una mecánica original centrada en la manipulación del tiempo, permitiendo a los jugadores crear combos estratégicos enviando personajes al pasado o al futuro. La aventura sigue a Sand, una joven lanzada a un conflicto épico contra Poison, una criatura vegetal que amenaza a la humanidad a través del espacio-tiempo. La realización técnica y artística del juego se benefició de una banda sonora compuesta por Starrysky y el renombrado compositor japonés Motoi Sakuraba.

A pesar de una acogida crítica generalmente positiva con una puntuación media del 76% y comentarios entusiastas, las ventas comerciales no acompañaron. Según los testimonios de Étienne Jacquemain, “se vendieron en preventa por un valor de 480.000 euros incluyendo merchandising, pero tras el lanzamiento del juego, muy, muy pocas copias”. Esta campaña de preventa a través de la plataforma francesa KuneKune había generado cierto entusiasmo con 7.300 preventas y 5.357 participantes, lo que hacía esperar un éxito comercial razonable para un estudio independiente de este tamaño.

El momento del lanzamiento resultó desastroso para Blue Banshee. El 22 de abril de 2025, día del lanzamiento de Maliki: Poison of the Past, dos producciones importantes eclipsaron la visibilidad del pequeño estudio bretón. “Es un pequeño juego que salió al mismo tiempo que dos grandes producciones”, explica Étienne Jacquemain en su entrevista en Le Télégramme.

Por un lado, Oblivion, un remake de un viejo juego de rol de culto, se lanzó el mismo día en lo que la industria llama un “shadow drop” – un lanzamiento sorpresa no anunciado con antelación. Por otro lado, Clair Obscur: Expedition 33 también vio la luz esa fecha y “fue un éxito rotundo”, según las palabras del cofundador. “Fue muy duro, salimos el mismo día que Clair Obscur: Expedition 33, que fue un éxito. No es el mismo tipo de juego, es una gran producción, pero son un poco los mismos jugadores…”, testifica Étienne Jacquemain en Ouest-France. Esta competencia frontal con producciones con presupuestos de marketing mucho mayores fue fatal: “contribuyó a aplastar aún más nuestra visibilidad”.

Otro factor agravante, quizás el más revelador, residía en la actitud del editor. “Nuestro editor Ankama no invirtió en un presupuesto de comunicación, no creía realmente en ello”, confiesa amargamente Étienne Jacquemain. Esta falta de apoyo de marketing por parte de un accionista importante, directamente involucrado en el capital de Blue Banshee, claramente influyó en el fracaso comercial del título. Esta revelación plantea preguntas sobre la verdadera naturaleza del compromiso de Ankama con el proyecto: ¿era simplemente una inversión de precaución o una verdadera voluntad de llevar al estudio al éxito?

La liquidación de Blue Banshee no es, desafortunadamente, un caso aislado. El estudio bretón es una de las muchas víctimas de una profunda crisis que sacude a la industria del videojuego desde 2023. Esta crisis, calificada de “hecatombe” por Étienne Jacquemain, tiene sus raíces en la explosión y posterior estallido de la burbuja especulativa post-Covid. El confinamiento provocó un aumento del tiempo de juego y una llegada masiva de nuevos jugadores. Esta euforia atrajo inversiones considerables, los estudios contrataron masivamente y se lanzaron numerosos proyectos, anticipando una demanda sostenidamente alta.

La industria francesa del videojuego no ha sido ajena a esta ola de despidos y cierres. El estudio parisino Don’t Nod, creador de la famosa serie Life is Strange y considerado uno de los buques insignia del videojuego francés, anunció en octubre de 2024 un plan de despidos que afecta a 69 empleos, es decir, el 20% de su plantilla total. Esta decisión sigue a las decepcionantes ventas de sus últimas producciones, Jusant y Banishers: Ghosts of New Eden, que hicieron caer la facturación de 7 millones de euros en 2022 a solo 5,4 millones en 2023.

En Montpellier, el pequeño estudio Artisan Studios, que contaba con diecisiete empleados, solicitó su declaración en concurso de acreedores el 16 de diciembre de 2024 tras varios meses sin pagar los salarios. “Es una caída al infierno”, testimoniaba un empleado en las columnas de Mediapart. En abril de 2024, el estudio lionés Mi-Clos cesó sus actividades tras diez años de existencia, dejando en la calle a una treintena de empleados.

Esta crisis generalizada ha cambiado profundamente el comportamiento de editores e inversores. “Los inversores son muy reacios al mercado del videojuego, muchos estudios han cerrado en los últimos dos años”, explica Étienne Jacquemain. Los requisitos para que los estudios independientes financien sus proyectos se han endurecido drásticamente. Blue Banshee lo experimentó en carne propia. Tras el lanzamiento de Maliki, el estudio trabajaba en un segundo proyecto interno y había realizado “una demo, una maqueta, un pitch que presentamos a muchos editores” en Estados Unidos, Gran Bretaña y Corea. Las respuestas fueron alentadoras: “Recibimos muchos buenos comentarios de los editores que lo encontraban muy bonito, interesante y original”, recuerda Étienne Jacquemain.

Pero estos elogios nunca se tradujeron en financiación. “El problema es que la industria del videojuego está en una crisis bastante profunda”, explica. Las condiciones de financiación han cambiado radicalmente: “Hace cuatro años, podríamos haber financiado nuestro proyecto con un papel, un concepto y algunas imágenes bonitas, pero ahora los editores quieren que lleguemos casi hasta el final del desarrollo”.

Este cambio sitúa a los estudios independientes en una posición insostenible. “Los editores piden a estudios como el nuestro que hagan una demo jugable con dos tercios del desarrollo completados, mientras que hace dos años se financiaba el proyecto. La concepción del prototipo ya no es suficiente, pero no tenemos los medios”, lamenta Étienne Jacquemain. En otras palabras, los editores exigen ahora que los estudios asuman la mayor parte del riesgo financiero antes de considerar cualquier inversión. “Básicamente, piden a las empresas que asuman todos los riesgos. Para nosotros, era demasiado pesado financieramente”, concluye.

Una caída brutal: del cese de pagos a la liquidación

Ante el fracaso comercial de Maliki y la imposibilidad de financiar su segundo proyecto, Blue Banshee se encontró rápidamente en dificultades financieras. “Las cosas se torcieron bastante rápido en unos pocos meses”, resume Étienne Jacquemain. La fecha de cese de pagos se fijó provisionalmente el 21 de agosto de 2025 por el tribunal de comercio de Lorient.

Menos de dos meses después, el viernes 10 de octubre de 2025, el tribunal de comercio de Lorient decretó la apertura de un procedimiento de liquidación judicial contra Blue Banshee SAS. La sentencia constata que la empresa “se encuentra en estado de cese de pagos y cualquier recuperación parece manifiestamente imposible”. Esta liquidación fue solicitada por el propio estudio, que había presentado su solicitud ante el tribunal. El representante legal de Blue Banshee y el representante de los empleados fueron escuchados durante la audiencia del 10 de octubre de 2025.

En el momento de la liquidación, Blue Banshee contaba con nueve empleados, la mayoría en teletrabajo, repartidos entre Francia y Bélgica. El estudio llegó a emplear hasta a veinte personas en su apogeo. Todos estos empleados fueron despedidos. “Es muy decepcionante y muy frustrante porque realmente construimos un gran equipo, gente extremadamente competente y entusiasta; siempre es desgarrador tener que poner fin a esto”, confiesa Étienne Jacquemain.

La relación entre Blue Banshee y Ankama merece una atención especial, ya que ilustra las complejidades y ambigüedades de las relaciones entre estudios independientes y grandes editores. Ankama era a la vez accionista de Blue Banshee (como director general junto a David Kubacki) y editor exclusivo del juego Maliki: Poison of the Past. Este doble papel podría haber sido una ventaja decisiva para el joven estudio.

Sin embargo, esta proximidad claramente no fue suficiente para salvar a Blue Banshee. La falta de un presupuesto de comunicación asignado por Ankama para el lanzamiento de Maliki: Poison of the Past fue señalada explícitamente por Étienne Jacquemain: “Y nuestro editor Ankama no invirtió en un presupuesto de comunicación; no creía realmente en ello”. Esta falta de apoyo sugiere que Ankama quizá no tenía suficiente confianza en el potencial comercial del título, o que prefirió concentrar sus recursos en otros proyectos considerados más estratégicos.

Es importante señalar que “esto no tiene incidencia en los otros accionistas (la SARL Playerone y la SAS Ankama)”, como aclaró Étienne Jacquemain durante el anuncio de la liquidación. La estructura jurídica de Blue Banshee, como sociedad por acciones simplificada (SAS), limita la responsabilidad de los accionistas al monto de sus aportes. Ankama y Playerone no están obligados, por lo tanto, a reembolsar las deudas de la sociedad liquidada más allá de su participación en el capital social de 300.000 euros.

Esta situación plantea preguntas sobre la naturaleza de la implicación de Ankama en Blue Banshee: ¿era una verdadera inversión estratégica con voluntad de éxito, o más bien una participación de precaución, que permitía a Ankama mantener un ojo en un proyecto relacionado con una de sus propiedades intelectuales (Maliki) mientras limitaba su compromiso financiero y de marketing?

A pesar del dolor de este fracaso, Étienne Jacquemain intenta mantener la perspectiva. “Seguimos muy orgullosos del proyecto”, afirma en Ouest-France. Insiste en el trabajo realizado: “Fue una aventura de tres años; tuvimos que estructurar el equipo, lanzar el proyecto, un trabajo bastante difícil que termina en un final abrupto… Es muy decepcionante y muy frustrante”.

Pero también sitúa la liquidación de Blue Banshee en el contexto más amplio de la crisis sectorial: “Desafortunadamente, no somos los únicos a quienes les pasa esto; no es una situación muy excepcional en el sector en este momento”. Esta lucidez no borra la amargura. “Es bastante complicado; hay que postularse en industrias que miran hacia el serious gaming, la gamificación o el diseño de juegos, donde hay más salidas posibles. Para los artistas, también es un poco complicado”, explica al hablar de las perspectivas para su equipo.

