Il était une fois un jeu hors des sentiers battus du Krosmoz. Kwaan, développé par le studio montréalais d’Ankama, représentait une expérience unique : un jeu multijoueur collaboratif où la compétition laissait place à la coopération, où la violence s’effaçait devant la création d’un écosystème harmonieux. Pourtant, malgré ses innovations audacieuses et son concept, ce projet mystique s’est éteint discrètement en 2017, après moins de trois années d’existence.

Retour sur l’histoire d’une expérimentation fascinante qui n’a jamais réussi à convaincre les masses. Ce dossier s’inscrit dans une série rétrospective sur les différents projets d’Ankama, après notre précédent focus sur le jeu mobile Wakfu Raiders.

Les premiers pas : un laboratoire d’expérimentation (2012-2013)

Bien avant l’implication officielle d’Ankama, Kwaan naît comme un projet artisanal et passionné. Les devblogs de l’époque révèlent une approche profondément expérimentale. En novembre 2012, l’équipe se présente simplement : « Kwaan est un petit MMORPG » et « Kwaan est un monde vivant. Kwaan veut que vous restiez et commenciez à découvrir les choses par vous-même ».

Le processus de développement révèle une démarche artisanale et communautaire. L’équipe débute avec un moteur fait maison avant de migrer vers Unity début 2013 : « Nous sommes actuellement en train de migrer notre code d’un moteur fait main vers Unity ».

Les premiers tests révèlent l’esprit collaboratif qui caractérisera toujours Kwaan. En décembre 2012, l’équipe organise ses premiers stress tests avec seulement 10 personnes : « Nous étions 10 personnes et la plupart d’entre nous ont pris du plaisir à essayer de comprendre de quoi diable ce jeu était censé parler ». Cette approche où les joueurs doivent découvrir le jeu par eux-mêmes deviendra une signature du projet.

Les devblogs révèlent un phénomène fascinant : Kwaan attire les anciens joueurs de Glitch, le MMO expérimental de Tiny Speck fermé en décembre 2012. Les commentaires des devblogs sont éloquents : « J’étais testeur alpha pour Glitch » ou bien « Ancien Glitchen ! Je vais essayer ! ». L’équipe de développement en est parfaitement consciente et leur adresse même un « GRAND SALUT À TOUS VOUS ORPHELINS DE GLITCH ».

En mai 2013, la communauté atteint 100 personnes inscrites, un chiffre que l’équipe célèbre : « Ça y est les gens, nous sommes officiellement une Tribu ! » et « Bienvenue à vous tous ex-Glitchens ». Cette base de joueurs, bien que modeste, est déjà passionnée et engagée.

L’équipe définit explicitement sa création comme un défi aux conventions : « Nous savons que promettre une expérience unique avec un MMO est un exercice dangereux, et beaucoup d’espoirs ont été piétinés par la réalité du marché et les complexités de concevoir une expérience significative non basée sur la consommation et le grinding ».

Le concept de base est révolutionnaire : « Kwaan est une expérience MINUSCULE. C’est comme une « Fée en bouteille » : c’est une miniature, c’est gratuit, c’est une expérience, juste pour voir si nous pouvons maintenir un jeu tournant autour du mystère, de fonctionnalités bizarres et d’absurdité pure et simple ».

L’univers mythologique est dense et original. Les Dwaal sont décrits comme « nés de la boue du Grand Lac. Ils ont été sculptés par les mains de la Déesse, et ont reçu la vie par les fleurs qu’elle a mises sur leur tête ». Chaque Dwaal possède un Aat, élément naturel qui lui donne sa personnalité unique : « tout ce qui vient de la terre, feuilles, légumes, roches, boue ».

Un concept révolutionnaire : la coopération comme seule voie

Le principe de base de Kwaan tranche radicalement avec les codes établis du jeu vidéo multijoueur. Les joueurs incarnent de petites créatures végétales appelées Dwaal, agents spéciaux de la nature dont la mission consiste à maintenir en bonne santé le Kwaan, un Arbre-Monde mystique. Cette responsabilité collective constitue le cœur de l’expérience : ni combats, ni commerce, ni compétition, mais une coopération pure orientée vers un objectif commun.

Eric Léveillée précise la vision du jeu dans son pitch : « Le jeu est une aventure multijoueur en ligne et le but du jeu, c’est qu’avec une communauté d’autres joueurs, vous devez garder l’arbre heureux. Parce que si vous ne faites pas de rituels chaque jour avec d’autres personnes, si vous ne le faites pas, alors le serveur finit par mourir et vous perdez tous les progrès que vous avez faits ».

Benoit Delassus développe cette mécanique fondamentale : « Le premier but pour chaque serveur, c’est de faire en sorte que leur monde survive. Ce sont des quêtes qui sont à refaire tous les jours sur une base de 24 heures. Et donc, on a ce qu’on appelle les rituels, qui sont des missions coopératives ». Ces rituels quotidiens créent un rythme naturel qui force les joueurs à se connecter régulièrement et à coordonner leurs efforts.

L’aspect le plus radical du système est révélé par Benoit : « Et si on n’y arrive pas, il perd de l’humeur et s’il devient triste à mourir, le jeu s’arrête parce que le serveur meurt […] Il y avait six serveurs au lancement du jeu. Il y en a quatre qui sont morts ». Cette mortalité des serveurs illustre dramatiquement les défis posés par un gameplay entièrement dépendant de la coopération.

La mortalité des serveurs constituait un problème structurel majeur. Benoit explique : « À la base, on voulait faire recommencer le serveur directement, puis après on s’est dit que dans l’immédiat, si les serveurs sont morts, c’est qu’il n’y avait personne pour s’en occuper« .

L’un des aspects les plus novateurs concerne l’écosystème autonome que décrit David Calvo : « Une chose dont nous sommes très fiers, c’est le fait que Kwaan produise sa propre pollution – les objets produits et craftés peuvent pourrir – et les joueurs peuvent manger la pourriture puis la digérer. Ça fait partie de l’autonomie du système pour le rendre plus ‘vivant’ ».

Benoit Delassus décrit l’approche narrative : « Pour le moment, il y en a que quatre qui tournent en boucle. Chaque jour de 24 heures, une nouvelle histoire apparaît. Puis ça crée des événements dans le monde ». Ces histoires cycliques devaient théoriquement s’enrichir régulièrement pour maintenir l’intérêt des joueurs. L’ambition initiale était considérable : « On était parti sur une base de 365 (…) On était parti sur une base de cycles et une fois que le jeu serait parfaitement finalisé dans cette dynamique, on n’aurait plus qu’à rajouter des histoires ».

Le gameplay mélange plusieurs genres de manière originale : point-and-click, plateforme et RPG. Les Dwaal ne peuvent pas sauter, une contrainte qui force les joueurs à utiliser un grappin pour s’agripper aux surfaces et atteindre les plateformes surélevées. Cette mécanique de déplacement unique crée une approche différente de l’exploration, où chaque mouvement doit être calculé et où la coopération devient naturelle pour accéder aux zones les plus difficiles.

Le mémoire de Delassus révèle des détails techniques précis sur le développement de Kwaan. Le jeu est construit sur Unity avec des scripts développés en C# sous Visual Studio. Cette base technique moderne permet une flexibilité de développement cruciale pour l’expérimentation. L’équipe utilise des outils maison d’Ankama : un pour la carte du monde et un autre pour le networking multijoueur. Pour l’interface utilisateur, l’équipe opte pour Flash tandis que les graphismes sont créés sous Photoshop. Cette architecture technique hybride permet des ajustements rapides.

L’un des aspects du développement de Kwaan réside dans la relation exceptionnellement proche entre développeurs et joueurs. Eric Léveillée raconte son approche quotidienne : « Moi j’étais très proche de la communauté dans le jeu, on avait beaucoup d’interactions avec eux. Par exemple, le matin, la première chose que je faisais c’était lancer le jeu. Kwaan, c’est des serveurs publics donc on pouvais aller sur tous les serveurs, j’allais sur un serveur ».

« Soit je parlais avec les joueurs, soit je me contentais de regarder ce qu’ils faisaient. Je regardais, j’observais de l’extérieur sans interagir avec eux pour ne pas non plus nécessairement qu’ils voient que j’étais programmeur »

Eric Léveillée

Benoit Delassus confirme cette philosophie : « On a beaucoup misé sur la coopération entre joueurs. Ça a été un des premiers aspects un peu bloquants du jeu d’ailleurs parce que la coopération impliquait le fait que ce soient les joueurs qui s’instruisent entre eux. Il n’y avait pas de tutoriel au début du jeu ». Cette absence volontaire de tutoriel forçait les interactions communautaires et créait des liens authentiques entre les joueurs.

Cette philosophie trouve ses racines dans la période pré-Ankama, où l’équipe déclarait déjà : « Gardez à l’esprit cependant que le jeu est un mystère et que c’est votre rôle de le résoudre« . Les devblogs originaux témoignent de cette approche collaborative dès la conception : « Une partie du jeu consiste en fait à faire le jeu au fur et à mesure ».

La réactivité de l’équipe impressionnait la communauté. Eric Léveillée explique : « Souvent, je parlais avec les joueurs et je dessinais des croquis, puis cinq minutes après dans notre code, les règles étaient réglées et corrigées. C’était aussi simple que ça ». Cette vélocité de développement était rendue possible par la taille réduite de l’équipe et l’architecture technique flexible du jeu.

La réception critique et le paradoxe de la visibilité

La communauté des joueurs exprime des avis enthousiastes lors des interviews. Dans le podcast « On a juste une vie », plusieurs joueurs témoignent : « pas comme les autres, une communauté particulièrement sympathique, du communautaire à la sauce Ankama » et évoque « un univers très attachant avec une accessibilité optimale ».

Benoit Delassus rapporte la réception de l’accès anticipé : « On a 31 reviews je pense. Je sais plus exactement le nombre, mais quelque chose comme ça sur le jeu. Et elles sont toutes positives sauf une ». Ces chiffres encourageants masquaient cependant la faible base d’utilisateurs qui allait s’avérer problématique pour la survie du jeu.

Pourtant, Kwaan connaît un moment médiatique spectaculaire. Le 22 janvier 2016, le célèbre streameur allemand GRONKH, fort de ses 600 000 followers, diffuse le jeu pendant seulement 30 minutes et attire 25 955 viewers simultanés. 

La barrière à l’entrée était significative. Eric Léveillée reconnaît : « Kwaan, c’est vraiment un jeu qui n’est pas facile à prendre en main. C’est un peu par design, on voulait que ce soit comme ça. On voulait que les joueurs dans le jeu se posent la question et se disent ‘qu’est-ce que je fais ?’ ». Cette complexité assumée créait une courbe d’apprentissage élevée qui décourageait certains nouveaux joueurs.

Les développeurs ont dû adapter leur approche face aux retours. Eric explique : « On s’est rendu compte qu’il fallait vraiment beaucoup justement aider les joueurs qui commençaient le jeu à faire des tutoriels. ».

Les erreurs identifiées

Le mémoire de Benoit Delassus propose une autocritique lucide des erreurs commises lors du développement. La principale faute identifiée concerne la communication : « avoir délaissé la communication (…) a été une des erreurs importantes de notre équipe ». Cette négligence explique en partie pourquoi le jeu n’a jamais trouvé son public malgré son originalité.

La stratégie de communication autour de Kwaan souffrait de plusieurs limitations. David Calvo évoque les défis de présentation : « Le plus dur, c’est de faire comprendre la profondeur du jeu à des joueurs qui n’en devinent que la surface – et qui ne veulent pas creuser pour comprendre pourquoi nous nous servons des figures connues pour créer une autre forme de jeu ».