En cuanto al futuro personal del cofundador, sigue abierto: “La opción para mí es encontrar un empleo creativo en la industria. Y si surgen oportunidades para montar otro estudio, ¿por qué no? Pero no quiero hacer dos veces lo mismo”.

A pesar de la liquidación judicial de Blue Banshee, Maliki: Poison of the Past sigue disponible para su compra en Steam, en la Nintendo eShop y en el Ankama Launcher. Esto puede sorprender a primera vista, pero se explica por la naturaleza misma del juego. A diferencia de muchos juegos modernos que requieren servidores en línea para funcionar, Maliki: Poison of the Past es una experiencia en solitario completa que no depende de ningún servidor para ser jugado. Esta arquitectura técnica garantiza que los jugadores que compren el juego hoy podrán jugarlo indefinidamente, sin riesgo de que su compra se vuelva inutilizable debido al cierre de servidores en línea.

No se esperan actualizaciones correctivas, parches de errores ni mejoras. El juego permanece congelado en su versión actual. Para los jugadores, esto significa que compran el juego en su estado final, tal como estaba en el momento de la liquidación de Blue Banshee. Cualquier problema técnico encontrado probablemente no será resuelto, ya que no hay un equipo de desarrollo para intervenir.

El contexto: Ankama busca su camino en el móvil

El año 2014 marca un punto de inflexión para Ankama. El estudio de Roubaix, respaldado por el éxito de Dofus y el prometedor surgimiento de Wakfu (especialmente la serie animada), observa con atención la explosión del mercado móvil. Los smartphones se convierten en los nuevos terrenos de juego privilegiados, y los ingresos generados por las aplicaciones móviles alcanzan cifras vertiginosas.

Sin embargo, las primeras incursiones de Ankama en este mercado siguen siendo tímidas. Dofus Pocket, lanzado en 2009, seguido de Dofus-Arena Pocket, no tuvieron el éxito esperado. Call of Cookie, desarrollado por Devalley Entertainment y publicado por Ankama, solo logró una calificación promedio de 3.8 estrellas en Google Play, una puntuación decepcionante. Este último ha desaparecido de las tiendas desde entonces.

«Ankama también ha intentado ya los juegos en móvil, pero con poco éxito», observan los analistas de la época. El estudio francés, acostumbrado a las mecánicas complejas y los universos profundos de sus MMORPG, tiene dificultades para adaptar su visión creativa a las limitaciones del móvil: pantallas más pequeñas, sesiones de juego más cortas y modelos económicos diferentes.

Es en este contexto que nace la idea de una asociación estratégica. En lugar de persistir solo en sus intentos, Ankama decide asociarse con un especialista del sector.

Una transición gerencial determinante

Antes del inicio del acuerdo con Gumi, Ankama experimentó un período de transición importante con el nombramiento de Olivier Comte como director general en 2013. Este nombramiento marcó un giro, ya que fue el primer director externo de la compañía, hasta entonces dirigida únicamente por sus fundadores. Su mandato, relativamente corto, de 2013 a 2015, estuvo marcado por decisiones estratégicas particularmente ambiciosas.

La expansión internacional de las IP de Ankama constituye uno de los ejes principales de su dirección, con la apertura de sucursales en varios países para desarrollar la presencia global del estudio. Al mismo tiempo, la concesión de los derechos de la serie Wakfu a Netflix para una difusión internacional representa un hito histórico para la compañía, mostrando una voluntad de apertura hacia nuevos mercados mediáticos. Este enfoque se acompaña de una búsqueda activa de alianzas estratégicas para conquistar nuevos segmentos, especialmente el mercado móvil en plena explosión.

A pesar de estas iniciativas prometedoras, este período de transición no duró, y Olivier Comte dejó sus funciones en 2015. Sin embargo, bajo su dirección se concretó la asociación con Gumi, testimonio de su visión de apertura internacional y diversificación que marcó duraderamente el ADN de Ankama.

El encuentro con Gumi: una asociación prometedor

El 11 de marzo de 2014, se hace el anuncio: Ankama y Gumi Inc. firman una «asociación estratégica centrada en los juegos móviles», que parece prometedor sobre el papel.

Gumi Inc., fundada en 2007, se ha establecido como uno de los líderes indiscutibles del juego móvil en Asia. Tras lanzarse a la creación de la primera red social de juegos móviles japonesa «GREE», la compañía desarrolló una experiencia reconocida en el móvil en iOS y Android. Sus títulos originales como Yakuza Wars, Knight Wars o Duel Summoner marcaron el mercado japonés.

Pero es sobre todo con Brave Frontier que Gumi demuestra su dominio del sector. Este RPG móvil, desarrollado por el estudio Alim (adquirido por Gumi en 2013), se convierte en un fenómeno mundial. Con más de 7 millones de usuarios en Asia y América del Norte, Brave Frontier genera ingresos colosales y se sitúa regularmente en el top 20 de las aplicaciones más rentables en Europa.

«La experiencia de Gumi en el desarrollo de juegos móviles, combinada con su profundo conocimiento del mercado móvil asiático, lo convierte en el socio ideal para continuar nuestro desarrollo», declara Olivier Comte, director general de Ankama. Por su parte, Hironao Kunimitsu, CEO de Gumi Inc., se regocija: «Ankama Games es capaz de crear universos coherentes que atraen a un público amplio. Estamos orgullosos y felices de asociarnos con este estudio talentoso».

David Ng, CEO de gumi Asia Pte. Ltd.: «Nuestro estudio en Singapur está entusiasmado con esta oportunidad de trabajar con Ankama en su licencia WAKFU. Gumi sabe desarrollar juegos de rol respetando el tono y el estilo de la marca, y esta experiencia no dejará de hacer de WAKFU Raiders una experiencia increíblemente divertida e inmersiva».

Camille Chafer, director técnico y cofundador de Ankama, declara: «Tras el lanzamiento mundial de la serie de TV WAKFU en Netflix y el del MMORPG en Steam, WAKFU Raiders es una nueva oportunidad para dar a conocer el universo de WAKFU a más fans en todo el mundo. Este juego móvil es una nueva ramificación de la experiencia transmedia que seguimos construyendo con cada uno de nuestros lanzamientos».

Tras una ronda de financiación de 19 millones de dólares el año anterior, Gumi desea expandirse internacionalmente. La apertura de una oficina en París simboliza esta ambición, y la asociación con Ankama representa su primer acuerdo estratégico en Francia.

El primer proyecto de esta colaboración se anuncia para 2014, generando ya muchas especulaciones. ¿Encontrará finalmente el universo del Krosmoz su camino en el móvil?

El desarrollo en la sombra: la ambición de un “mejor Brave Frontier”

Las primeras pistas aparecen en abril de 2015, cuando el nombre «Wakfu Raiders» aparece fugazmente en la lista de juegos presentes en el Lineup de Ankama. Pero la ficha es rápidamente eliminada, alimentando los rumores. Algunos especulan con un lanzamiento en Nintendo 3DS, recordando los precedentes de Ankama en DS.

Es en mayo de 2015 cuando las páginas oficiales de Gumi revelan la existencia del proyecto: Wakfu Raiders será efectivamente un juego móvil, desarrollado para Android e iOS. Los «Términos de Servicio» y «Política de Privacidad» publicados por el estudio singapurense confirman la presencia de medios de pago integrados, sugiriendo un modelo free-to-play. Los datos posteriores revelan que el juego será publicado bajo el nombre del proveedor Mynet Games Inc. en Google Play Store, filial de Gumi en ese momento.

«Según la información inicial, sería el estudio ubicado en Singapur el encargado del desarrollo junto con Ankama Singapur», según nuestro artículo de la época. Esta colaboración internacional ilustra la magnitud del proyecto: Gumi aporta su experiencia técnica y su conocimiento de los mercados asiáticos, mientras que Ankama proporciona su universo creativo y su comprensión de la comunidad europea.

Una entrevista reveladora concedida al videasta Simon Tay durante el desarrollo permite comprender mejor las ambiciones del proyecto. Cash Ong, jefe de estudio en Gumi Asia, y Kris Lee, productor asociado, detallan su visión en los estudios singapurenses del gigante japonés.

«Cuando se nos pidió construir este juego, debía ser un mejor Brave Frontier», explica Cash Ong. «Miramos Brave Frontier, lo que ofrecía, y todas las características de nuestro juego debían resolver los problemas que Brave Frontier tenía inicialmente. En realidad, es una especie de mejor Frontier».

Este enfoque revela la mentalidad del equipo: en lugar de revolucionar el género, Wakfu Raiders se posiciona como una evolución directa de Brave Frontier, heredando sus mecánicas y corrigiendo sus defectos identificados. «Hicimos el juego de la A a la Z, desde la parte artística, la programación y las animaciones», precisa Cash Ong, destacando la inversión total de Gumi Asia en el proyecto.

Kris Lee detalla su papel como coordinador: «Superviso la producción, coordino las cosas con Cash y hablo con la gente en el terreno. Trabajo con los artistas, programadores y diseñadores de juegos para asegurarme de que todo esté a tiempo y que todo entre en el juego sin problemas». Esta organización da testimonio de un proyecto internacional que involucra a varios estudios y zonas horarias.

El equipo de Gumi Asia no se contenta con corregir los defectos de Brave Frontier, sino que también innova. «Una de las principales cosas que la gente no le gustaba de Brave Frontier era obtener los mismos personajes gacha», explica Cash Ong. «Cambiamos la forma en que la gente mejora sus personajes, la rareza de los personajes con Wakfu Raiders».

Aún más revolucionario, el equipo introduce una funcionalidad que rápidamente se convertirá en un estándar de la industria: «Introdujimos algo que ahora es una característica muy popular en muchos juegos por venir, incluso en los juegos occidentales, que es la función de auto-juego». Esta innovación, aunque hoy es común, representó una verdadera ruptura en su época.

«Es el tipo de cosa que amas u odias, pero se ha demostrado una y otra vez que la mayoría de los jugadores parecen querer esta característica», justifica Cash Ong. «El juego, similar a Brave Frontier, siempre te permite activar tus habilidades especiales definitivas, pero si no haces nada, el juego continúa jugando solo».