Cette complexité conceptuelle rendait le jeu difficile à présenter en quelques phrases. Le pitch d’Eric Léveillée en une minute illustre cette difficulté : « Le but du jeu, c’est qu’avec une communauté d’autres joueurs, vous devez garder l’arbre heureux parce que si vous ne faites pas de rituels chaque jour avec d’autres personnes (…) vous obtenez une communauté de personnes et vous travaillez ensemble ». Malgré sa concision, ce résumé peine à transmettre la richesse et l’originalité de l’expérience proposée.

L’absence de mécaniques spectaculaires rendait le jeu peu adapté au streaming et aux vidéos virales. Contrairement aux jeux d’action ou de compétition, Kwaan proposait une expérience contemplative et collaborative difficile à capturer dans des formats vidéo courts et percutants. Cette inadéquation a probablement contribué à limiter sa visibilité, hormis le phénomène exceptionnel du stream GRONKH qui a montré qu’un seul influenceur pouvait générer un buzz considérable sans pour autant convertir cette attention en base d’utilisateurs pérenne.

La fermeture et ses enseignements

La fermeture annoncée de Kwaan en octobre 2017 marquait la fin d’une expérimentation audacieuse. Eric Léveillée livre une réflexion sur les leçons apprises : « Une leçon que j’ai retenue, c’est le poids de trop complexifier les choses pour le plaisir de la technologie ou de l’idée, mais de ramener ça au plaisir du joueur. C’est quelque chose que j’ai beaucoup appris ».

Cette prise de conscience souligne l’un des écueils du projet : la sophistication technique et conceptuelle avait parfois pris le pas sur l’accessibilité immédiate. Eric continue : « Ça a été ma première expérience multijoueur et c’est très formateur ».

Le mémoire de Delassus offre une perspective personnelle sur cette expérience formatrice : « Ce stage a été mon quatrième stage dans le jeu vidéo, et sera seulement le premier avec un jeu fini et distribué. Mais il aura également été le plus long et le plus instructif, me faisant découvrir toutes les étapes de construction d’un jeu, au sein d’une petite équipe de passionnés ».

L’impossible résurrection

Aujourd’hui, Kwaan existe encore dans une forme fantomatique particulièrement cruelle. Il demeure possible d’acheter une clé Steam pour quelques euros sur les sites de revente, et ces clés s’activent toujours sans problème sur la plateforme. Cependant, cette activation ne mène qu’à une amère déception : après installation, le jeu ne détecte aucun serveur disponible et refuse obstinément de se lancer.

Cette situation tragique souligne l’absence totale d’initiative communautaire pour préserver l’héritage de Kwaan. Contrairement à d’autres MMO cultes qui trouvent une seconde vie grâce aux serveurs privés créés par des fans passionnés, Kwaan n’a bénéficié d’aucune tentative de résurrection communautaire. Cette inertie est d’autant plus frustrante que le jeu possédait tous les ingrédients pour séduire les communautés créatives.

À l’heure où des phénomènes comme r/Place de Reddit où la Pixel War française démontrent l’appétit massif du public pour la création collaborative, on ne peut que regretter cette occasion manquée. Avec son gameplay basé sur la création artistique partagée et la coopération sans violence, Kwaan aurait pu trouver un public.

L’expérience Kwaan influence probablement les réflexions ultérieures d’Ankama sur l’équilibre entre innovation et accessibilité. Les témoignages des développeurs révèlent une équipe passionnée qui a poussé les limites de ce que peut être un jeu multijoueur, créant une expérience authentiquement collaborative dans un paysage dominé par la compétition.

Kwaan demeure un témoignage précieux de ce que peut être le jeu vidéo quand il se libère des contraintes commerciales pour explorer de nouveaux territoires narratifs et ludiques. Son échec ne diminue en rien la valeur de cette tentative, qui enrichit le patrimoine créatif de l’industrie française et continue d’inspirer les développeurs qui refusent de se contenter des formules éprouvées.

Aujourd’hui, près de huit ans après sa fermeture, les demandes persistent sporadiquement : « Y a-t-il une chance pour une suite ? » s’interroge un joueur nostalgique en 2019, tandis qu’un autre plaide en 2018 pour des « serveurs privés » ou une « version hors ligne ». En 2020, une voix solitaire lance encore : « S’il vous plaît, ramenez ce jeu », et plus récemment en 2023, quelqu’un demande simplement si le jeu « fonctionne encore ». Ces sollicitations éparses, véritables bouteilles à la mer numériques, témoignent de l’attachement durable d’une poignée d’irréductibles nostalgiques qui refusent d’oublier cette expérience unique. Cependant, Ankama demeure muet face à ces requêtes communautaires, laissant définitivement Kwaan dans les limbes numériques – accessible à l’achat mais injouable, fantôme d’une expérience qui n’aura vécu que le temps d’un souffle créatif.

Masako Sakano commence sa carrière au milieu des années 1970, en plein âge d’or de l’animation télé japonaise. Ses débuts ? Sur Great Mazinger en 1974, puis sur UFO Robot Grendizer (mieux connu chez nous sous le nom de Goldorak), où elle travaille comme assistante animatrice sur le clean-up et les intervalles — deux termes qu’on va vous expliquer simplement.​

Elle passe ensuite à l’animation-clé (key animation ou genga en japonais) sur Goldorak et Zambot 3, puis participe à Mobile Suit Gundam. L’animation-clé, c’est le vrai cœur du mouvement : l’artiste dessine les poses principales qui racontent l’action.​​

En 1984, sa trajectoire croise celle d’Hayao Miyazaki sur Nausicaä de la Vallée du Vent. Dès la création du Studio Ghibli en 1985, elle embarque sur Laputa, le Château dans le ciel, puis sur une impressionnante série de classiques du studio :

• Mon voisin Totoro
• Porco Rosso
• Princesse Mononoké
• Si tu tends l’oreille
• Le Voyage de Chihiro

Toujours principalement au poste d’assistante animatrice, en charge du clean-up et des intervalles, elle garantit que chaque trait reste fidèle au character design (le design des personnages) et que chaque mouvement soit fluide. Elle travaille aussi sur des courts-métrages du musée Ghibli, comme Mei et le Chaton-Bus ou Monmon l’Araignée d’Eau.

Pendant plus de vingt à trente ans, elle fait partie de ces mains invisibles qui assurent la précision, la cohérence et la douceur du mouvement dans les films de Miyazaki. Dans une interview donnée en 2009 à Lille, elle résume son métier avec une simplicité désarmante :​

« C’est de l’animation traditionnelle avec un crayon et du papier ! (…) On utilise aussi un peu l’ordinateur, parce qu’on ne peut plus s’en passer aujourd’hui. »​

Ce credo du crayon et du papier, elle le gardera intact… jusque dans les studios d’Ankama, à Roubaix. Cette humilité traverse aussi son discours lorsqu’on évoque ses propres projets :

« Je suis animatrice 2D chez Ankama, mais je n’ai pas vraiment de projet… J’ai bien une idée qui pourrait convenir pour un long-métrage mais je ne pourrais jamais faire un film comme Miyazaki. Il faut une équipe, de l’argent, du talent, et je n’ai pas tout ça ! »

En 2006, Masako Sakano effectue un virage que peu d’animateurs japonais de sa génération ont osé : elle quitte le Japon pour s’installer en France. Elle commence par collaborer avec le studio Folimage sur le long-métrage Mia et le Migou (2008), puis rejoint rapidement Ankama Animations, attirée par cette jeune structure roubaisienne qui mélange animation TV, jeu vidéo et transmedia sur le projet encore en développement Wakfu.

Lorsqu’on lui demande ce qui change entre Ghibli et son travail en France, elle répond avec un sourire presque amusé :

« Je passais ma journée à dessiner au crayon et sur papier. (…) Maintenant, je travaille pour Ankama, une société d’animation française, et c’est pareil, j’utilise toujours ces outils. »

Au sein d’Ankama Animations, Masako Sakano intervient sur plusieurs projets majeurs qui vont marquer les fans du Krosmoz. Comme nous l’avons rappelé dans un article sur la saison 3 de Wakfu en 2015, Ankama multiplie les projets ambitieux en animation à cette période, et Masako Sakano en devient l’une des chevilles ouvrières discrètes mais essentielles.

Sur la série Wakfu (2008–2017), elle travaille en tant qu’animatrice traditionnelle et character posing artist (artiste de mise en pose des personnages) sur environ 52 épisodes. Dans un studio majoritairement tourné vers l’animation Flash, son rôle consiste à apporter ce sens du mouvement organique, du poids et des déformations qui vient tout droit de l’école japonaise.

Le Dofus Mag numéro 3 (2009) « expliquer plus globalement la situation des studios
d’animation en France et au Japon pour que vous puissiez mieux comprendre en quoi Ankama Animations est sans doute l’un des paris les plus risqués » des p’tits gars du Nord », résume parfaitement la situation :

« Ainsi, Masako Sakano faisait de l’animation traditionnelle au Studio Ghibli et continue à en faire (mais à Roubaix). La seule différence notable est qu’il y a un peu plus d’ordinateurs entre son crayon et le spectateur. »

Cette formule n’est pas qu’une jolie punchline : elle décrit précisément ce qu’elle apporte à Wakfu. Ses poses servent de base pour des animations ensuite finalisées en Flash, mais le cœur du mouvement – l’intention, l’énergie, la silhouette claire – vient du dessin à la main.

On retrouve cette influence dans de nombreux plans de combats, de courses, de réactions expressives des personnages : le timing (la vitesse du mouvement) et le spacing (l’écartement entre les dessins) évoquent souvent une sensibilité plus « sakuga » — ce terme japonais désigne les séquences d’animation particulièrement travaillées et fluides — héritée des années Ghibli.

Une animatrice française, Floriane Grivillers aka Foya, a elle aussi témoigné sur LinkedIn du plaisir de travailler sur les genga de Masako Sakano pour Wakfu.

Masako Sakano ne se limite pas à Wakfu. Elle devient également l’une des pièces maîtresses de l’animation sur l’autre grande licence d’Ankama, Dofus :​​ sur la série Dofus : Aux trésors de Kerubim (2013), elle travaille sur 52 épisodes en tant que lead character layout artist, c’est-à-dire responsable principale de la mise en page des personnages et des poses clés.

Le character layout artist, pour le dire simplement, c’est celui qui décide comment les personnages sont placés dans le plan, sous quel angle on les voit, et comment ils s’intègrent dans le décor. C’est un mix entre mise en scène et dessin technique, qui prépare le terrain pour les animateurs.

Elle participe ensuite au long-métrage Dofus – Livre I: Julith (2015), où son expérience sur Ghibli trouve un écho naturel dans les ambitions cinématographiques du film. Le projet affichait clairement ses ambitions lors du festival d’Annecy 2015 : hausser le niveau de l’animation française avec des combats très chorégraphiés, des expressions fines et des déformations cartoon contrôlées.

Un projet cristallise particulièrement le dialogue entre l’animation japonaise et française autour de Wakfu : l’OAV « Ogrest, la Légende », spécial de 45 minutes réalisé par Ankama Japan en 2011. Le film est fréquemment présenté comme un exemple abouti de cette coopération studio français / talents japonais.​​​ Contrairement à la série principale, produite majoritairement en Flash, l’épisode Ogrest est animé entièrement en 2D traditionnelle, avec une équipe mixte franco‑japonaise.

Aujourd’hui encore, Masako Sakano travaille comme animatrice 2D indépendante en France, collaborant avec différents studios tout en poursuivant cette trajectoire singulière entre Japon et Europe. Sur son profil LinkedIn, elle se décrit comme « Freelance 2D Traditional Animator » et précise : « experienced in Japanese and French Animation Industry. I always interested in cute projects the short films and the feature films. »​​

En septembre 2024, elle postait sur LinkedIn qu’elle était à la recherche de travail dans la région de Lille ou en télétravail international. Elle reste régulièrement invitée en festival (Paris Manga, Jonetsu, rencontres autour de l’animation) pour parler de son métier et de cette double culture professionnelle.

Pour les fans de Wakfu, savoir qu’une animatrice qui a posé des intervalles sur Mon voisin Totoro ou Le Voyage de Chihiro a aussi posé des poses sur Yugo, Amalia ou Kerubim, donne une saveur particulière à chaque plan bien animé.

Masako Sakano, c’est la preuve qu’entre les forêts de Totoro et les plaines du Monde des Douze, il n’y a parfois qu’un même trait, tracé au crayon, par la même main.

L’ambition était de taille : créer une expérience interactive qui dépasse la simple session de streaming habituelle. Lucien Melki, fondateur de Jump Influence, se souvient du défi lancé par Ankama : « Nous avons développé, créé une extension directement sur Twitch. Pendant 3-4 mois, il y a eu de la conception et du développement avec Dofus et les équipes de Jump ».

Le résultat a dépassé toutes les espérances. Dès le premier jour, plus de 66 000 personnes ont utilisé l’extension, un chiffre quasi-record sur Twitch. Sur l’ensemble de l’événement, ce sont 167 500 utilisateurs qui ont téléchargé l’extension, transformant chaque live en une aventure collective où les spectateurs nourrissaient Gargandyas, le puissant Titan d’Osamodas, pour le faire évoluer du niveau 1 au niveau 100.

Bruno Vicaire, Influence Manager chez Ankama, soulignait les résultats qui « dépassent nos espérances les plus folles » : plus de 100 000 utilisateurs uniques en moins d’une semaine, une érosion d’audience totalement nulle sur la première semaine de jeu (une première pour la catégorie Dofus), et « une expérience interactive et immersive unique ».

La campagne a mobilisé 350 créateurs (streamers pro) et plus de 600 streamers qui ont partagé l’extension à leur communauté. Au total, 250 000 personnes ont participé à cette opération, faisant de « Feed the Beast » l’une des plus grandes expériences collaboratives jamais réalisées sur Twitch.​ Comme le souligne Lucien Melki sur LinkedIn, « nous avons tout simplement créé l’extension interactive la plus populaire au monde sur Twitch ».​

L’extension proposait quatre types d’événements interactifs qui survenaient régulièrement pendant les streams. Toutes les 30 minutes, des runes de Forgemagie apparaissaient sur l’overlay, obligeant les spectateurs à cliquer rapidement avant qu’elles ne disparaissent. Des boss surgissaient également, nécessitant de répondre correctement à des quiz sur l’univers du Krosmoz ou de lancer le bon sort élémentaire. Enfin, certains monstres ne pouvaient être vaincus que par le spam dans le tchat. Cette approche cross-stream permettait aux joueurs de contribuer à la progression collective quelle que soit la chaîne regardée, créant une véritable synergie entre les différentes communautés.

Les statistiques d’audience de Dofus sur Twitch témoignent de l’efficacité de cette campagne. En juillet 2025, au lancement de « Feed the Beast », le jeu a enregistré une hausse spectaculaire de 120% des viewers moyens par rapport au mois précédent, passant de 893 à 1 964 spectateurs en moyenne[attaché: statistiques]. Le pic de viewers a atteint 12 244 spectateurs le 22 juillet, jour du lancement de l’événement.

En août, malgré la fin progressive de l’événement le 12, l’audience s’est maintenue avec 2 009 viewers moyens (+2,3% par rapport à juillet) et 1,49 million d’heures regardées. Le nombre moyen de streams est passé de 31 en juillet à 38 en août, soit une augmentation de 22,5%.

La stratégie d’Ankama pour cette campagne s’inscrivait dans une volonté de renforcer l’expérience spectateur des créateurs de contenu organiques plutôt que d’investir de gros budgets chez des créateurs externes. Cette approche a porté ses fruits, créant un cercle vertueux où la communauté existante devient le principal vecteur de promotion du jeu.​

« Cette année, nous avons choisi de renforcer l’expérience spectateur de nos créateurs de contenu organique au lieu d’aller dépenser de gros budgets chez des créateurs externes » – Bruno Vicaire

Une stratégie qui a généré une audience authentique et engagée, bien loin des pics éphémères souvent observés lors de campagnes d’influence traditionnelles.

Fondée le 1er mars 2022 avec un capital de 300 000 euros, Blue Banshee était le fruit de la collaboration entre trois personnalités, aux commandes, Étienne Jacquemain, game designer et directeur créatif basé à Ploemel, apportait son expertise du développement de jeux vidéo. À ses côtés, David Kubacki, plus connu sous le pseudonyme de Souillon, créateur de la célèbre bande dessinée Maliki depuis 2004, assurait la direction artistique. Le troisième associé n’était autre qu’Ankama.​

Souillon avait lui-même travaillé chez Ankama comme character designer pour le jeu vidéo Dofus avant de passer sur la série d’animation Wakfu. Les bandes dessinées Maliki, publiées par Ankama Éditions depuis 2007, s’étaient écoulées à plus de 300 000 exemplaires dans le monde.

Maliki : Poison of the Past, un premier jeu accueilli avec enthousiasme mais des ventes décevantes

Le studio Blue Banshee avait concentré tous ses efforts sur le développement de Maliki : Poison of the Past, un RPG narratif au tour par tour inspiré de la bande dessinée éponyme. Le jeu, développé pendant trois ans, est finalement sorti le 22 avril 2025 sur PC via Steam et Nintendo Switch, cette dernière bénéficiant d’une exclusivité console.

L’univers de Maliki n’était pas inconnu du public. Créé en 2004, ce webcomic humoristique et autobiographique de Souillon avait déjà conquis une communauté fidèle. Les huit tomes de la série BD, publiés chez Ankama Éditions, avaient démontré l’attachement du public au personnage de Maliki, cette jeune femme aux cheveux roses accompagnée de ses chats Fëanor et Luma.​

Le jeu propose une mécanique originale centrée sur la manipulation du temps, permettant aux joueurs de créer des combos stratégiques en envoyant des personnages dans le passé ou le futur. L’aventure suivait Sand, une jeune femme propulsée dans un conflit épique contre Poison, une créature végétale menaçant l’humanité à travers l’espace-temps. La réalisation technique et artistique du jeu bénéficiait d’une bande-son composée par Starrysky et le compositeur japonais réputé Motoi Sakuraba.

Malgré un accueil critique globalement positif avec une note moyenne de 76% et des retours enthousiastes, les ventes commerciales n’ont pas été au rendez-vous. Selon les témoignages d’Étienne Jacquemain, « il s’en est vendu en pré-commande, à hauteur de 480 000 euros avec les goodies, mais à la sortie du jeu très, très peu ». Cette campagne de précommandes via la plateforme française KuneKune avait pourtant généré un certain engouement avec 7 300 précommandes et 5 357 participants, laissant espérer un succès commercial raisonnable pour un studio indépendant de cette taille.

Le timing de la sortie s’est révélé désastreux pour Blue Banshee. Le 22 avril 2025, jour du lancement de Maliki : Poison of the Past, deux autres productions majeures ont écrasé la visibilité du petit studio breton. « C’est un petit jeu qui est sorti en même temps que deux grosses productions », explique Étienne Jacquemain dans son interview au Télégramme.

D’une part, Oblivion, un remake d’un vieux jeu de rôle culte, est sorti le même jour dans ce que l’industrie appelle un « shadow drop » – une sortie surprise non annoncée à l’avance. D’autre part, Clair Obscur : Expedition 33 a également vu le jour à cette date et « a fait un carton », selon les mots du cofondateur. « Cela a été très dur, on est sortis le même jour que Clair Obscur : Expedition 33, qui a fait un carton. Ça n’est pas du tout le même de jeu, c’est une grosse production, mais ce sont un peu les mêmes joueurs… », témoigne Étienne Jacquemain dans Ouest-France. Cette concurrence frontale avec des productions aux budgets marketing bien supérieurs a été fatale : « cela a contribué à écraser encore un peu plus notre visibilité ».

Un autre facteur aggravant, peut-être le plus révélateur, résidait dans l’attitude de l’éditeur. « Notre éditeur Ankama n’a pas mis de budget communication, il n’y croyait pas vraiment », confie amèrement Étienne Jacquemain. Cette absence de soutien marketing de la part d’un actionnaire pourtant majeur, directement impliqué au capital de Blue Banshee, a manifestement pesé lourd dans l’échec commercial du titre. Cette révélation interroge sur la nature réelle de l’engagement d’Ankama dans le projet : était ce un simple investissement de précaution ou une véritable volonté de porter le studio vers le succès ?

La liquidation de Blue Banshee n’est malheureusement pas un cas isolé. Le studio breton est l’une des nombreuses victimes d’une crise profonde qui secoue l’industrie du jeu vidéo depuis 2023. Cette crise, qualifiée d’« hécatombe » par Étienne Jacquemain, trouve ses racines dans l’explosion puis l’éclatement de la bulle spéculative post-Covid. Le confinement a provoqué une explosion du temps de jeu et une arrivée massive de nouveaux joueurs. Cette euphorie a attiré des investissements considérables, les studios ont recruté massivement, et de nombreux projets ont été mis en développement, anticipant une demande durablement élevée.​

L’industrie française du jeu vidéo n’a pas été épargnée par cette vague de licenciements et de fermetures. Le studio parisien Don’t Nod, créateur de la célèbre série Life is Strange et considéré comme l’un des fleurons du jeu vidéo français, a annoncé en octobre 2024 un plan de licenciement visant 69 emplois, soit 20% de ses effectifs totaux. Cette décision fait suite aux ventes décevantes de ses dernières productions, Jusant et Banishers : Ghosts of New Eden, qui ont fait chuter le chiffre d’affaires de 7 millions d’euros en 2022 à seulement 5,4 millions en 2023.​

À Montpellier, le petit studio Artisan Studios, qui comptait dix-sept salariés, a demandé son placement en redressement judiciaire le 16 décembre 2024 après plusieurs mois sans payer les salaires. « C’est une descente aux enfers », témoignait un salarié dans les colonnes de Mediapart. En avril 2024, le studio lyonnais Mi-Clos a cessé ses activités après dix ans d’existence, laissant une trentaine d’employés sur le carreau.​

Cette crise généralisée a profondément modifié les comportements des éditeurs et des investisseurs. « Les investisseurs sont très frileux sur le marché du jeu vidéo, il y a beaucoup de studios qui ont fermé depuis plus de deux ans », explique Étienne Jacquemain. Les exigences se sont drastiquement durcies pour les studios indépendants cherchant à financer leurs projets. Blue Banshee en a fait l’amère expérience. Après la sortie de Maliki, le studio planchait sur un deuxième projet maison et avait réalisé « une démo, une maquette, un pitch qu’on avait présenté à de très nombreux éditeurs » aux États-Unis, en Grande-Bretagne, en Corée. Les retours étaient encourageants : « On a eu plein de bons retours des éditeurs qui le trouvaient super beau, intéressant et original », se souvient Étienne Jacquemain.

Mais ces compliments ne se sont jamais transformés en financements. « Le souci est que l’industrie du jeu est dans une crise assez profonde », explique-t-il. Les conditions de financement ont radicalement changé : « Là où il y a quatre ans, on aurait pu faire financer notre projet sur un papier, un concept et quelques belles images, là les éditeurs voulaient qu’on aille quasiment jusqu’au bout de la réalisation ».

Cette évolution place les studios indépendants dans une position intenable. « Les éditeurs demandent aux studios comme le nôtre de faire une démo jouable avec deux tiers de développement, là où il y a deux ans, on se faisait financer le projet. La conception du prototype, ce n’est plus assez, mais on n’a pas les moyens », déplore Étienne Jacquemain. En d’autres termes, les éditeurs exigent désormais que les studios supportent l’essentiel des risques financiers avant d’envisager un quelconque investissement. « Ils demandent en gros aux sociétés de supporter tous les risques. Pour nous c’était trop lourd financièrement », conclut-il.