La colaboración artística con Ankama: una inversión sin precedentes

El aspecto más emocionante del proyecto reside en la colaboración creativa con Ankama. «Para mí, el principal punto de atracción de Wakfu Raiders en comparación con Brave Frontier sería que tenemos el honor de trabajar con Ankama, que es el propietario de la IP de Wakfu», se entusiasma Kris Lee. «Tienen todos estos personajes hermosos e interesantes con un poco de humor negro extraño dentro».

Esta admiración por el universo de Ankama se refleja en cada declaración de los desarrolladores. «Estoy realmente impresionado por los gráficos de Ankama y podemos usarlos en Wakfu Raiders», continúa Kris Lee. «Esto hace que todo el juego destaque un nivel más».

El enfoque visual de Wakfu Raiders contrasta deliberadamente con el de Brave Frontier. «Brave Frontier juega un poco más con la nostalgia del arte pixel, pero para Wakfu Raiders, todo está en hermosos gráficos, todo pintado a mano, animado a mano», explica Kris Lee. «Es lo que siento como una mejora muy bonita con respecto a Frontier que ofrecemos a nuestros jugadores».

Este enfoque artístico híbrido resulta técnicamente ambicioso. «Tenemos personajes 2D contra un entorno 3D», detalla Cash Ong. «El estilo artístico en sí… Ankama ha hecho un trabajo fantástico con la IP, han logrado crear un estilo artístico único… cuando miras Wakfu, sabes que es distintivo».

Además de los gráficos cuidados, el equipo también se esforzó por implementar voces en inglés profesionales durante los movimientos definitivos de los personajes, una rareza en el móvil en ese momento. Este trabajo de voz, realizado para algunos héroes por la actriz de doblaje Rachael Messer (conocida por sus papeles en Black Clover, Goblin Slayer o Borderlands 3), da testimonio de la ambición de crear una experiencia de altos estándares. Hoy en día, aún existen demos de este trabajo.

Una de las innovaciones más ambiciosas concierne a los ataques combinados. «Hemos creado un nuevo sistema en comparación con Brave Frontier, donde en el Frontier normal atacas en cualquier orden, pero también hemos creado este sistema de ataque de equipo donde el orden de tu ataque durante el juego en sí… crea un ataque de equipo adicional basado en el tipo de combinaciones de personajes puestos juntos», detalla Kris Lee.

Esta mecánica, destinada a «llevar el juego al siguiente nivel», revela la ambición técnica del equipo de ofrecer algo verdaderamente nuevo. Sin embargo, esta complejidad adicional, añadida a los sistemas ya existentes, corre el riesgo de crear una curva de aprendizaje intimidante para los nuevos jugadores móviles.

Pero el proyecto se retrasó. Inicialmente previsto para 2014, luego pospuesto, Wakfu Raiders finalmente no vería la luz hasta julio de 2015. Estos retrasos, habituales en la industria, tal vez ya escondían las primeras dificultades técnicas y creativas vinculadas a esta ambiciosa fusión entre dos universos artísticos distintos.

El lanzamiento: entre esperanzas y primeros signos de una recepción mitigada

El 23 de julio de 2015: Wakfu Raiders llega oficialmente a las tiendas iOS y Android en Europa. Tras más de un año de desarrollo, el público finalmente puede descubrir lo que escondía esta colaboración franco-japonesa.

El pitch es ambicioso: «Sumérgete en el Mundo de los Doce para resolver el misterio de los fenómenos extraños que ocurren en la dimensión de Etatim», «Como uno de los subordinados de Yakusha, debes investigar las anomalías que aparecen en todas partes del mundo y descubrir por qué los dioses del reino de Wakfu están perdiendo sus poderes.» Esta dimensión alternativa permite a los desarrolladores tomar algunas libertades con el lore establecido, mientras conservan la esencia del universo Wakfu. Hasta donde sabemos, nunca hemos vuelto a ver esta dimensión desde Wakfu Raiders.

El enfoque narrativo intenta seducir tanto a los neófitos como a los conocedores. «La historia comienza en las gradas de una arena de Brâkmar, un grupo de aventureros llega de improviso al palco VIP del Dios Xelor», relata la prueba de Otakia. El escenario, inspirado en los códigos del sueño lúcido, coloca al jugador en la piel de un Iop superviviente, obligado a explorar esta realidad onírica para encontrar a sus compañeros.

Visualmente, el juego causa sensación y cumple las promesas de los desarrolladores. «En el plano gráfico, es magnífico, bien animado», reconoce la crítica. Los personajes del universo Wakfu cobran vida con una calidad de animación rara en el móvil. Cada héroe dispone de animaciones fluidas y expresivas, en la pura tradición de la animación francesa, validando las entusiastas declaraciones de Kris Lee sobre la colaboración con Ankama.

El sistema de juego materializa la ambición declarada de mejorar Brave Frontier. El equipo de Gumi Asia ha introducido efectivamente innovaciones notables, comenzando por el sistema de auto-juego tan elogiado por Cash Ong. «Debes mirar cuándo es el mejor momento para lanzar tus habilidades», había explicado. «Para Brave Frontier, si no haces nada, todo se pausa».

Esta funcionalidad, revolucionaria para la época, divide inmediatamente. La automatización permite a los jugadores dejar que sus personajes combatan de manera autónoma, manteniendo la posibilidad de intervenir puntualmente para activar habilidades especiales. Un enfoque que seduce a los jugadores móviles con prisas, pero que desconcierta a los fans de Ankama, acostumbrados a un control total.

El equipo también hizo hincapié en la estrategia posicional, como había prometido Cash Ong: «Dónde colocas tus unidades en tu selección de grupo, ponerlas adelante, en el medio, atrás, todo tiene bonificaciones diferentes». Esta profundidad táctica, combinada con los estilos de juego individualizados de cada personaje, da testimonio de la voluntad de enriquecer la experiencia en comparación con el modelo Brave Frontier.

Cada mundo se divide en 8 mazmorras, que a su vez están compuestas por tres salas con un jefe final. Esta estructura, probada en otros títulos del género, ofrece un ritmo de progresión claro y objetivos a corto plazo, respetando los códigos establecidos del móvil.

Sin embargo, desde las primeras pruebas, aparecen fallos. El tutorial, aunque «didáctico», no logra ocultar las limitaciones del gameplay. «La interacción es muy limitada, los personajes atacan solos, te limitas a lanzar sus golpes especiales cuando su medidor está lleno», señala Otakia. «A diferencia de otros juegos para smartphone ya lanzados (Dofus Battle 1 y Dofus Battle 2), realmente se tiene la impresión de que el impacto de nuestras acciones es muy limitado», lamenta la prueba. Este enfoque automatizado, característico del móvil, divide inmediatamente a la comunidad. Los fans de Ankama, acostumbrados a mecánicas complejas y a la libertad estratégica.

La recepción crítica revela una paradoja fundamental: Wakfu Raiders seduce por su estética pero decepciona por su gameplay. El sistema de combate automático, pilar del juego y orgullo de Cash Ong, cristaliza las críticas. Los personajes entran en batalla y se enfrentan de manera autónoma, y el jugador se limita a activar puntualmente habilidades especiales. «Tener la opción de combate automático para el farming en segundo plano hace que el gameplay de combate sea mucho menos significativo en la experiencia», observa MMOHuts.

MMOHuts señala que «el juego no es tan difícil de entender porque ha habido muchos juegos similares populares en el mercado móvil que usan el mismo motor». Esta familiaridad, lejos de ser una ventaja, se convierte en un hándicap. En un mercado saturado de RPG móviles con mecánicas similares, Wakfu Raiders tiene dificultades para destacar de otra manera que no sea por sus gráficos, a pesar de las mejoras destacadas por el equipo de desarrollo, lo que subraya la ambigüedad del proyecto: ¿es un verdadero juego de Ankama o un disfraz cosmético sobre mecánicas genéricas?

La progresión también sufre esta estandarización. El sistema de niveles de dificultad (Normal, Élite, Experto) retoma los códigos establecidos del género. Las recompensas más importantes de los niveles superiores motivan la rejugabilidad, pero a costa de una repetición asumida que contradice la ambición declarada de «gameplay de nivel superior».

Paradójicamente, es en el aspecto narrativo donde el juego decepciona más. «La historia inicial está llena de promesas, pero el escenario pasa completamente a un segundo plano una vez que empiezas a jugar», lamenta Otakia. La riqueza del universo Wakfu, principal activo del proyecto según Kris Lee, se diluye en una sucesión de mazmorras sin verdadera coherencia narrativa, desperdiciando el «humor negro extraño» tan apreciado por el equipo de desarrollo.

Esta frustración afecta particularmente a los fans de la primera hora. La comunidad de Ankama, apegada a la profundidad del lore y a la complejidad de las mecánicas, se siente decepcionada por este enfoque simplificado y abandona rápidamente el juego. MMOHuts reconoce que «ver a los personajes de Wakfu y Dofus casi a tamaño natural y de cerca» constituye una verdadera ventaja.

En Krozmotion, probamos el juego durante varias semanas tras su lanzamiento, formando parte de los primeros comentarios críticos sobre el proyecto. Nuestra experiencia refleja perfectamente esta división comunitaria que caracteriza la recepción del título. El juego sigue siendo globalmente agradable y guardamos buenos recuerdos de las partidas jugadas. La dirección artística de Ankama se transmite en cada animación, ofreciendo un espectáculo visual notable para la época.

Sin embargo, varios elementos limitaron rápidamente nuestro compromiso. La repetición de los combates y la falta de profundidad narrativa, o al menos, un escenario poco alineado con los estándares habituales del universo Krosmoz, crearon una frustración creciente a lo largo de las horas de juego. Esta desconexión entre el universo rico de Ankama y su transposición móvil simplificada explica sin duda por qué tantos fans históricos expresaron su decepción, a pesar de la belleza artística elogiada por el equipo de desarrollo.

Finalmente, la comunicación externa en torno al juego claramente careció de coherencia y alcance. Los intercambios con el público histórico de Ankama se limitaron a algunos artículos en los sitios oficiales y a publicaciones esporádicas en las redes sociales. En realidad, la principal fuente de información para los jugadores seguía siendo descargar el juego y consultar las actualizaciones directamente en el juego. Un enfoque tan minimalista deja pensar que el juego no apuntaba prioritariamente a los fieles del universo Ankama, especialmente debido a sus mecánicas simplificadas, poco adaptadas a las expectativas de los fans tradicionales.