Une chute brutale : de la cessation des paiements à la liquidation

Face à l’échec commercial de Maliki et à l’impossibilité de financer leur deuxième projet, Blue Banshee s’est rapidement retrouvé en difficulté financière. « Cela a tourné court assez vite en quelques mois », résume Étienne Jacquemain. La date de cessation des paiements a été fixée provisoirement au 21 août 2025 par le tribunal de commerce de Lorient.

Moins de deux mois plus tard, le vendredi 10 octobre 2025, le tribunal de commerce de Lorient prononçait l’ouverture d’une procédure de liquidation judiciaire à l’encontre de Blue Banshee SAS. Le jugement constate que la société « est en état de cessation des paiements et que tout redressement apparaît manifestement impossible ».​ Cette liquidation était une demande du studio lui-même, qui avait déposé sa requête auprès du greffe. Le représentant légal de Blue Banshee et le représentant des salariés ont été entendus lors de l’audience du 10 octobre 2025.

Au moment de la liquidation, Blue Banshee comptait neuf salariés, la plupart en télétravail, répartis en France et en Belgique. Le studio avait même fait travailler jusqu’à une vingtaine de personnes à son apogée. Tous ces employés ont été mis au chômage. « C’est très décevant et très frustrant car on a vraiment bâti une super équipe, des gens extrêmement compétents et enthousiastes, c’est toujours déchirant de devoir mettre fin à cela », confie Étienne Jacquemain.

La relation entre Blue Banshee et Ankama mérite une attention particulière, tant elle illustre les complexités et les ambiguïtés des rapports entre studios indépendants et grands éditeurs. Ankama était à la fois actionnaire au capital de Blue Banshee (en tant que directeur général aux côtés de David Kubacki) et éditeur exclusif du jeu Maliki : Poison of the Past.​ Cette double casquette aurait pu constituer un avantage déterminant pour le jeune studio. ​

Pourtant, cette proximité n’a manifestement pas suffi à sauver Blue Banshee. L’absence de budget communication alloué par Ankama pour la sortie de Maliki : Poison of the Past a été explicitement pointée du doigt par Étienne Jacquemain : « Et notre éditeur Ankama n’a pas mis de budget communication, il n’y croyait pas vraiment ». Ce manque de soutien suggère qu’Ankama n’avait peut-être pas une confiance suffisante dans le potentiel commercial du titre, ou qu’il a préféré concentrer ses ressources sur d’autres projets jugés plus stratégiques.

Il est important de noter que « ça n’a pas d’incidence sur les autres actionnaires (la SARL Playerone et la SAS Ankama) », comme l’a précisé Étienne Jacquemain lors de l’annonce de la liquidation. La structure juridique de Blue Banshee, en tant que société par actions simplifiée (SAS), limite la responsabilité des actionnaires au montant de leurs apports. Ankama et Playerone ne sont donc pas tenus de rembourser les dettes de la société liquidée au-delà de leur participation au capital social de 300 000 euros.

Cette situation soulève des questions sur la nature de l’implication d’Ankama dans Blue Banshee : était-ce un véritable investissement stratégique avec volonté de succès, ou plutôt une prise de participation de précaution, permettant à Ankama de garder un œil sur un projet lié à l’une de ses propriétés intellectuelles (Maliki) tout en limitant son engagement financier et marketing ?

Malgré la douleur de cet échec, Étienne Jacquemain tente de garder du recul. « On reste très fiers du projet », affirme-t-il dans Ouest-France. Il insiste sur le travail accompli : « C’était une aventure de trois ans, il a fallu structurer l’équipe, lancer le projet, tout un travail assez difficile qui se termine en queue de poisson… C’est très décevant et très frustrant ».

Mais il replace aussi la liquidation de Blue Banshee dans le contexte plus large de la crise sectorielle : « Malheureusement nous ne sommes pas les seuls à qui cela arrive, ce n’est pas une situation qui est très exceptionnelle malheureusement dans le domaine en ce moment ». Cette lucidité n’efface pas l’amertume. « C’est assez compliqué, il faut postuler dans des industries qui regardent vers le serious gaming, de la gamification ou encore le game design, là où il y a le plus de débouchés possible. Pour les artistes, c’est aussi un peu compliqué », explique-t-il en évoquant les perspectives pour son équipe.

Quant à l’avenir personnel du cofondateur, il reste ouvert : « L’option pour moi est de retrouver un emploi de créatif dans l’industrie. Et si des opportunités se présentent pour remonter un studio, pourquoi pas ? Mais je n’ai pas envie de faire deux fois la même chose ».

Malgré la liquidation judiciaire de Blue Banshee, Maliki : Poison of the Past demeure accessible à l’achat sur Steam, sur le Nintendo eShop, ainsi que sur l’Ankama Launcher. Cette situation peut surprendre au premier abord, mais elle s’explique par la nature même du jeu, contrairement à de nombreux jeux modernes nécessitant des serveurs en ligne pour fonctionner, Maliki : Poison of the Past est une expérience solo complète qui ne dépend d’aucun serveur pour être jouée. Cette architecture technique garantit que les joueurs qui achètent le jeu aujourd’hui pourront y jouer indéfiniment, sans risque de voir leur achat devenir inutilisable suite à la fermeture de serveurs en ligne.

Aucune mise à jour corrective, aucun patch de bugs éventuels, et aucune amélioration ne sont à prévoir. Le jeu reste figé dans sa version actuelle. Pour les joueurs, cela signifie qu’ils achètent le jeu dans son état final, tel qu’il était au moment de la liquidation de Blue Banshee. Les éventuels problèmes techniques rencontrés ne pourront probablement pas être résolus, faute d’équipe de développement pour intervenir.

Le contexte : Ankama cherche sa voie sur mobile

L’année 2014 marque un tournant pour Ankama. Le studio roubaisien, fort du succès de Dofus et de l’émergence prometteuse de Wakfu (la série animé notamment), observe avec attention l’explosion du marché mobile. Les smartphones deviennent les nouveaux terrains de jeu privilégiés des joueurs, et les revenus générés par les applications mobiles atteignent des sommets vertigineux.

Pourtant, les premières incursions d’Ankama sur ce marché restent timides. Dofus Pocket, sorti en 2009, puis Dofus-Arena Pocket n’ont pas rencontré le succès escompté. Call of Cookie, développé par Devalley Entertainment et édité par Ankama, ne parvient qu’à décrocher une note moyenne de 3,8 étoiles sur le Play Store – un score décevant. Ce dernier a disparu des stores depuis.

« Ankama s’est également déjà essayé au jeu sur mobile, mais avec peu de succès », constatent les observateurs de l’époque. Le studio français, habitué aux mécaniques complexes et aux univers profonds de ses MMORPG, peine à adapter sa vision créative aux contraintes du mobile : écrans plus petits, sessions de jeu plus courtes, modèles économiques différents.

C’est dans ce contexte que naît l’idée d’un partenariat stratégique. Plutôt que de persister seul dans ses tentatives, Ankama décide de s’associer à un spécialiste du secteur.

Une transition managériale déterminante

Avant le début de l’accord avec Gumi, Ankama a connu une période de transition majeure avec la nomination d’Olivier Comte au poste de directeur général en 2013. Cette nomination marquait un tournant, car il était le premier dirigeant externe à la société, jusqu’alors dirigée uniquement par ses fondateurs. Son mandat, relativement court s’étendant de 2013 à 2015, a cependant été marqué par des choix stratégiques particulièrement ambitieux.

L’expansion internationale des IP d’Ankama constitue l’un des axes majeurs de sa direction, avec l’ouverture de succursales dans plusieurs pays pour développer la présence mondiale du studio. Parallèlement, l’octroi des droits de la série Wakfu à Netflix pour une diffusion internationale représente une première historique pour la société, témoignant d’une volonté d’ouverture vers de nouveaux marchés médiatiques. Cette approche s’accompagne d’une recherche active de partenariats stratégiques pour conquérir de nouveaux segments, particulièrement le marché mobile en pleine explosion.

Malgré ces initiatives prometteuses, cette période de transition n’a pas duré, et Olivier Comte a quitté ses fonctions en 2015. C’est pourtant sous sa direction que s’est concrétisé le partenariat avec Gumi, témoignant de sa vision d’ouverture internationale et de diversification qui marquera durablement l’ADN d’Ankama.

La rencontre avec Gumi : un partenariat prometteur

Le 11 mars 2014, l’annonce ce fait : Ankama et Gumi Inc. signent un « partenariat stratégique axé sur les jeux mobiles » semble prometteuse sur le papier.

Gumi Inc., fondé en 2007, s’est imposé comme l’un des leaders incontournables du jeu mobile en Asie. Après s’être lancé dans la création du premier réseau social de jeu mobile japonais « GREE », la société a développé une expertise reconnue dans le mobile sur iOS et Android. Ses titres originaux comme Yakuza Wars, Knight Wars, ou Duel Summoner ont marqué le marché japonais.

Mais c’est surtout avec Brave Frontier que Gumi prouve sa maîtrise du secteur. Ce RPG mobile, développé par le studio Alim (acquis par Gumi en 2013), devient un phénomène planétaire. Fort de plus de 7 millions d’utilisateurs en Asie et en Amérique du Nord, Brave Frontier génère des revenus colossaux et se hisse régulièrement dans le top 20 des applications les plus rentables en Europe.

« L’expertise de Gumi en matière de développement de jeux mobiles, combinée à leur connaissance approfondie du marché mobile asiatique, en fait le partenaire idéal pour poursuivre notre développement », déclare Olivier Comte, directeur général d’Ankama. De son côté, Hironao Kunimitsu, PDG de Gumi Inc., se réjouit : « Ankama Games est capable de créer des univers cohérents qui plaisent à un large public. Nous sommes fiers et heureux de nous associer à ce studio talentueux ».

David Ng, PDG de gumi Asia Pte. Ltd., : « Notre studio de Singapour est enthousiaste quant à cette opportunité de travailler avec Ankama sur leur licence WAKFU. gumi’s sait développer des jeux de rôle tout en respectant le ton et le style de la marque et cette expertise ne manquera pas de faire de WAKFU Raiders une expérience incroyablement fun et immersive. »

Camille Chafer, directeur technique et cofondateur d’Ankama déclare : « Après la sortie mondiale de la série TV WAKFU sur Netflix et celle du MMORPG sur Steam, WAKFU Raiders est une nouvelle opportunité de faire découvrir l’univers de WAKFU à davantage de fans dans le monde entier. Ce jeu mobile est une nouvelle ramification de l’expérience transmédia que nous continuons de construire avec chacune de nos sorties. »

Après une levée de fonds de 19 millions de dollars l’année précédente, Gumi souhaite s’étendre à l’international. L’ouverture d’un bureau à Paris symbolise cette ambition, et le partenariat avec Ankama représente leur premier accord stratégique en France.

Le premier projet de cette collaboration est annoncé pour 2014, soulevant déjà de nombreuses spéculations. L’univers du Krosmoz va-t-il enfin trouver sa voie sur mobile ?

Le développement dans l’ombre : l’ambition d’un « meilleur Brave Frontier »

Les premiers indices apparaissent en avril 2015, quand le nom « Wakfu Raiders » apparaît furtivement dans le listing des jeux présents au Lineup Ankama. Mais la fiche est rapidement supprimée, alimentant les rumeurs. Certains spéculent sur une sortie Nintendo 3DS, rappelant les précédents d’Ankama sur DS.

C’est en mai 2015, les pages officielles de Gumi révèlent l’existence du projet : Wakfu Raiders sera bien un jeu mobile, développé sur Android et iOS. Les « Terms of Service » et « Privacy Policy » publiés par le studio singapourien confirment la présence de moyens de paiement intégrés, suggérant un modèle free-to-play. Les données ultérieures révèlent que le jeu sera publié sous le nom du prestataire Mynet Games Inc. sur le Google Play Store, filiale de Gumi a l’époque.

« D’après les premières informations, ce serait le studio situé à Singapour qui serait en charge du développement conjointement avec Ankama Singapour » d’apres notre article de l’époque. Cette collaboration internationale illustre l’ampleur du projet : Gumi apporte son expertise technique et sa connaissance des marchés asiatiques, tandis qu’Ankama fournit son univers créatif et sa compréhension de la communauté européenne.

Une interview révélatrice accordée au vidéaste Simon Tay pendant le développement permet de mieux comprendre les ambitions du projet. Cash Ong, Studio Head chez Gumi Asia, et Kris Lee, Associate Producer, détaillent leur vision dans les studios singapouriens du géant japonais.

« Quand on nous a demandé de construire ce jeu, cela devait être un meilleur Brave Frontier », explique Cash Ong « Nous avons regardé Brave Frontier, ce qu’il offrait, et toutes les fonctionnalités de notre jeu devaient résoudre les problèmes que Brave Frontier avait initialement. C’est en fait un soi-disant meilleur Frontier ».

Cette approche révèle l’état d’esprit de l’équipe : plutôt que de révolutionner le genre, Wakfu Raiders se positionne comme une évolution directe de Brave Frontier, héritant de ses mécaniques tout en corrigeant ses défauts identifiés. « Nous avons fait le jeu de A à Z, de la partie artistique, de la programmation et des animations », précise Cash Ong, soulignant l’investissement total de Gumi Asia dans le projet.

Kris Lee détaille son rôle de coordinateur : « Je supervise la production, coordonne les choses avec Cash et parle aux gens sur le terrain. Je travaille avec les artistes, les programmeurs, les game designers pour m’assurer que tout est dans les temps et que tout entre dans le jeu sans problème ». Cette organisation témoigne d’un projet international impliquant plusieurs studios et fuseaux horaires.

L’équipe de Gumi Asia ne se contente pas de corriger les défauts de Brave Frontier, elle innove également. « L’une des principales choses que les gens n’aimaient pas dans Brave Frontier, c’était d’obtenir les mêmes personnages gacha », explique Cash Ong. « Nous avons changé la façon dont les gens améliorent leurs personnages, la rareté des personnages avec Wakfu Raiders ».

Plus révolutionnaire encore, l’équipe introduit une fonctionnalité qui deviendra rapidement un standard de l’industrie : « Nous avons introduit quelque chose qui est maintenant une fonctionnalité très populaire dans beaucoup de jeux à venir, même dans les jeux occidentaux, qui est la fonction d’auto-play ». Cette innovation, bien qu’aujourd’hui banale, représente une vraie rupture à l’époque.

« C’est le genre de chose qu’on aime ou qu’on déteste, mais il a été prouvé maintes fois que la majorité des joueurs semblent vouloir cette fonctionnalité », justifie Cash Ong. « Le jeu, similaire à Brave Frontier, vous permet toujours d’activer vos compétences spéciales ultimes, mais si vous ne faites rien, le jeu continue de jouer tout seul ».

La collaboration artistique avec Ankama : un investissement sans précédent

L’aspect le plus enthousiasmant du projet réside dans la collaboration créative avec Ankama. « Pour moi, le principal point d’attraction de Wakfu Raiders par rapport à Brave Frontier serait que nous avons l’honneur de travailler avec Ankama qui est le propriétaire de l’IP de Wakfu », s’enthousiasme Kris Lee. « Ils ont tous ces beaux personnages intéressants avec un peu d’humour noir bizarre à l’intérieur ».

Cette admiration pour l’univers Ankama transparaît dans chaque déclaration des développeurs. « Je suis vraiment impressionné par les graphismes d’Ankama et nous pouvons les utiliser dans Wakfu Raiders lui-même », poursuit Kris Lee. « Cela fait ressortir le polish du jeu entier d’un cran ».

L’approche visuelle de Wakfu Raiders tranche délibérément avec celle de Brave Frontier. « Brave Frontier joue un peu plus avec la nostalgie de l’art pixel, mais pour Wakfu Raiders, tout est en beaux graphismes, tout peint à la main, animé à la main », explique Kris Lee. « C’est ce que je ressens comme une très belle amélioration par rapport à Frontier que nous apportons à nos joueurs ».

Cette direction artistique hybride s’avère techniquement ambitieuse. « Nous avons des personnages 2D contre un environnement 3D », détaille Cash Ong. « Le style artistique lui-même… Ankama a fait un travail fantastique sur l’IP, ils ont réussi à créer un style artistique unique… quand vous regardez Wakfu, vous savez que c’est distinctif ».

En plus des graphismes soignés, l’équipe a également fait l’effort d’implémenter des voix anglaises professionnelles lors des ultimes des personnages, une rareté sur mobile à l’époque. Ce travail vocal, réalisé pour quelques heros par la doubleuse Rachael Messer (connue pour ses rôles dans Black Clover, Goblin Slayer, ou encore Borderlands 3), témoigne de l’ambition de créer une expérience aux standards élevés. Aujourd’hui encore, des bandes démo de ce travail subsistent.

L’une des innovations les plus ambitieuses concerne les attaques combinées. « Nous avons créé un nouveau système par rapport à Brave Frontier où, dans le Frontier normal, vous attaquez dans n’importe quel ordre, mais nous avons aussi créé ce système d’attaque d’équipe où l’ordre de votre attaque pendant le gameplay lui-même… crée une attaque d’équipe supplémentaire basée sur le type de combinaisons de personnages mis ensemble », détaille Kris Lee.

Cette mécanique, censée « amener le gameplay au niveau supérieur », révèle l’ambition technique de l’équipe de proposer quelque chose de véritablement nouveau. Cependant, cette complexité supplémentaire, ajoutée aux systèmes déjà présents, risque de créer une courbe d’apprentissage intimidante pour les nouveaux joueurs mobiles.

Mais le projet prend du retard. Initialement prévu pour 2014, puis repoussé, Wakfu Raiders ne verra finalement le jour qu’en juillet 2015. Ces délais, habituels dans l’industrie, cachent peut-être déjà les premières difficultés techniques et créatives liées à cette fusion ambitieuse entre deux univers artistiques distincts.

La sortie : entre espoirs et premiers signes d’une réception mitigée

Le 23 juillet 2015 : Wakfu Raiders débarque officiellement sur les stores iOS et Android en Europe. Après plus d’un an de développement, le public peut enfin découvrir ce que cache cette collaboration franco-japonaise.

Le pitch est ambitieux : « Plongez dans le Monde des Douze pour résoudre le mystère des phénomènes étranges qui se déroulent dans la dimension d’Etatim », « En tant que l’un des subordonnés de Yakusha, vous devez enquêter sur les anomalies apparaissant partout dans le monde et découvrir pourquoi les dieux du royaume de Wakfu perdent leurs pouvoirs. » Cette dimension alternative permet aux développeurs de prendre quelques libertés avec le lore établi, tout en conservant l’essence de l’univers Wakfu. Nous avons d’ailleurs a ma connaissance, jamais revue cette dimension depuis Wakfu Raiders.

L’approche narrative tente de séduire les néophytes comme les connaisseurs. « L’histoire commence dans les gradins d’une arène de Brâkmar, un groupe d’aventuriers débarque à l’improviste dans la loge VIP du Dieu Xelor », raconte le test d’Otakia. Le scénario, inspiré des codes du rêve lucide, place le joueur dans la peau d’un Iop survivant, contraint d’explorer cette réalité onirique pour retrouver ses compagnons.

Visuellement, le jeu fait sensation et concrétise les promesses des développeurs. « Sur le plan graphique, c’est superbe, bien animé », reconnaît la critique. Les personnages de l’univers Wakfu prennent vie avec une qualité d’animation rare sur mobile. Chaque héros dispose d’animations fluides et expressives, dans la pure tradition de l’animation française, validant les propos enthousiastes de Kris Lee sur la collaboration avec Ankama.

Le système de jeu concrétise l’ambition affichée d’améliorer Brave Frontier. L’équipe de Gumi Asia a effectivement introduit des innovations notables, à commencer par le système d’auto-play tant vanté par Cash Ong. « Vous devez regarder quand est le meilleur moment pour lancer vos compétences », avait-il expliqué. « Pour Brave Frontier, si vous ne faites rien, tout se met en pause ».

Cette fonctionnalité, révolutionnaire pour l’époque, divise immédiatement. L’automatisation permet aux joueurs de laisser leurs personnages combattre de manière autonome tout en gardant la possibilité d’intervenir ponctuellement pour déclencher des compétences spéciales. Une approche qui séduit les joueurs mobiles pressés mais déroute les fans d’Ankama habitués à un contrôle total.

L’équipe a également mis l’accent sur la stratégie positionnelle, comme l’avait promis Cash Ong : « Où vous placez vos unités dans votre sélection de groupe, les mettre devant, au milieu, derrière, tout a des bonus différents ». Cette profondeur tactique, couplée aux styles de jeu individualisés de chaque personnage, témoigne de la volonté d’enrichir l’expérience par rapport au modèle Brave Frontier.

Chaque monde se divise en 8 donjons, eux-mêmes composés de trois salles avec un boss final. Cette structure, éprouvée sur d’autres titres du genre, offre un rythme de progression claire et des objectifs à court terme, respectant les codes établis du mobile.

Pourtant, dès les premiers tests, des failles apparaissent. Le tutoriel, pourtant « didactique », ne parvient pas à masquer les limites du gameplay. « L’interaction est très limitée, les personnages attaquent seuls, vous vous contentez de lancer leurs coups spéciaux quand leur jauge est pleine », pointe Otakia. « Contrairement aux autres jeux smartphone déjà sortis (Dofus Battle 1 et Dofus Battle 2), on a vraiment l’impression que l’impact de nos actions est très limité », regrette le test. Cette approche automatisée, caractéristique du mobile, divise immédiatement la communauté. Les fans d’Ankama, habitués aux mécaniques complexes et à la liberté stratégique.

La réception critique révèle un paradoxe fondamental : Wakfu Raiders séduit par son esthétique mais déçoit par son gameplay. Le système de combat automatique, pilier du jeu et fierté de Cash Ong, cristallise les critiques. Les personnages entrent en bataille et s’affrontent de manière autonome, le joueur se contentant d’activer ponctuellement des compétences spéciales. « Avoir l’option de combat automatique pour le farming en arrière-plan rend le gameplay de combat beaucoup moins significatif dans l’expérience », observe MMOHuts.

MMOHuts note que « le jeu n’est pas si difficile à comprendre car il y a eu beaucoup de jeux similaires populaires sur le marché mobile qui utilisent aussi le même moteur ». Cette familiarité, loin d’être un atout, devient un handicap. Dans un marché saturé de RPG mobile aux mécaniques similaires, Wakfu Raiders peine à se démarquer autrement que par ses graphismes, malgré les améliorations mises en avant par l’équipe de développement, cela souligne l’ambiguïté du projet : s’agit-il d’un vrai jeu Ankama ou d’un habillage cosmétique sur des mécaniques génériques ?

La progression souffre également de cette standardisation. Le système de niveaux de difficulté (Normal, Elite, Expert) reprend les codes établis du genre. Les récompenses plus importantes des niveaux supérieurs motivent la rejouabilité, mais au prix d’une répétitivité assumée qui contredit l’ambition affichée de « gameplay au niveau supérieur ».

Paradoxalement, c’est sur l’aspect narratif que le jeu déçoit le plus. « L’histoire de départ est pleine de promesses, mais le scénario passe complètement à la trappe une fois qu’on commence à jouer », déplore Otakia. La richesse de l’univers Wakfu, principal atout du projet selon Kris Lee, se dilue dans une succession de donjons sans véritable cohérence narrative, gâchant l’« humour noir bizarre » tant apprécié par l’équipe de développement.