Peor aún, la ausencia de campañas publicitarias dirigidas, especialmente en el móvil, un canal esencial para alcanzar a un público más amplio y adaptado a este tipo de juego, agravó la situación. Esta falta de diálogo con la comunidad existente no solo decepcionó las expectativas de los jugadores históricos, sino que también creó una brecha entre la promesa del juego y su recepción, contribuyendo a su falta de visibilidad y adhesión. Una estrategia de comunicación más ofensiva y mejor adaptada a los soportes sin duda habría permitido conectar mejor el producto con su público potencial.

La dificultad inherente de satisfacer simultáneamente a dos públicos con expectativas diametralmente opuestas. Los fans históricos de Ankama esperaban legítimamente una experiencia rica, compleja y respetuosa de la identidad táctica de los juegos del estudio. En cambio, el público móvil privilegia naturalmente la accesibilidad inmediata, la comodidad de uso y la gratificación rápida. Esta tensión fundamental, mal resuelta por el equipo de desarrollo a pesar de sus innovaciones técnicas, generó un producto híbrido inestable que no satisface plenamente a ninguna de las dos audiencias objetivo.

Un balance mitigado

El rendimiento de Wakfu Raiders da testimonio de un éxito mitigado. El juego alcanza más de 500,000 descargas en Android según los datos disponibles, una cifra honorable pero insuficiente para un proyecto con ambiciones tan elevadas. Para comparación, Brave Frontier había logrado conquistar más de 7 millones de usuarios, estableciendo el estándar que Cash Ong y su equipo esperaban superar.

La recepción crítica revela diferencias notables entre los ecosistemas. Publicado en iOS, el juego obtiene una calificación promedio de 4.0 estrellas basada en 257 opiniones, frente a 3.84 estrellas en Android con más de 18,000 evaluaciones. Esta diferencia sugiere que la base de usuarios de iOS, aunque más restringida, fue más receptiva al proyecto.

El análisis de la distribución de las calificaciones en iOS revela una polarización menos marcada que en Android. En la App Store, el 47.5% de las opiniones otorgan 5 estrellas al juego, mientras que solo el 15.2% le dan 1 estrella. Esta distribución más equilibrada contrasta con la división más marcada observada en Google Play Store, donde las opiniones extremas dominan más las evaluaciones moderadas.

A pesar de un lanzamiento aceptable, Wakfu Raiders tiene dificultades para encontrar su ritmo de crucero. Las actualizaciones se suceden, intentando enriquecer la experiencia: sistema de gremios, equipos de niveles 4 y 5, nuevos héroes. Estos añadidos, clásicos del género, dan testimonio de la voluntad de los desarrolladores de fidelizar a su audiencia y responder a las críticas iniciales, explotando en particular el sistema de crafting mencionado por Cash Ong durante las entrevistas de desarrollo.

Sin embargo, las señales de alarma se acumulan progresivamente. Los ingresos generados no corresponden a las expectativas de Gumi, acostumbrado a los éxitos mundiales como Brave Frontier. El modelo económico free-to-play, basado en las compras integradas de gemas y héroes, no logra crear el compromiso necesario para la rentabilidad de un juego móvil moderno, a pesar de las mejoras prometidas al sistema gacha tradicional.

Varios factores convergen para explicar esta estancamiento preocupante. La feroz competencia del mercado móvil constituye el primer obstáculo: en 2015-2016, los RPG coleccionables se multiplican, cada uno intentando reproducir el éxito de Brave Frontier o Puzzle & Dragons. En esta jungla competitiva, Wakfu Raiders carece de elementos diferenciadores mayores más allá de su dirección artística.

Finalmente, las dificultades operativas de Gumi comienzan a sentirse agudamente. El estudio japonés, en plena expansión internacional, multiplica los proyectos y diluye quizás sus recursos humanos y financieros. La gestión de un juego móvil exige una atención constante: eventos regulares, equilibrio de las mecánicas, comunicación comunitaria activa. Esta carga de trabajo, subestimada al inicio del proyecto, afecta rápidamente la rentabilidad de un título con ingresos limitados.

El período de enero a abril de 2016 marca probablemente el momento en que las discusiones internas se intensifican dramáticamente. Del lado de Gumi, la presión financiera aumenta: mantener servidores globales y un equipo dedicado para un juego poco rentable se vuelve difícil de justificar ante los accionistas. Del lado de Ankama, el fracaso relativo del proyecto cuestiona fundamentalmente la estrategia móvil del estudio y la eficacia de las asociaciones internacionales.

El anuncio que duele

El 26 de abril de 2016, menos de 10 meses después del lanzamiento, cae el hacha que pone fin a la aventura. Gumi Inc. publica un comunicado que resuena como una confesión de fracaso:

«Saludos Raiders, ante todo, gracias por el apoyo brindado a nuestro querido juego, Wakfu Raiders. Hemos apreciado sinceramente que los jugadores, antiguos y nuevos, se unieran a nosotros en esta aventura en el universo de Etatim […] Tras varias discusiones internas, lamentablemente hemos llegado a la decisión de cerrar Wakfu Raiders, debido a limitaciones operativas dentro de la empresa».

Esta formulación diplomática oculta mal la realidad económica cruda que subyace a esta decisión. Las «limitaciones operativas» mencionadas corresponden a la simple imposibilidad de mantener un proyecto deficitario. En la industria móvil, la regla es despiadada: un título debe alcanzar rápidamente varios millones de usuarios para generar los ingresos necesarios para su perennidad.

Este cierre abrupto contradice trágicamente las ambiciones declaradas por Cash Ong y Kris Lee durante el desarrollo. El «mejor Brave Frontier» prometido, con sus innovaciones técnicas y su dirección artística excepcional, no resistió las realidades implacables del mercado móvil. La inversión considerable de Gumi Asia, que había desarrollado el juego «de la A a la Z», se evapora en unas pocas líneas oficiales.

El anuncio detalla un calendario de cierre extendido sobre varios meses, testimonio de un procedimiento bien ensayado por la industria: para suavizar esta píldora amarga, los desarrolladores activan generosamente un modo «celebraciones de fin» que transforma los últimos meses en una fiesta de despedida. Las mazmorras ven reducido su costo energético, las tasas de caída se mejoran considerablemente, se aplican descuentos masivos en todas las compras y todo el contenido premium se desbloquea gratuitamente.

La reacción de la comunidad oscila entre ira legítima y resignación amarga. Los jugadores que habían sido seducidos por el proyecto se sienten profundamente abandonados, habiendo invertido tiempo y a veces dinero en una experiencia interrumpida bruscamente. En los foros especializados, los mensajes de decepción se multiplican, dando testimonio del apego paradójico que el juego había logrado crear a pesar de sus defectos evidentes.

Las últimas palabras del equipo de desarrollo resuenan con una amargura palpable: «Desde el fondo de nuestros corazones, les agradecemos por haber estado con nosotros. También queremos agradecer a Ankama por habernos permitido ser creativos con su universo Wakfu». Este reconocimiento mutuo cortés no oculta el fracaso doloroso de la asociación franco-japonesa, ni la probable amargura de Cash Ong y Kris Lee al ver sus innovaciones y su arduo trabajo reducidos a la nada.

El legado de un fracaso

Hoy, casi diez años después de su cierre definitivo, Wakfu Raiders solo deja rastros digitales dispersos. Los datos congelados de Google Play Store dan testimonio silencioso de esta aventura frustrada: crecimiento al 0%.

Estos vestigios digitales cuentan una historia que los comunicados oficiales no se atrevían a admitir en su momento. Un proyecto que ya no genera ninguna descarga, ninguna evaluación, ningún signo de vida desde hace años. Sin embargo, las miles de evaluaciones conservadas documentan la existencia de una comunidad real y comprometida, que se tomó el tiempo de calificar y comentar su experiencia.

En cuanto al deseo de un regreso, existe una nostalgia esporádica entre algunos fans. En los foros de Dofus/Ankama y en hilos de Reddit, los jugadores a veces proponen traer de vuelta Wakfu Raiders como un modo accesible para suscriptores, vinculándolo al ecosistema existente de Ankama. Estas voces lamentan su cierre y esperan una reedición, especialmente con el éxito persistente del universo Wakfu a través del anime o los juegos. Sin embargo, no es un movimiento masivo; la comunidad parece más enfocada en títulos actuales como Dofus o el MMO Wakfu.

¿Es posible un regreso? Poco probable. Tot recordó recientemente en una publicación en X que el juego fue desarrollado por Gumi y no por Ankama, y que su explotación no era de su incumbencia. Desde 2016, ningún anuncio oficial de Gumi o Ankama menciona un relanzamiento, ya que la asociación se limitó a este único proyecto.

Un revival requeriría una renegociación de la licencia, actualizaciones técnicas para los móviles modernos y una inversión sustancial, sin garantía de éxito en un mercado saturado de RPG gacha. Las investigaciones recientes no muestran ningún rumor o plan en este sentido.

El después de Wakfu Raiders: ¿las lecciones parcialmente integradas?

El doloroso fracaso de Wakfu Raiders no desanimó paradójicamente a Ankama de perseguir sus ambiciones móviles, pero influyó considerablemente en el enfoque estratégico del estudio. Los equipos aparentemente aprendieron las amargas lecciones de esta experiencia para desarrollar una nueva generación de proyectos móviles: Tactile Wars, King Tongue y, sobre todo, Dofus Touch. Este último título, adaptación directa y fiel de Dofus en tableta, encuentra un éxito notable al ofrecer una experiencia auténticamente respetuosa del original en lugar de una transposición simplificada y desnaturalizada.

Sin embargo, la historia reciente muestra que Ankama no ha asimilado totalmente todas las lecciones de Wakfu Raiders. Waven, el nuevo juego móvil y multiplataforma lanzado en 2023, tiene dificultades para encontrar su fórmula y hace eco de las dificultades encontradas por su predecesor. Como atestigua nuestro hilo en X de abril de 2025, basado en un directo con Tot y XyaLe, Ankama admite problemas mayores: falta de profundidad, aspectos sociales inexistentes, gacha frustrante, optimización deficiente y una narrativa mal recibida.

Las cifras hablan por sí solas: Waven genera solo 1,000 euros al mes, una cantidad irrisoria que ni siquiera permite cubrir los costos de los servidores. Esta situación crítica ha llevado a Ankama a anunciar una reestructuración ambiciosa (reinicio hacia la versión 1.0 previsto en septiembre de 2025), con simplificaciones de las mecánicas, nuevos modos (Rogue Like, Boss Fight) y una comunicación más regular.

Una actualización de agosto de 2025 confirma el avance, pero subraya que «simplificar un juego no es simple», e invita a los comentarios de los jugadores. Las opiniones describen un combate atractivo pero un juego percibido como «vacío» o «gacha sin alma», con caídas marcadas en el compromiso. Ankama persiste con este hard reset previsto, borrando todo el progreso de los jugadores, pero Waven ilustra crudamente que los desafíos de Ankama para innovar mientras se mantiene la esencia de sus universos persisten, como con Wakfu Raiders anteriormente.

Para Gumi, la aventura europea continuó con otras asociaciones, pero la firma japonesa reenfocó gradualmente sus esfuerzos en sus mercados tradicionales asiáticos, donde su comprensión cultural sigue siendo más sólida. La experiencia de Wakfu Raiders probablemente influyó significativamente en esta reorientación estratégica, demostrando los límites de las colaboraciones internacionales cuando las visiones creativas y los públicos objetivo no se alinean perfectamente. Y recuerda crudamente que en la industria del videojuego, el genio creativo y la buena voluntad de los equipos no siempre son suficientes para garantizar el éxito. A veces, las mejores intenciones artísticas chocan brutalmente con los imperativos inflexibles del mercado, y las creaciones más bellas se hunden inexorablemente en el olvido colectivo. Las dificultades actuales de Waven demuestran que estas lecciones siguen siendo de una actualidad preocupante.

Para los curiosos que deseen descubrir cómo era realmente Wakfu Raiders en acción, algunos videos valiosos subsisten en los meandros de la web. El canal Smysse TV, aunque inactivo hoy, aún ofrece 9 episodios de gameplay, uno por zona del juego, ofreciendo una visión de esta experiencia ahora inaccesible.

Este artículo fue redactado a partir de archivos y testimonios recopilados en la web. Si viviste esta época y deseas compartir tus recuerdos, no dudes en hacérnoslo saber en los comentarios o en nuestras redes sociales. Tampoco dudes en darnos tu opinión sobre este tipo de artículo retrospectivo.

¿Qué historia tiene Monster Slaughter?

Monster Slaughter es una serie animada adaptada del juego de mesa homónimo creado por Ankama. La historia se desarrolla en un futuro cercano donde una inteligencia artificial lanza un programa de telerrealidad extremo y sangriento llamado Monster Slaughter. En este programa, diez personalidades controvertidas se ven obligadas a participar en pruebas de supervivencia mortales, filmadas para entretener a un público ávido de emociones fuertes. Esta adaptación animada se aleja del concepto del juego de mesa (donde monstruos persiguen a estudiantes en una cabaña) para ofrecer una visión original centrada en un espectáculo brutal orquestado por una IA. El tono es oscuro, maduro y gore, en la línea de series como Lastman.

“Morirán por sus pecados. Y tú estarás ahí para verlo todo. En un futuro distópico, una inteligencia artificial secuestra a nueve iconos planetarios, cada uno reflejo de un vicio de nuestra civilización. El escenario: Monster Slaughter, un show de telerrealidad implacable, transmitido en directo a miles de millones de espectadores. Cada ‘invitado’ se enfrentará al mismo pecado que lo llevó a la cima. Pero solo uno podrá sobrevivir…”

Fuente: Ankama Animations

Durante el Festival de Annecy 2025, se presentó una primera versión del episodio piloto de Monster Slaughter. Este adopta un formato intermedio entre el storyboard y el layout: los dibujos, sin decorados, están acompañados de voces provisionales. Estos elementos permiten a los equipos de animación comprender mejor la dirección artística y narrativa de la serie. Este episodio ofrece un primer vistazo al tono y la orientación general de la serie:

El episodio comienza en un ambiente confuso y caótico, donde varios personajes despiertan en un lugar desconocido, desorientados y en pánico. Descubren que llevan pulseras extrañas, aparentemente injertadas en su piel, que parecen estar vinculadas a un juego peligroso. Entre los personajes, conocemos a Ami, una mujer combatiente, Chrise Leblanc, un joven sarcástico, Ron Rusk, un exsenador de Texas de carácter fuerte, y Johan, una ex campeona de lucha libre. Otros personajes, como Aaron Carlson, un exatleta, y un misterioso individuo apodado “Z”, también aparecen.

Los protagonistas se dan cuenta rápidamente de que han sido secuestrados y colocados en un entorno hostil, lejos de su vida cotidiana. El lugar no se parece a nada conocido, con decorados extraños y una atmósfera opresiva. Se enfrentan a criaturas extrañas, incluyendo pollos decapitados y “pollos muertos vivientes”, que los atacan. La tensión aumenta mientras los personajes intentan entender las reglas de este “juego” macabro en el que han sido arrastrados.

A lo largo del episodio, los personajes descubren que sus pulseras registran ganancias monetarias (por ejemplo, 50.000 dólares por presionar un botón) y que deben realizar acciones para acumular dinero, al mismo tiempo que evitan los peligros. Se encuentran en una especie de arena donde deben elegir armas para defenderse, pero los recursos están limitados al “valor” de su pulsera. Algunos, como Ron, adoptan una actitud fanfarrona, mientras que Ami y Johan demuestran sus instintos de supervivencia. El episodio alcanza su clímax con un enfrentamiento violento contra las criaturas. Los personajes deben colaborar (o rivalizar) para sobrevivir, mientras surgen rivalidades y tensiones, especialmente entre Chris y Ron.

El episodio termina con la muerte de Ron, lo que resulta en un reparto de bonos monetarios entre los supervivientes, aunque esto plantea preguntas morales sobre la naturaleza del juego y las consecuencias de sus acciones. Los personajes, atrapados en este juego mortal, buscan entender quién está detrás de esta organización y por qué han sido elegidos. Una luz misteriosa y música inquietante sugieren que la aventura está lejos de terminar, dejando a los protagonistas frente a un futuro incierto.

¿Quién estará en el reparto? ¿Y para qué roles?

A la fecha, no se ha anunciado ningún nombre específico con respecto al reparto de voces de la serie. Al ser un anime, se puede esperar un equipo de actores de doblaje para interpretar a las nueve personalidades controvertidas, así como a otros personajes clave (como la IA o las figuras vinculadas al programa). Los detalles sobre los roles y los actores siguen siendo confidenciales, pero Ankama tiene la costumbre de trabajar con voces emblemáticas.

¿Quién dirige? ¿En qué estado está la producción?

El director de Monster Slaughter aún no ha sido confirmado oficialmente. Sin embargo, Tot (Anthony Roux), director artístico y cofundador de Ankama, ha estado asociado al proyecto desde su anuncio. Él describió Monster Slaughter como un “proyecto maldito” debido a los desafíos encontrados en la producción, pero no está confirmado que esté a cargo de la dirección. Ankama Animations colabora estrechamente con Studio No Border, su filial japonesa fundada en Tokio en 2018 por Thomas Romain, que actúa como un puente creativo entre Francia y Japón.

La producción de Monster Slaughter está en curso. El proyecto enfrentó dificultades iniciales, incluyendo problemas no especificados con una plataforma, lo que ralentizó su desarrollo. A pesar de esto, Ankama y ADN (Animation Digital Network) han confirmado que la serie avanza y sigue en preparación activa.

¿Hay un tráiler?

Sí, un tráiler fue revelado durante el anuncio oficial del proyecto en junio de 2023. Destaca el ambiente oscuro y gore de la serie, con escenas de violencia y supervivencia que subrayan el tono brutal de esta telerrealidad ficticia.

Número de episodios y dónde ver Monster Slaughter

El número de episodios previsto es de 10 episodios en esta etapa. Esto representa una estructura clásica para una temporada corta, alineada con el formato 10×22 minutos. No hay información disponible sobre temporadas adicionales en este momento.

La serie se transmitirá en exclusiva en ADN (Animation Digital Network), la plataforma francesa de referencia dedicada a la animación. Este proyecto, desarrollado en asociación con ADN, fue oficialmente anunciado por esta última.

Sin embargo, otros distribuidores podrían unirse rápidamente a la aventura: en Francia, canales como Game One podrían estar interesados, mientras que en Japón, asociaciones con canales locales no están descartadas, especialmente debido a la colaboración franco-japonesa que caracteriza a Monster Slaughter, similar a lo que se hizo para Radiant.

¿Cuándo se estrena Monster Slaughter?

El proyecto fue revelado en junio de 2023, y la producción continúa activamente. Aunque es probable que la serie vea la luz en un futuro cercano, aún no se ha confirmado nada. Habrá que esperar nuevas noticias para conocer el calendario exacto.

La rama de animación de Ankama tiene como objetivo publicar dos series de animación por año. Sin embargo, a pesar de la actualización del sitio oficial durante el Festival de Annecy 2025, esta solo ofrece un simple sinopsis. Del mismo modo, ADN, que difundió el tráiler en 2023, aún no ha revelado una fecha de estreno ni siquiera una ventana de transmisión.

Dado el ritmo de las producciones anteriores (por ejemplo, Bestiale requirió aproximadamente dos años entre su anuncio y su estreno), es posible considerar un estreno en 2026.

La comunicación de Ankama se ha centrado recientemente en otros proyectos de animación previstos para 2025, como Bestiale, Welsh & Shedar y Morshiken. Los fans del oscuro y desfasado universo de Monster Slaughter tendrán que esperar un poco más para descubrir esta nueva serie animada, que promete ser una de las producciones más originales de Ankama.