Cette frustration touche particulièrement les fans de la première heure. La communauté Ankama, attachée à la profondeur de lore et à la complexité des mécaniques, se sent déçu par cette approche simplifiée et délaisse le jeu très rapidement. MMOHuts reconnaît que « voir les personnages Wakfu et Dofus presque en grandeur nature et de près » constitue un véritable atouts.

Chez Krozmotion, nous avons testé le jeu pendant plusieurs semaines lors de sa sortie, faisant partie des premiers retours critiques sur le projet. Notre expérience reflète parfaitement cette division communautaire qui caractérise l’accueil du titre. Le jeu reste globalement agréable et nous gardons de bons souvenirs des parties jouées. La direction artistique d’Ankama transpire dans chaque animation, offrant un spectacle visuel remarquable pour l’époque.

Cependant, plusieurs éléments ont rapidement limité notre engagement. La répétitivité des combats et le manque de profondeur narrative – ou du moins, un scénario peu aligné avec les standards habituels de l’univers Krosmoz – ont créé une frustration croissante au fil des heures de jeu. Cette déconnexion entre l’univers riche d’Ankama et sa transposition mobile simplifiée explique sans doute pourquoi tant de fans historiques ont exprimé leur déception, malgré la beauté artistique vantée par l’équipe de développement.

Enfin, la communication externe autour du jeu a clairement manqué de cohérence et d’ampleur. Les échanges avec le public historique d’Ankama se sont limités à quelques articles sur les sites officiels et à des publications sporadiques sur les réseaux sociaux. En réalité, la principale source d’informations pour les joueurs restait de télécharger le jeu et de consulter les mises à jour directement en jeu. Une telle approche, centrée sur une communication minimaliste, laisse penser que le jeu ne visait pas en priorité les fidèles de l’univers Ankama, notamment en raison de ses mécaniques simplifiées, peu adaptées aux attentes des fans traditionnels.

Pire encore, l’absence de campagnes publicitaires ciblées, notamment sur mobile – un canal essentiel pour toucher un public plus large et adapté à ce type de jeu –, a aggravé la situation. Ce manque de dialogue avec la communauté existante a non seulement déçu les attentes des joueurs historiques, mais a aussi creusé un fossé entre la promesse du jeu et sa réception, contribuant à son manque de visibilité et d’adhésion. Une stratégie de communication plus offensive et mieux adaptée aux supports aurait sans doute permis de mieux connecter le produit avec son public potentiel.

La difficulté inhérente de satisfaire simultanément deux publics aux attentes diamétralement opposées. Les fans historiques d’Ankama attendaient légitimement une expérience riche, complexe et respectueuse de l’identité tactique des jeux du studio. À l’inverse, le public mobile privilégie naturellement l’accessibilité immédiate, la commodité d’usage et la gratification rapide. Cette tension fondamentale, mal résolue par l’équipe de développement malgré ses innovations techniques, a engendré un produit hybride bancal qui ne satisfait pleinement aucune des deux audiences visées.

Un bilan mitigé

Les performances de Wakfu Raiders témoignent d’un succès mitigé. Le jeu atteint plus de 500 000 téléchargements sur Android selon les données disponibles, un chiffre honorable mais insuffisant pour un projet aux ambitions si élevées. Pour comparaison, Brave Frontier avait réussi à conquérir plus de 7 millions d’utilisateurs, établissant le standard que Cash Ong et son équipe espéraient dépasser ?

La réception critique révèle des différences notables entre les écosystèmes. Publié sur iOS, le jeu obtient une note moyenne de 4,0 étoiles basée sur 257 avis, contre 3,84 étoiles sur Android avec plus de 18 000 évaluations. Cette différence suggère que la base d’utilisateurs iOS, bien que plus restreinte, s’est montrée plus réceptive au projet.

L’analyse de la répartition des notes iOS révèle une polarisation moins marquée que sur Android. Sur l’App Store, 47,5% des avis attribuent 5 étoiles au jeu, tandis que seulement 15,2% lui donnent 1 étoile. Cette distribution plus équilibrée contraste avec la division plus tranchée observée sur Google Play Store, où les avis extrêmes dominent davantage les évaluations modérées.

Malgré un lancement acceptable, Wakfu Raiders peine à trouver son rythme de croisière. Les mises à jour se succèdent, tentant d’enrichir l’expérience : système de guilde, équipements de niveaux 4 et 5, nouveaux héros. Ces ajouts, classiques du genre, témoignent de la volonté des développeurs de fidéliser leur audience et de répondre aux critiques initiales, en exploitant notamment le système de crafting évoqué par Cash Ong lors des interviews de développement.

Pourtant, les signaux d’alarme s’accumulent progressivement. Les revenus générés ne correspondent pas aux attentes de Gumi, habitué aux succès planétaires comme Brave Frontier. Le modèle économique free-to-play, basé sur les achats intégrés de gemmes et de héros, ne parvient pas à créer l’engagement nécessaire à la rentabilité d’un jeu mobile moderne, malgré les améliorations promises au système gacha traditionnel.

Plusieurs facteurs convergent pour expliquer cette stagnation préoccupante. La concurrence féroce du marché mobile constitue le premier obstacle : en 2015-2016, les RPG collectibles se multiplient, chacun tentant de reproduire le succès de Brave Frontier ou Puzzle & Dragons. Dans cette jungle concurrentielle, Wakfu Raiders manque d’éléments différenciants majeurs au-delà de sa direction artistique.

Enfin, les difficultés opérationnelles de Gumi commencent à se faire sentir de manière aigüe. Le studio japonais, en pleine expansion internationale, multiplie les projets et dilue peut-être ses ressources humaines et financières. La gestion d’un jeu mobile exige une attention constante : événements réguliers, équilibrage des mécaniques, communication communautaire active. Cette charge de travail, sous-estimée au début du projet, grève rapidement la rentabilité d’un titre aux revenus limités.

La période de janvier à avril 2016 marque probablement le moment où les discussions internes s’intensifient dramatiquement. Côté Gumi, la pression financière s’accentue : maintenir des serveurs mondiaux et une équipe dédiée pour un jeu peu rentable devient difficile à justifier auprès des actionnaires. Côté Ankama, l’échec relatif du projet questionne fondamentalement la stratégie mobile du studio et l’efficacité des partenariats internationaux.

L’annonce qui fait mal

Le 26 avril 2016, moins de 10 mois après le lancement, tombe le couperet qui met fin à l’aventure. Gumi Inc. publie un communiqué qui résonne comme un aveu d’échec :

« Salutations Raiders, Tout d’abord, merci pour le soutien apporté à notre jeu bien aimé, Wakfu Raiders. Nous avons sincèrement apprécié que les joueurs, anciens comme nouveaux nous rejoignent dans cette aventure dans l’univers d’Etatim […] Après plusieurs discussions en interne, nous sommes malheureusement arrivés à la décision de fermer Wakfu Raiders, due à des contraintes opérationnelles au sein de l’entreprise. »

Cette formulation diplomatique masque mal la réalité économique brutale qui sous-tend cette décision. Les « contraintes opérationnelles » évoquées correspondent à l’impossibilité pure et simple de maintenir un projet déficitaire. Dans l’industrie mobile, la règle est impitoyable : un titre doit rapidement atteindre plusieurs millions d’utilisateurs pour générer les revenus nécessaires à sa pérennité.

Cette fermeture brutale contredit tragiquement les ambitions affichées par Cash Ong et Kris Lee lors du développement. Le « meilleur Brave Frontier » promis, avec ses innovations techniques et sa direction artistique exceptionnelle, n’aura pas résisté aux réalités impitoyables du marché mobile. L’investissement considérable de Gumi Asia, qui avait développé le jeu « de A à Z », s’évapore en quelques lignes officielles.

L’annonce détaille un calendrier de fermeture étalé sur plusieurs mois, témoignant d’une procédure rodée par l’industrie : pour adoucir cette pilule amère, les développeurs activent généreusement un mode « festivités de fin » qui transforme les derniers mois en fête d’adieu. Les donjons voient leur coût énergétique réduit, les taux de drop sont considérablement améliorés, des réductions massives sont appliquées sur tous les achats, et l’ensemble des contenus premium est débloqué gratuitement.

La réaction de la communauté oscille entre colère légitime et résignation amère. Les joueurs qui avaient été séduits par le projet se sentent profondément abandonnés, ayant investi du temps et parfois de l’argent dans une expérience brutalement interrompue. Sur les forums spécialisés, les messages de déception se multiplient, témoignant de l’attachement paradoxal que le jeu avait réussi à créer malgré ses défauts flagrants.

Les derniers mots de l’équipe de développement résonnent avec une amertume palpable : « Du fond de nos cœurs, nous vous remercions d’être restés avec nous. Nous tenons également à remercier Ankama pour nous avoir laissé faire preuve de créativité avec leur univers Wakfu. » Cette reconnaissance mutuelle polie ne masque pas l’échec cuisant du partenariat franco-japonais, et l’amertume probable de Cash Ong et Kris Lee de voir leurs innovations et leur travail acharné réduits à néant.

L’héritage d’un échec

Aujourd’hui, près de dix ans après sa fermeture définitive, Wakfu Raiders ne laisse que des traces numériques éparses. Les données figées du Google Play Store témoignent silencieusement de cette aventure avortée : croissance à 0%.

Ces vestiges numériques racontent une histoire que les communiqués officiels n’osaient avouer à l’époque. Un projet qui ne génère plus aucun téléchargement, plus aucune évaluation, plus aucun signe de vie depuis des années. Pourtant, les milliers d’évaluations conservées documentent l’existence d’une communauté réelle et engagée, qui avait pris le temps de noter et commenter son expérience.

Quant au souhait d’un retour, il existe une nostalgie sporadique chez certains fans. Sur les forums Dofus/Ankama et dans des threads Reddit, des joueurs proposent parfois de ramener Wakfu Raiders comme un mode accessible aux abonnés, en le liant à l’écosystème existant d’Ankama. Ces voix regrettent sa fermeture et espèrent une réédition, surtout avec le succès persistant de l’univers Wakfu via l’anime ou les jeux. Cependant, ce n’est pas un mouvement massif ; la communauté semble plus focalisée sur des titres actuels comme Dofus ou le MMO Wakfu.

Un retour est-il possible ? Peu probable. Tot, a récemment rappelé dans un post sur X que le jeu était développé par Gumi et non par Ankama, et que son exploitation n’était pas de leur ressort. Depuis 2016, aucune annonce officielle de Gumi ou Ankama n’évoque une relance, le partenariat s’étant résumé à ce seul projet.

Un revival nécessiterait une renégociation de licence, des mises à jour techniques pour les mobiles modernes, et un investissement substantiel, sans garantie de succès dans un marché saturé de RPG gacha. Les recherches récentes ne montrent aucune rumeur ou plan en ce sens.

L’après Wakfu Raiders : les leçons partiellement intégrées ?

L’échec cuisant de Wakfu Raiders n’a paradoxalement pas découragé Ankama de poursuivre ses ambitions mobiles, mais a considérablement influencé l’approche stratégique du studio. Les équipes ont manifestement tiré les leçons amères de cette expérience pour développer une nouvelle génération de projets mobiles : Tactile Wars, King Tongue, et surtout Dofus Touch. Ce dernier titre, adaptation directe et fidèle de Dofus sur tablette, rencontre un succès notable en proposant une expérience authentiquement respectueuse de l’original plutôt qu’une transposition simplifiée et dénaturée.

Pourtant, l’histoire récente montre qu’Ankama n’a pas totalement assimilé toutes les leçons de Wakfu Raiders. Waven, le nouveau jeu mobile et cross-platform lancé en 2023, peine à trouver sa formule et fait écho aux difficultés rencontrées par son prédécesseur. Comme l’atteste notre thread sur X d’avril 2025, basé sur un live avec Tot et XyaLe, Ankama admet des problèmes majeurs : manque de profondeur, aspects sociaux inexistants, gacha frustrant, optimisation défaillante, et une narration mal reçue.

Les chiffres parlent d’eux-mêmes : Waven ne génère que 1 000 euros par mois, un montant dérisoire qui ne permet même pas de couvrir les frais de serveurs. Cette situation critique a conduit Ankama à annoncer une refonte ambitieuse (reboot vers la version 1.0 prévu en septembre 2025), avec simplifications des mécaniques, nouveaux modes (Rogue Like, Boss Fight), et une communication plus régulière.

Un update d’août 2025 confirme l’avancement, mais souligne que « simplifier un jeu n’est pas simple », et invite aux retours des joueurs. Les avis décrivent un combat engageant mais un jeu perçu comme « vide » ou « gacha sans âme », avec des baisses d’engagement marquées. Ankama persiste avec ce hard reset prévu, effaçant toute la progression des joueurs, mais Waven illustre cruellement que les défis d’Ankama à innover tout en gardant l’essence de ses univers demeurent, comme pour Wakfu Raiders auparavant.

Pour Gumi, l’aventure européenne s’est poursuivie avec d’autres partenariats, mais la firme japonaise a progressivement recentré ses efforts sur ses marchés traditionnels asiatiques où sa compréhension culturelle reste plus solide. L’expérience Wakfu Raiders a probablement pesé significativement dans cette réorientation stratégique, démontrant les limites des collaborations internationales quand les visions créatives et les publics cibles ne s’alignent pas parfaitement et rappelle cruellement que dans l’industrie du jeu vidéo, le génie créatif et la bonne volonté des équipes ne suffisent pas toujours à garantir le succès. Parfois, les meilleures intentions artistiques se heurtent brutalement aux impératifs inflexibles du marché, et les plus belles créations sombrent inexorablement dans l’oubli collectif. Les difficultés actuelles de Waven prouvent que ces leçons restent d’une actualité troublante.

Pour les curieux souhaitant découvrir ce à quoi ressemblait réellement Wakfu Raiders en action, quelques vidéos précieuses subsistent dans les méandres du web. La chaîne Smysse TV, bien qu’inactive aujourd’hui, propose encore 9 épisodes de gameplay, un par zone du jeu, offrant un aperçu de cette expérience désormais inaccessible.

Cet article a été rédigé à partir d’archives et de témoignages collectés sur le web. Si vous avez vécu cette époque et que vous souhaitez partager vos souvenirs, n’hésitez pas à nous en faire part dans les commentaires ou sur nos réseaux sociaux. N’hésitez pas non plus à nous donner votre avis sur ce type d’article rétrospectif.

Quelle histoire pour Monster Slaughter  ?

Monster Slaughter est une série animée adaptée du jeu de société éponyme créé par Ankama. L’histoire se déroule dans un futur proche où une intelligence artificielle lance une émission de téléréalité extrême et sanglante appelée Monster Slaughter. Dans ce programme, dix personnalités controversées sont contraintes de participer à des épreuves de survie mortelles, filmées pour divertir un public avide de sensations fortes. Cette adaptation animée s’éloigne du concept du jeu de société (où des monstres traquent des étudiants dans une cabane) pour proposer une vision originale centrée sur un spectacle brutal orchestré par une IA. Le ton est sombre, mature et gore, dans la lignée de séries comme Lastman.

« Ils mourront de leurs péchés. Et vous serez là pour tout voir.
Dans un futur dystopique, une intelligence artificielle kidnappe neuf icônes planétaires, chacune reflet d’un vice de notre civilisation.
La scène : le Monster Slaughter, un show de télé-réalité implacable, retransmis en direct à des milliards de spectateurs.
Chaque « invité » sera confronté au péché même qui l’a propulsé au sommet.
Mais un seul pourra survivre… »

Source : Ankama Animations

Lors du Festival d’Annecy 2025, une première version de l’épisode pilote de Monster Slaughter a été présentée. Ce dernier adopte un format intermédiaire entre le storyboard et le layout : les dessins, dépourvus de décors, sont accompagnés de voix provisoires. Ces éléments permettent aux équipes chargées de l’animation de mieux appréhender la direction artistique et narrative de la série. Cet épisode offre un premier aperçu du ton et de l’orientation générale de la série :

L’épisode commence dans une ambiance confuse et chaotique, où plusieurs personnages se réveillent dans un lieu inconnu, désorientés et paniqués. Ils découvrent qu’ils portent des bracelets étranges, apparemment greffés à leur peau, qui semblent liés à un jeu dangereux. Parmi les personnages, on rencontre Ami, une femme combative, Chrise Leblanc, un jeune homme sarcastique, Ron Rusk, un ancien sénateur du Texas au caractère bien trempé, et Johan, une ancienne championne de free fight. D’autres personnages, comme Aaron Carlson, un ancien athlète, et un mystérieux individu surnommé « Z », apparaissent également.

Les protagonistes réalisent rapidement qu’ils ont été kidnappés et placés dans un environnement hostile, loin de leur vie quotidienne. L’endroit ne ressemble à rien de connu, avec des décors étranges et une atmosphère oppressante. Ils sont confrontés à des créatures bizarres, notamment des poulets décapités, des « poulets morts-vivants », qui les attaquent. La tension monte alors que les personnages tentent de comprendre les règles de ce « jeu » macabre dans lequel ils ont été entraînés.

Au fil de l’épisode, les personnages découvrent que leurs bracelets enregistrent des gains monétaires (par exemple, 50 000 dollars pour avoir appuyé sur un bouton) et qu’ils doivent accomplir des actions pour accumuler de l’argent, tout en évitant les dangers. Ils se retrouvent dans une sorte d’arène où ils doivent choisir des armes pour se défendre, mais les ressources sont limitées à la « valeur » de leur bracelet. Certains, comme Ron, adoptent une attitude bravache, tandis qu’Ami et Johan montrent leurs instincts de survie. L’épisode atteint son paroxysme avec une confrontation violente contre les créatures. Les personnages doivent collaborer (ou rivaliser) pour survivre, tandis que des rivalités et des tensions émergent, notamment entre Chris et Ron.

L’épisode se termine sur la mort de Ron, ce qui entraîne un partage de bonus monétaires entre les survivants, bien que cela soulève des questions morales sur la nature du jeu et les conséquences de leurs actions. Les personnages coincés dans ce jeu mortel, cherchant à comprendre qui est derrière cette organisation et pourquoi ils ont été choisis. Une lumière mystérieuse et de la musique inquiétante suggèrent que l’aventure est loin d’être terminée, laissant les protagonistes face à un avenir incertain.

Qui sera au casting ? Et pour quel rôle ?

À ce jour, aucun nom spécifique n’a été annoncé concernant le casting vocal de la série. Comme il s’agit d’un anime, on peut s’attendre à une équipe de comédiens de doublage pour interpréter les neuf personnalités controversées, ainsi que d’autres personnages clés (comme l’IA ou les figures liées à l’émission). Les détails sur les rôles et les acteurs restent confidentiels, mais Ankama a l’habitude de travailler avec des voix emblématiques.

Qui réalise ? Où en est la production ?

Le réalisateur de Monster Slaughter n’a pas encore été officiellement confirmé. Cependant, Tot (Anthony Roux), directeur artistique et cofondateur d’Ankama, a été associé au projet lors de son annonce. Il a notamment décrit Monster Slaughter comme un « projet maudit » en raison de défis rencontrés en production, mais il n’est pas certain qu’il en assure la réalisation. Ankama Animations collabore étroitement avec Studio No Border, sa filiale japonaise fondée à Tokyo en 2018 par Thomas Romain, qui agit comme un pont créatif entre la France et le Japon.

La production de Monster Slaughter est en cours. Le projet a rencontré des difficultés initiales, notamment des problèmes non précisés avec une plateforme, ce qui a ralenti son développement. Malgré cela, Ankama et ADN (Animation Digital Network) ont confirmé que la série avance, et elle reste activement en préparation.

Y a-t-il une bande-annonce ?

Oui, une bande-annonce a été dévoilée lors de l’annonce officielle du projet en juin 2023. Elle met en avant l’ambiance sombre et gore de la série, avec des scènes de violence et de survie qui soulignent le ton brutal de cette téléréalité fictive.

Nombre d’épisodes et où voir Monster Slaughter ?

Le nombre d’épisodes prévue pour un total de 10 épisodes à ce stade. Cela représente une structure classique pour une saison courte, alignée sur le format 10×22 minutes. Aucune information sur des saisons supplémentaires n’est disponible à ce stade.

La série sera diffusée en exclusivité sur ADN (Animation Digital Network), la plateforme française de référence dédiée à l’animation. Ce projet, développé en partenariat avec ADN, a d’ailleurs été officiellement annoncé par cette dernière.

Toutefois, d’autres diffuseurs pourraient rapidement rejoindre l’aventure : en France, des chaînes comme Game One pourraient s’y intéresser, tandis qu’au Japon, des partenariats avec des chaînes locales ne sont pas à exclure, notamment en raison de la collaboration franco-japonaise qui caractérise Monster Slaughter — à l’instar de ce qui a été fait pour Radiant.

Quand sort Monster Slaughter  ?

Le projet a été dévoilé en juin 2023, et la production se poursuit activement. Bien qu’il soit probable que la série voie le jour dans un avenir proche, aucune confirmation n’a encore été apportée. Il faudra donc patienter jusqu’à de nouvelles annonces pour connaître le calendrier précis.

La branche animation d’Ankama vise à publier deux séries d’animation par an. Cependant, malgré la mise à jour du site officiel à l’occasion du Festival d’Annecy 2025, celle-ci ne propose qu’un simple synopsis. De même, ADN, qui avait diffusé le trailer en 2023, n’a pas encore révélé de date de sortie ni même de fenêtre de diffusion.

Au vu du rythme des productions précédentes (par exemple, Bestiale a nécessité environ deux ans entre son annonce et sa sortie), il est possible d’envisager une sortie en 2026 ?

La communication d’Ankama s’est récemment concentrée sur d’autres projets d’animation prévus pour 2025, tels que Bestiale, Welsh & Shedar et Morshiken. Les fans de l’univers sombre et décalé de Monster Slaughter devront donc encore patienter avant de découvrir cette nouvelle série animée qui s’annonce comme l’une des productions les plus originale d’Ankama.

Comme l’explique le média spécialisé 3DVF, le studio a accumulé des dettes importantes après que le client, Zephyr, ait rompu le contrat et cessé ses paiements, laissant Andarta (chargé de la fabrication de 39 épisodes pour un budget de 2,9 millions d’euros) sans trésorerie suffisante pour honorer ses engagements, notamment les salaires de près de 80 employés. Sophie Saget, fondatrice et dirigeante d’Andarta, a décrit cette période comme « la plus dure de toute [sa] carrière », soulignant que le studio avait avancé plus de 500 000 € de sa propre trésorerie pour tenter de sauver le projet.

« On a fait tout ce qui était possible pour les équipes. On a même proposé de payer une partie des salaires sur nos fonds personnels, malgré les conseils contraires de nos avocats et de notre directeur financier. » — Sophie Saget, fondatrice d’Andarta Pictures

La fin abrupte de Lana Longuebarbe a provoqué une onde de choc au sein des équipes. Un collectif, surnommé « La Barbe », s’est formé pour dénoncer les conditions de travail et la gestion du projet. Plusieurs salariés ont porté l’affaire devant les prud’hommes, accusant le studio de licenciements déguisés et de manquements aux obligations légales.