Como explica el medio especializado 3DVF, el estudio acumuló deudas importantes después de que el cliente, Zephyr, rompiera el contrato y dejara de pagar, dejando a Andarta (encargado de la producción de 39 episodios por un presupuesto de 2,9 millones de euros) sin liquidez suficiente para cumplir con sus compromisos, especialmente los salarios de casi 80 empleados. Sophie Saget, fundadora y directora de Andarta, describió este período como «el más difícil de toda mi carrera», destacando que el estudio había adelantado más de 500.000 € de su propia liquidez para intentar salvar el proyecto.

«Hicimos todo lo posible por los equipos. Incluso propusimos pagar parte de los salarios con nuestros fondos personales, a pesar de los consejos en contra de nuestros abogados y de nuestro director financiero.» — Sophie Saget, fundadora de Andarta Pictures

El abrupto final de Lana Longuebarbe provocó una onda de choque en los equipos. Un colectivo, apodado «La Barba», se formó para denunciar las condiciones laborales y la gestión del proyecto. Varios empleados llevaron el caso ante los tribunales laborales, acusando al estudio de despidos encubiertos y de incumplimiento de obligaciones legales.

«Nosotros, profesionales del cine de animación, exigimos poder ejercer nuestro oficio en condiciones dignas. La precariedad y la intermitencia no deben convertirse en armas contra nosotros.» — Extracto del llamado del colectivo La Barba

El colectivo organizó una concentración en Annecy el 11 de junio de 2025, apoyada por sindicatos como SPIAC-CGT y Les Étincelles, para alertar sobre los abusos del sector y la precariedad de los intermitentes. Unas 100 a 150 personas participaron, portando consignas como «Crisis y abusos: ¡los empleados ya están hartos!».

Ankama al rescate: una compra estratégica

En este contexto tenso, Ankama anunció el 11 de agosto de 2025 la adquisición de una mayoría de las acciones (51%) de Andarta Pictures. Esta operación permite al estudio salir del concurso de acreedores y continuar sus actividades, especialmente la producción de la serie La Quête d’Ewilan, adaptada de las novelas de Pierre Bottero, pero también relanzar el proyecto Baïdir (2012).

Anthony Roux, fundador y director creativo de Ankama, celebró esta alianza como una «evidencia artística»:

«Esta unión reúne a dos estudios que comparten una misma visión: la de una animación independiente, exigente y con sentido. Juntos, queremos crear sagas fuertes, en la encrucijada entre la aventura y la búsqueda de uno mismo.»

Sophie Saget, por su parte, expresó su alivio:

«Tras un primer semestre difícil para Andarta Pictures, todo el equipo está encantado de unirse al grupo Ankama. Su confianza y apoyo nos permiten mantener nuestras ambiciones y afrontar el futuro con serenidad.»

Esta compra no es la primera colaboración entre ambos estudios. En 2023, Ankama y Andarta ya habían trabajado juntos en la miniserie Lance-Dur, emitida en ADN y France.tv Slash. Este proyecto, a medio camino entre humor y aventura, permitió a ambos equipos probar su complementariedad creativa y sentar las bases de una colaboración más ambiciosa.

¿Qué consecuencias para La Quête d’Ewilan?

La serie La Quête d’Ewilan, en producción desde hace varios años, estaba amenazada por las dificultades financieras de Andarta. Gracias a la compra, su producción puede continuar, con una primera temporada de 8 episodios prevista para diciembre de 2025 o principios de 2026, emitida en France Télévisions, RTBF (Bélgica) y RTS (Suiza).

Ankama y Andarta también planean codesarrollar nuevos formatos, tanto en torno a licencias existentes (Dofus, Wakfu) como de creaciones originales. Una sinergia creativa que podría revitalizar el sector de la animación francesa, mientras muchos estudios luchan por superar la crisis.

Entre los proyectos salvados por esta compra, Baïdir ocupa un lugar especial. Esta serie, imaginada como «una fábula ecológica moderna y una ópera espacial animada» para niños de 6 a 10 años, fue retomada por Andarta Pictures en 2020 tras un primer intento fallido en Ankama. El proyecto, liderado por Slimane Aniss, Thierry Rivière y Charles Lefebvre, se benefició de una exitosa campaña en Kickstarter en 2024, recaudando 37.602 € gracias a 806 contribuyentes.

«Baïdir es para mí el proyecto de una gran parte de mi vida, el tipo de proyecto que no se guarda en un cajón.» — Slimane Aniss, coautor y director de Baïdir

Con el apoyo de Ankama, Andarta puede ahora (hipótesis) finalizar el desarrollo de los 9 primeros episodios y encontrar difusores para esta ambiciosa serie, que combina aventura espacial y desafíos ecológicos.

Esta compra se produce en un contexto de crisis generalizada para la animación francesa, marcado por cierres de estudios, despidos masivos y una competencia creciente. El ejemplo de Andarta muestra que existen soluciones, siempre que se repiensen los modelos económicos y se apoye a los estudios independientes. Esto encaja plenamente en la estrategia de expansión de Ankama, que continúa tejiendo un vasto ecosistema creativo multiplicando sus participaciones en estudios de animación de diversos perfiles. Ya con su propio estudio interno, Ankama Animations, fundado en 2007, la empresa ha acelerado recientemente sus inversiones.

En junio de 2024, adquirió una participación minoritaria en Inthebox, estudio 3D y VFX con sede en Annecy, conocido por obras como The Inventor y Even Mice Belong in Heaven, para optimizar sus procesos de producción e integrar nuevas experticias en 3D. Ese mismo año, Ankama estableció una asociación con el veterano Guillaume Dubois para crear Studio Unagi en Montreal, combinando recursos y abriendo el camino a un catálogo de proyectos más diversificado.

Finalmente, desde 2021, Ankama había invertido en Mash&Co, estudio italiano especializado en contenidos educativos e interactivos para niños, combinando animación, aplicaciones y narrativa lúdica para desarrollar las competencias emocionales de los más pequeños.

Con esta asociación, Ankama confirma su ambición de convertirse en un actor clave de la animación, preservando al mismo tiempo la identidad creativa de Andarta. Para Sophie Saget, el objetivo es claro:

«El objetivo de Andarta, nos explica Sophie Saget, es entregar los episodios de Ewilan según lo previsto en el segundo semestre, mejorar la tesorería y, sobre todo, no generar ninguna nueva deuda.»

Se abre, por tanto, una nueva página para Andarta Pictures. ¡Habrá que seguirla de cerca!

En el panorama digital actual, Allskreen se destaca como una plataforma innovadora de webtoons, cautivando a los entusiastas de los cómics digitales con su enfoque único y contenido variado. Fundada en 2016 por un trío de expertos en lo digital y la edición: Hervé Créac’h, Frédéric Detez de la Dreve y Christophe Dezeure. Desde su creación, la empresa se posicionó en un nicho de futuro: el diseño y la distribución de cómics digitales, así como la creación de herramientas de software para profesionales (autores y casas editoriales) que desean hacer su transición digital.

Francia, un centro histórico del cómic y el segundo mercado de manga más grande del mundo, representa un desafío estratégico. El mercado del cómic allí es sustancial, superando los 600 millones de euros anuales, y los webtoons han ganado terreno rápidamente, captando millones de usuarios activos mensuales en las plataformas líderes. Frente a este “tsunami” cultural y económico, los editores tradicionales franco-belgas han intentado reaccionar. Iniciativas como Webtoon Factory (de Dupuis) y Verytoon (de Delcourt) han surgido, con la ambición de ofrecer traducciones y creaciones originales. Sin embargo, estos intentos se han enfrentado a un doble desafío: la competencia directa con el poder financiero y los extensos catálogos de los líderes coreanos, y la inadequación de un modelo de producción “industrializado”, necesario para alimentar estas plataformas, con el ecosistema más artesanal y centrado en el autor de los cómics europeos. El cierre de la plataforma Verytoon en 2023 ilustró crudamente estos desafíos.

Allskreen fue fundada con una visión clara: revolucionar la manera en que se consumen los cómics digitales. Mientras tanto, el grupo Ankama, un gigante del entretenimiento transmédia conocido por sus videojuegos, series de animación y su propia casa editorial, observaba de cerca el auge del fenómeno webtoon. Consciente de los desafíos que representaba este nuevo formato, Ankama estaba “muy interesada en el saber hacer para transformar un cómic en un webtoon” que poseía Allskreen.

En 2020, Allskreen lanzó su primera aplicación móvil para iOS y Android, capitalizando el entusiasmo por el consumo digital durante el confinamiento por la pandemia de COVID-19.

Antes de su adquisición por Ankama, Allskreen ya había colaborado con grandes nombres de la edición, notablemente desarrollando la plataforma Verytoon para Ediciones Delcourt, lanzada en enero de 2021. Este proyecto destacó la experiencia de Allskreen en el formato webtoon y el desarrollo de software adaptado a la transición digital de los editores de cómics.

La adquisición de la compañía en 2022 por Ankama fue un paso decisivo. Para Allskreen, esta adquisición marcó un cambio radical de rumbo. La compañía pasó de un modelo de proveedor de servicios y creador original a ser un pilar operativo de la estrategia webtoon de Ankama, con la misión principal de “webtoonizar” el vasto catálogo del grupo y el de sus futuros socios. En lugar de embarcarse en un proceso de desarrollo interno largo, costoso y complejo para dominar un nuevo formato y tecnología, el grupo eligió adquirir una estructura existente y probada. Al hacerlo, Ankama no solo compró tecnología o herramientas de software, sino que también integró un equipo de expertos que ya habían demostrado su competencia asesorando a sus propios competidores. Esta operación permitió a Ankama reducir considerablemente su “time-to-market”, dándole la capacidad de lanzar una oferta robusta y creíble mucho más rápido de lo que habría sido posible si hubiera tenido que empezar desde cero. En un mercado tan dinámico y competitivo, esta ventaja de velocidad era crucial.

El 1 de marzo de 2023, Allskreen fue lanzada oficialmente como la plataforma de webtoons de Ankama. Disponible en múltiples dispositivos: smartphones (iOS y Android), tabletas y computadoras a través del Ankama Launcher y la web, hizo un fuerte impacto desde el primer día. La plataforma ofrecía un catálogo de lanzamiento sustancial, con más de 50 series y más de 1000 episodios disponibles, señalando una ambición y preparación serias.

En 2025, Ankama lanza la fusión de Ankama Studio y Allskreen, lo que significa que Allskreen desaparecerá como entidad independiente y todo lo que posee, incluyendo sus negocios, deudas y proyectos, será absorbido por Ankama Studio. Dado que Ankama Studio ya es propietario de Allskreen, esta operación es relativamente simple y no requiere un intercambio de acciones o grandes cambios. La fusión está prevista para comenzar retroactivamente a partir del 1 de octubre de 2024, aunque los documentos oficiales se firmarán más tarde. Una vez completada esta fusión, Allskreen ya no existirá como entidad independiente. También es importante señalar que Allskreen ha acumulado deudas superiores a sus activos, con un déficit de aproximadamente 88.000 euros. Sin embargo, como Ankama Studio y Allskreen son parte del mismo grupo, esta deuda no representa un problema mayor. Esta fusión es una estrategia para organizar mejor sus actividades, simplificar las estructuras y mejorar la eficiencia general.

Desde enero de 2025, Allskreen se ha distinguido con un proyecto ambicioso: la adaptación al formato webtoon de cómics franco-belgas emblemáticos, como Daemon de Vincent Brugeas y Ronan Toulhoat (ediciones Le Lombard). Este proceso consiste en transformar obras en papel en formato digital vertical, con aproximadamente 60 viñetas por episodio para 4 a 5 minutos de lectura. Allskreen insiste en la ausencia de uso de inteligencia artificial en estas adaptaciones, destacando un trabajo humano supervisado por los autores y editores. La aplicación ofrece una vasta biblioteca de más de 2.000 episodios y 150 series. Paralelamente a la valorización de lo existente, Allskreen tiene una fuerte ambición de convertirse en un centro para la creación original europea. La plataforma se posiciona como un apoyo activo para los autores franceses y europeos, ofreciéndoles un espacio para desarrollar series exclusivas.

Esta estrategia de creación original se reforzó en marzo de 2025 con el lanzamiento de la etiqueta “Hybrid”. Esta etiqueta no se define por géneros, sino por un enfoque editorial centrado en autores y temáticas que llevan significado para el lectorado contemporáneo. El objetivo es destacar una nueva generación de talentos con estilos gráficos “híbridos”, nutridos por múltiples influencias (manga, cómics, animación). Estas obras exploran una problemática común: la búsqueda de identidad y la dificultad de “encontrar su lugar en una sociedad que tiene dificultades para aceptarlos.” Alrededor de este núcleo temático giran temas como la ecología, las dudas sobre el futuro o la transición a la edad adulta.

En marzo de 2025, Allskreen celebraba su segundo aniversario y tres meses después, Allskreen se ofrece un nuevo rostro. Desde el 9 de junio, la nueva identidad visual de Allskreen, más cercana a sus valores y en línea con la llegada del catálogo de nuevos socios, hasta entonces muy centrado en las producciones de Ankama.

Como señala Hervé Créac’h, responsable editorial de Allskreen, “Estamos agradecidos a las Ediciones du Lombard por favorecer una experiencia original de lectura de algunos de sus títulos, con Daemon, inédito, y luego con títulos inmensamente populares como Thorgal. Su confianza se basa en la calidad de los webtoons que hemos realizado en estrecha colaboración con los equipos editoriales del editor. Ankama siempre ha gustado construir puentes entre los universos y los formatos, y este paso es significativo para nosotros.” Esta colaboración con editores de renombre como Le Lombard y Albin Michel muestra el compromiso de Allskreen de ofrecer una experiencia de lectura única y diversificada.

Albin Michel con Camp Coyote, las aventuras disparatadas de un campamento de vacaciones atípico, que Albin Michel lanzó en Allskreen el 12 de mayo de 2025. ¡Pero eso no es todo! Allskreen también ha acogido, desde el 2 de junio, tres otros nuevos títulos que oscilan entre el humor, la fantasía y la ciencia ficción: Manon Stremon, Œil de Dragon y Monstres 13.

Estas asociaciones operan bajo un principio de legitimación mutua y reparto de riesgos. Para Allskreen y Ankama, asociarse con nombres históricos como Le Lombard confiere una credibilidad y prestigio “clásicos” a su plataforma digital, al tiempo que la enriquece con contenidos de alta notoriedad. Para los editores tradicionales, esta alianza ofrece una entrada segura y técnicamente dominada al mercado del webtoon, un área donde sus intentos en solitario han sido a menudo difíciles. Se benefician de la experiencia digital y la comunidad comprometida de Ankama, compartiendo así los riesgos y los costos de la transición digital. Es una simbiosis donde los “antiguos” aportan el patrimonio y el fondo de catálogo, y los “modernos” aportan la experiencia digital y la comunidad en línea, creando una oferta híbrida más robusta para enfrentar la competencia internacional.

Además, Allskreen no se contenta con ofrecer contenidos existentes, sino que también fomenta la creación original a través de concursos y asociaciones con escuelas de arte como Piktura. Como menciona Sébastien Herbaux de Piktura, “Los estudiantes siguen un programa muy completo. Aprenden a usar software especializado, como Photoshop, Illustrator, Clip Studio Paint, Krita y muchos otros. Se inician en la colorización digital, el corte y la creación de imágenes, centrándose en la adquisición de habilidades técnicas esenciales.”

Para llevar a cabo esta misión, Ankama ha establecido un estudio interno dedicado, beneficiándose de las habilidades ya presentes dentro del grupo. Este estudio está dirigido por profesionales experimentados, como el colorista Sébastien Lamirand, quien supervisa el equipo. Hervé Créac’h insiste en la dimensión “artesanal” y creativa de este trabajo, que rechaza categóricamente el uso de adaptaciones automatizadas por inteligencia artificial. El enfoque involucra a grafistas y narradores que hacen elecciones artísticas, con herramientas digitales que solo sirven para facilitar su trabajo.

A diferencia de algunas plataformas como Naver Webtoon, que ofrecen acceso gratuito a muchos contenidos, Allskreen adopta un modelo económico basado en la compra de paquetes de episodios prepagados. Este sistema permite a los usuarios desbloquear episodios a su propio ritmo. Además, el primer episodio de cada serie es gratuito para atraer a los lectores. Este sistema también está integrado en el dispositivo Pass Culture, con una oferta de 40 episodios por 14,99 €.

En el momento de su lanzamiento, Allskreen deliberadamente eligió no ofrecer un modelo de suscripción. Hervé Créac’h justificó esta decisión explicando que el catálogo aún no era lo suficientemente sustancial como para justificar una tarifa mensual por parte de los usuarios. Esta precaución también proviene de la experiencia de Ankama en el sector de los videojuegos, que dio al grupo una visión clara de los potenciales “inconvenientes” de los modelos de suscripción, particularmente la presión que ejercen sobre la producción de contenido. Este sistema es relevante para un catálogo en construcción, pero podría mostrar sus límites si la oferta se expande considerablemente. La cuestión de introducir un modelo de suscripción o una oferta híbrida podría reconsiderarse en el futuro.

Esta flexibilidad es una ventaja psicológica para el consumidor, que no está ligado por un compromiso recurrente, y una ventaja estratégica para Allskreen. Permite a la plataforma centrarse en la calidad y ofrecer “un hermoso producto”, un enfoque más en línea con el ritmo de la creación europea, menos industrializado que el modelo coreano.

Para celebrar sus 20 años, Ankama Éditions lanza su primer concurso de creación abierto a todos, hasta el viernes 12 de septiembre de 2025 inclusive. Los participantes deberán realizar y luego enviar por correo de cinco a 20 páginas de cómic o manga, o 50 viñetas de webtoon, de una obra en formato one-shot inspirada en la temática 2025 de Ankama: «Osamodas: Le Pacte Bestial». El premio: publicación en formato webtoon exclusivamente en la aplicación de cómic digital Allskreen, la suma de 1.000 euros, un trofeo único y una visita a las instalaciones de Ankama en Roubaix.

La “webtoonización” de títulos conocidos y apreciados por el público en general (Thorgal, Radiant, Dofus) actúa como un puente. Constituye un punto de entrada de baja fricción para los lectores de cómics y manga tradicionales, invitándolos a descubrir el formato webtoon a través de universos que ya les son familiares. Una vez que este público es atraído y familiarizado con la plataforma, las creaciones originales y la etiqueta “Hybrid” actúan como el destino. Allskreen luego ofrece contenido nativo, exclusivo e innovador, que no se encuentra en ningún otro lugar, forjando su propia identidad y construyendo la lealtad de los lectores a largo plazo. Este enfoque en dos pasos permite tanto capitalizar sobre activos existentes para adquirir una base de usuarios sólida como construir una propuesta de valor única para asegurar su longevidad.

Conclusión: El éxito a largo plazo de Allskreen dependerá de su capacidad para transformar su “modelo a contracorriente” en un verdadero “ecosistema de destino” para la creación europea. Actualmente, su estrategia es hábilmente defensiva y oportunista: se diferencia para evitar la confrontación directa y se basa en sus activos existentes. Para alcanzar un nuevo hito, debe convertirse en un destino esencial, no solo en una alternativa interesante. Esto implica generar sus propios éxitos críticos y comerciales a través de la etiqueta “Hybrid”, obras que definirán un “toque europeo” del webtoon que los competidores no podrán replicar. También implica construir una comunidad de creadores leales ofreciéndoles condiciones de trabajo y remuneración atractivas, un punto de fricción mayor en las plataformas competidoras donde las condiciones contractuales son a menudo criticadas. Si Allskreen se convierte en el lugar donde los talentos europeos quieren ser publicados y donde los lectores vienen a buscar historias que no encontrarán en ningún otro lugar, habrá logrado transformar su nicho en una fortaleza duradera.

Fuentes: Sitio oficial, comunicado de prensa, publicaciones de LinkedIn y entrevistas en Otaku Manga y Comixtrip

Los estudiantes participan en todas las etapas de la creación: storyboard, diseño de personajes, composición, creación de escenarios, escritura de guiones. Incluso se beneficiaron de un taller de escritura con Tot.

Presentada en preestreno en el Festival de Annecy del 8 al 14 de junio de 2025, con una sesión específica el 12 de junio, la serie fue destacada como una webserie original e irreverente, destinada a YouTube.

Fecha de lanzamiento:

No se ha revelado ninguna fecha de lanzamiento oficial. Los últimos elementos indican un lanzamiento para 2025, pero sin precisión. La ausencia de un anuncio posterior a Annecy sugiere que la fecha podría revelarse pronto, quizás durante eventos como la Japan Expo.

Trama y estilo

La trama (fuente) sigue a “Morshiken, un Sram en apuros, intenta gestionar su mazmorra… Una ruina tan maloliente que todo lo que tiene una nariz (o un hocico) prefiere evitarla. Sin dinero y atrapado en una espiral de mala suerte infinita, nuestro héroe busca desesperadamente hacer funcionar su negocio. Afortunadamente, puede contar con SDF, un Iop rapero sorprendentemente sabio (para un Iop).”

La serie rompe la cuarta pared (al estilo Deadpool), con elementos de comedia absurda, aventura y parodia, revisitando el universo de Dofus con un toque satírico. El tono se describe como más adulto, con temas como la búsqueda de un propósito último y la irreverencia.

El primer episodio “ça c’est mon donjon”, proyectado durante el Festival de Annecy y que estará disponible nuevamente en la Japan Expo, presenta a Morshiken, un personaje ambicioso pero desilusionado, que sueña desde la infancia con poseer una mazmorra de cinco estrellas, con una estatuilla a su efigie y un ritual donde los visitantes gritarán su nombre Morshiken con reverencia. Sin embargo, la realidad está lejos de sus aspiraciones: su mazmorra está en ruinas, infestada de ratas, maloliente y lejos de ser el lugar prestigioso que imaginaba. Morshiken expresa su frustración ante el estado deplorable de su dominio y duda de su capacidad para restaurarlo.

El episodio toma un tono humorístico y autocrítico cuando Morshiken se encuentra con un personaje apodado “SDF”, un rapero exuberante que parece impuesto por la producción por razones de “subvenciones” y atractivo narrativo. SDF molesta a Morshiken con su comportamiento provocador y su rap improvisado, que critica su situación precaria mientras busca “hacer ruido”. A pesar de sus diferencias, los dos personajes comparten una dinámica cómica, marcada por intercambios sarcásticos y un humor crudo.

Morshiken descubre que ha sido engañado por un individuo con mala reputación, que le vendió una mazmorra en mal estado. Este último, conocido por ser “el más tonto de la región”, confiesa haberlo estafado cuando Morshiken estaba borracho. Mientras la situación se deteriora, el vendedor es brutalmente asesinado, haciendo imposible cualquier reembolso.

Desmoralizado, Morshiken está a punto de abandonar todo. SDF le recuerda entonces, rompiendo la cuarta pared, que si abandona, “no habrá serie” y, por lo tanto, no habrá más Morshiken. Resignados, deciden renovar la mazmorra. Para ello, necesitan monstruos, y por casualidad, ven un “mercado de monstruos” cercano. El episodio termina con su decisión de ir allí para comprar criaturas, lanzar su mazmorra y finalmente “hacer dinero y conseguir vistas”.

El guion parodia los clichés de los universos de fantasía y los shonen. El diálogo está lleno de jerga y referencias modernas. Los personajes hablan de “hacer cosas sucias”, de “dinero”, de inflación, y uno de los héroes es un rapero que quiere “conquistar a las audiencias”. Este constante contraste entre el marco medieval-fantástico y el lenguaje contemporáneo es una fuente importante de comedia.

Formato de la serie

La serie está compuesta por 13 episodios de 10 minutos cada uno y probablemente tendrá una sola temporada debido a que es un proyecto estudiantil, pero la idea podría reproducirse en el futuro si el público es receptivo.

Reparto

No se ha revelado ninguna información sobre el reparto, incluyendo los actores de voz, en las fuentes consultadas, incluyendo los sitios oficiales de Ankama, los artículos de prensa y las discusiones en línea. Esto probablemente se deba a que la serie aún está en fase de promoción antes de su lanzamiento, y estos detalles podrían anunciarse más adelante. Sin embargo, podemos reconocer la voz de Malec.

Transmisión

Una transmisión probable en 2025 en YouTube, pero sin una fecha exacta anunciada.

La serie promete ser una adición original al universo de Ankama. El artículo se actualizará regularmente con la última información. ¡No dudes en compartir tus reacciones en los comentarios!

Imaginen por un momento: un episodio de Love, Death & Robots o de Secret Level con el toque visual y narrativo de Ankama Animations. Esta idea, aunque hipotética, es tentadora. Ankama ha demostrado a lo largo de los años que domina el arte de combinar estéticas vibrantes, relatos épicos y un toque de humor inimitable. Entonces, ¿por qué no soñar con una colaboración con estas antologías animadas que empujan los límites de la creatividad?

Love, Death & Robots, con sus episodios autoconclusivos que exploran la ciencia ficción, el horror y la fantasía, es un escaparate ideal para la diversidad de estilos de animación. Cada episodio es un lienzo en blanco dado a estudios de todo el mundo, desde Blur Studio hasta equipos más independientes. Ankama, con su estilo inspirado en el manga pero profundamente arraigado en su propia identidad, podría aportar una frescura única. Piensen en los paisajes oníricos del Mundo de los Doce, los colores vibrantes y los diseños de personajes que oscilan entre la elegancia y la excentricidad. Un episodio dirigido por Ankama podría sumergirnos en una fábula futurista donde deidades steampunk se enfrentan en un universo en la encrucijada de Wakfu y Blade Runner.

Ahora, esto es exactamente lo que buscan Love, Death & Robots y Secret Level: una diversidad de estilos, géneros y tonos, llevados por talentos de la animación de diferentes horizontes.

Por su parte, Secret Level, que adapta universos de videojuegos en cortometrajes animados, ofrece un campo de juego igualmente emocionante. Ankama ya ha demostrado con Dofus: Libro 1 – Julith su capacidad para crear relatos inmersivos extraídos de su propio universo videolúdico. ¿Por qué no imaginar un episodio inspirado en un juego ficticio o incluso en un título existente, reinterpretado al estilo Ankama? ¿Qué forma tendría? ¿Sería una historia ambientada en un rincón inexplorado del Krosmoz, accesible sin conocimientos previos, ofreciendo una faceta más madura u horrifica de este universo? Especialmente desde que Ankama intentará con una miniserie Morshiken (programada para su lanzamiento este año en YouTube) que no rompe los códigos de la animación, pero que tiene como objetivo “romper la cuarta pared” como Deadpool. ¿O quizás una historia completamente original, creada específicamente para la antología, permitiendo a Ankama experimentar con un nuevo género mientras conserva su estilo gráfico único? Un episodio dirigido por Ankama podría explorar una leyenda olvidada, el destino trágico de un personaje secundario, una escena de batalla extremadamente estilizada, o incluso una simple y poética o salvaje rebanada de vida en un entorno inusual, todo con esa fluidez de animación y dirección artística que es única de ellos. Sería un escaparate excepcional para el estudio francés a escala mundial, colocándolo junto a gigantes de la animación y talentos emergentes.

Lo que hace que Love, Death & Robots y Secret Level sean tan cautivadores son sus historias condensadas, a menudo provocativas, que mezclan acción, emoción y giros inesperados. Ankama sobresale en este ámbito. Sus series como Wakfu saben cómo equilibrar narrativas épicas con momentos de intimidad, mientras deslizan temas profundos bajo apariencias accesibles. Ya hemos sido gratificados con OVA para Wakfu como Ogrest, la leyenda o Noximilien el relojero con historias muy oscuras que hacen reflexionar, no obstante, la DA de estos OVA había sido delegada a otros estudios (japoneses por ejemplo). La nueva serie de Ankama en el universo de Dofus, Welsh & Shedar, volverá en 2026, después de que el proyecto fuera abandonado en 2012. Esta será dirigida por un estudio japonés, pero escrita y producida por el estudio francés. La serie adoptará una DA de anime típicamente japonesa.

Ankama no es un gigante como Pixar o DreamWorks, y es precisamente eso lo que lo hace un candidato perfecto para estas antologías. Love, Death & Robots y Secret Level valoran las voces únicas, aquellas que se atreven a salir de los caminos trillados. El estudio de Roubaix, con su ADN independiente y su comunidad de fans apasionados, podría aportar una perspectiva europea bienvenida en estas series dominadas por estudios anglosajones o asiáticos.

Los episodios, que van de 5 a 17 minutos, van desde la 2D clásica hasta la 3D fotorrealista. Esto sugiere costos muy variables por episodio, probablemente entre $500,000 y varios millones de dólares por episodio, dependiendo de la complejidad de la animación y el estudio involucrado. Por ejemplo, episodios fotorrealistas como Beyond the Aquila Rift requieren recursos técnicos significativos, mientras que los episodios en 2D, como Zima Blue, podrían ser menos costosos.

Por supuesto, esto es solo un sueño, una idea lanzada al papel. Las limitaciones de producción, los horarios y las oportunidades reales son factores que hacen que un proyecto así sea complejo de lograr. Pero el ejercicio de pensar en esta potencial colaboración es estimulante en sí mismo. Ningún comunicado anuncia tal colaboración, y Ankama probablemente esté ocupado desarrollando sus propios proyectos, como la quinta temporada de Wakfu o nuevas series. Sin embargo, la idea de un episodio firmado por Ankama en Love, Death & Robots o Secret Level es demasiado seductora para no ser compartida. Estas series prosperan gracias a su capacidad para sorprender, para casar visiones artísticas audaces con historias que dejan huella. Ankama, con su rico universo y saber hacer, tiene todo para dejar una huella memorable.

Así que, para ustedes, Tim Miller, David Fincher y Netflix, o Amazon Prime Video: ¿qué tal si le dan una oportunidad a Ankama? Un episodio de 15 minutos podría ser suficiente para emocionar a millones de espectadores y demostrar, una vez más, que la animación francesa tiene su lugar entre los más grandes. Ver a Ankama aparecer en los créditos de un episodio sería un evento destacado. Esperemos que, quizás algún día, esta simple idea pueda abrirse camino y concretarse en la pantalla. El potencial creativo es inmenso.