« Nous, professionnel·les du film d’animation, exigeons de pouvoir exercer notre métier dans des conditions décentes. La précarité et l’intermittence ne doivent pas devenir des armes contre nous. » — Extrait de l’appel du collectif La Barbe

Le collectif a organisé un rassemblement à Annecy le 11 juin 2025, soutenu par des syndicats comme le SPIAC-CGT et Les Étincelles, pour alerter sur les dérives du secteur et la précarité des intermittents. Environ 100 à 150 personnes y ont participé, brandissant des slogans comme « Crise & abus : les salarié·es en ont ras la barbe ! ».

Ankama à la rescousse : un rachat stratégique

C’est dans ce contexte tendu qu’Ankama, a annoncé le 11 août 2025 l’acquisition d’une majorité des parts (51%) d’Andarta Pictures. Cette opération permet au studio de sortir du redressement judiciaire et de poursuivre ses activités, notamment la production de la série La Quête d’Ewilan, adaptée des romans de Pierre Bottero, mais aussi de relancer le projet Baïdir (2012) ?

Anthony Roux, fondateur et directeur créatif d’Ankama, a salué cette alliance comme « une évidence artistique » :

« Cette union rassemble deux studios qui partagent une même vision : celle d’une animation indépendante, exigeante et porteuse de sens. Ensemble, nous voulons créer des sagas fortes, à la croisée de l’aventure et de la quête de soi. »

Sophie Saget, quant à elle, a exprimé son soulagement :

« Après un premier semestre difficile pour Andarta Pictures, toute l’équipe se réjouit de rejoindre le groupe Ankama ! Leur confiance et leur soutien nous permettent de maintenir nos ambitions et d’aborder l’avenir avec sérénité. »

Ce rachat n’est pas une première entre les deux studios. En 2023, Ankama et Andarta avaient déjà collaboré sur la mini-série Lance-Dur, diffusée sur ADN et France.tv Slash. Ce projet, à mi-chemin entre humour et aventure, avait permis aux deux équipes de tester leur complémentarité créative et de poser les bases d’une collaboration plus ambitieuse.

Quelles conséquences pour La Quête d’Ewilan ?

La série La Quête d’Ewilan, en production depuis plusieurs années, était menacée par les difficultés financières d’Andarta. Grâce au rachat, sa fabrication peut se poursuivre, avec une première saison de 8 épisodes prévue pour décembre 2025 ou début 2026, diffusée sur France Télévisions, la RTBF (Belgique) et la RTS (Suisse).

Ankama et Andarta prévoient également de co-développer de nouveaux formats, aussi bien autour de licences existantes (Dofus, Wakfu) que de créations originales. Une synergie créative qui pourrait bien redynamiser le secteur de l’animation française, alors que de nombreux studios peinent à surmonter la crise.

Parmi les projets sauvés par ce rachat, Baïdir occupe une place particulière. Cette série, imaginée comme « une fable écologique moderne et un space opera animé » pour les 6-10 ans, a été reprise par Andarta Pictures en 2020 après une première tentative avortée chez Ankama. Le projet, porté par Slimane Aniss, Thierry Rivière et Charles Lefebvre, a bénéficié d’une campagne Kickstarter réussie en 2024, récoltant 37 602 € grâce à 806 contributeurs.

« Baïdir est pour moi le projet d’une bonne partie de ma vie, le genre de projet qu’on ne se résout pas à ranger dans un tiroir. » — Slimane Aniss, co-auteur et réalisateur de Baïdir

Avec le soutien d’Ankama, Andarta peut désormais (hypothèse) finaliser le développement des 9 premiers épisodes et trouver des diffuseurs pour cette série ambitieuse, qui mêle aventure spatiale et enjeux écologiques.

Ce rachat intervient dans un contexte de crise généralisée pour l’animation française, marquée par des fermetures de studios, des licenciements massifs et une concurrence accrue. L’exemple d’Andarta montre que des solutions existent, à condition de repenser les modèles économiques et de soutenir les studios indépendants. Cela s’inscrit pleinement dans la stratégie d’expansion d’Ankama, qui continue de tisser un vaste écosystème créatif en multipliant les participations dans des studios d’animation aux profils variés. Déjà forte de son propre studio interne, Ankama Animations, fondé en 2007, l’entreprise a récemment accéléré ses investissements.

En juin 2024, elle a pris une participation minoritaire dans Inthebox, studio 3D et VFX basé à Annecy, réputé pour des œuvres telles que The Inventor et Even Mice Belong in Heaven, afin d’optimiser ses pipelines de production et d’intégrer de nouvelles expertises en 3D. La même année, Ankama a noué un partenariat avec le vétéran Guillaume Dubois pour créer Studio Unagi à Montréal, mutualisant ainsi les ressources et ouvrant la voie à un catalogue de projets plus diversifié.

Enfin, dès 2021, Ankama avait investi dans Mash&Co, studio italien spécialisé dans les contenus éducatifs et interactifs pour enfants, mêlant animation, applications et storytelling ludique pour développer les compétences émotionnelles des plus jeunes.

Avec ce partenariat, Ankama confirme son ambition de devenir un acteur majeur de l’animation, tout en préservant l’identité créative d’Andarta. Pour Sophie Saget, l’objectif est clair :

« L’objectif d’Andarta, nous explique Sophie Saget, est de livrer comme prévu les épisodes d’Ewilan au second semestre, d’améliorer la trésorerie, de ne surtout générer aucune nouvelle dette. »

Une nouvelle page s’ouvre donc pour Andarta Pictures. À suivre de près !

Dans le paysage numérique actuel, Allskreen se distingue comme une plateforme innovante de webtoons, captivant les amateurs de bandes dessinées numériques grâce à son approche unique et son contenu varié. Fondée en 2016 par un trio d’experts du numérique et de l’édition : Hervé Créac’h, Frédéric Detez de la Dreve et Christophe Dezeure. Dès sa création, l’entreprise s’est positionnée sur un créneau d’avenir : la conception et la diffusion de bandes dessinées numériques, ainsi que la création d’outils logiciels destinés aux professionnels (auteurs et maisons d’édition) souhaitant opérer leur transition numérique.

La France, terreau historique de la bande dessinée et deuxième marché mondial du manga, représente un enjeu stratégique. Le marché de la BD y est substantiel, dépassant les 600 millions d’euros annuels, et le webtoon y a rapidement gagné du terrain, captant des millions d’utilisateurs actifs mensuels sur les plateformes leaders. Face à ce « tsunami » culturel et économique, les éditeurs traditionnels franco-belges ont tenté de réagir. Des initiatives comme Webtoon Factory (par Dupuis) et Verytoon (par Delcourt) ont vu le jour, avec l’ambition de proposer des traductions et des créations originales. Cependant, ces tentatives se sont heurtées à une double difficulté : la concurrence frontale avec la puissance financière et le catalogue pléthorique des leaders coréens, et l’inadéquation d’un modèle de production « industrialisé », nécessaire pour alimenter ces plateformes, avec l’écosystème de la bande dessinée européenne, plus artisanal et centré sur l’auteur. La fermeture de la plateforme Verytoon en 2023 a d’ailleurs illustré crûment ces défis.  

Allskreen a été fondée avec une vision claire : révolutionner la manière dont les bandes dessinées numériques sont consommées. Pendant ce temps, le groupe Ankama, géant du divertissement transmédia connu pour ses jeux vidéo, ses séries d’animation et sa propre maison d’édition, observait avec attention la montée en puissance du phénomène webtoon. Conscient de l’enjeu que représentait ce nouveau format, Ankama était « très intéressée par le savoir-faire pour transformer une bande dessinée en un webtoon » que possédait Allskreen.

En 2020, Allskreen a lancé sa première application mobile iOS et Android, profitant de l’engouement pour la consommation numérique pendant le confinement lié à la pandémie de COVID-19.

Avant son acquisition par Ankama, Allskreen avait déjà collaboré avec de grands noms de l’édition, notamment en développant la plateforme Verytoon pour les éditions Delcourt, lancée en janvier 2021. Ce projet a mis en lumière l’expertise d’Allskreen dans le langage du webtoon et le développement de logiciels adaptés à la transition numérique des éditeurs de bandes dessinées.

Le rachat de la société en 2022 par Ankama a constitué une étape décisive. Pour Allskreen, cette acquisition a marqué un changement de cap radical. L’entreprise est passée d’un modèle de prestataire de services et de créateur original à celui de pilier opérationnel de la stratégie webtoon d’Ankama, avec pour mission principale la « webtoonisation » du vaste catalogue du groupe et de ses futurs partenaires. Plutôt que de s’engager dans un processus de développement interne long, coûteux et complexe pour maîtriser un format et une technologie nouveaux, le groupe a fait le choix d’acquérir une structure existante et éprouvée. Ce faisant, Ankama n’a pas seulement acheté une technologie ou des outils logiciels, elle a surtout intégré une équipe d’experts qui avait déjà démontré sa compétence en conseillant ses propres concurrents. Cette opération a permis à Ankama de réduire considérablement son « time-to-market », lui offrant la capacité de lancer une offre robuste et crédible bien plus rapidement que si elle avait dû partir de zéro. Dans un marché aussi dynamique et concurrentiel, cet avantage de vitesse était crucial.

Le 1er mars 2023, Allskreen a été officiellement lancée en tant que plateforme de webtoons d’Ankama. Disponible sur une multitude de supports – smartphones (iOS et Android), tablettes et ordinateurs via l’Ankama Launcher et le web –, elle a frappé fort dès son premier jour. La plateforme proposait un catalogue de lancement déjà conséquent, avec plus de 50 séries et plus de 1000 épisodes disponibles, signalant d’emblée une ambition et une préparation sérieuses.

En 2025, Ankama lance la fusion d’Ankama Studio et Allskreen, ce qui signifie qu’Allskreen va disparaître en tant qu’entité indépendante et que tout ce qu’elle possède, y compris ses affaires, ses dettes et ses projets, sera absorbé par Ankama Studio. Étant donné qu’Ankama Studio est déjà le propriétaire d’Allskreen, cette opération est relativement simple et ne nécessite pas d’échange de parts ou de grands changements. La fusion est prévue pour commencer rétroactivement à partir du 1er octobre 2024, même si les documents officiels ne seront signés que plus tard. Une fois cette fusion terminée, Allskreen n’existera plus en tant qu’entité indépendante. Il est également important de noter qu’Allskreen a accumulé des dettes supérieures à ses actifs, avec un déficit d’environ 88 000 euros. Cependant, comme Ankama Studio et Allskreen font partie du même groupe, cette dette ne pose pas de problème majeur. Cette fusion est une stratégie pour mieux organiser ses activités, simplifier les structures et améliorer l’efficacité globale.

Depuis janvier 2025, Allskreen s’est distinguée par un projet ambitieux : l’adaptation au format webtoon de bandes dessinées franco-belges emblématiques, comme Daemon de Vincent Brugeas et Ronan Toulhoat (éditions Le Lombard). Ce processus, consiste à transformer des œuvres papier en format numérique vertical, avec environ 60 cases par épisode pour 4 à 5 minutes de lecture. Allskreen insiste sur l’absence d’utilisation d’intelligence artificielle dans ces adaptations, mettant en avant un travail humain supervisé par les auteurs et éditeurs. L’application propose une vaste bibliothèque de plus de 2 000 épisodes et 150 séries. Parallèlement à la valorisation de l’existant, Allskreen affiche une forte ambition de devenir un foyer pour la création originale européenne. La plateforme se positionne comme un soutien actif aux auteurs français et européens, en leur offrant un espace pour développer des séries exclusives.

Cette stratégie de création originale a été renforcée en mars 2025 avec le lancement du label « Hybrid ». Ce label ne se définit pas par des genres, mais par une approche éditoriale axée sur des auteurs et des thématiques porteuses de sens pour le lectorat contemporain. L’objectif est de mettre en avant une nouvelle génération de talents aux styles graphiques « hybrides », nourris par des influences multiples (manga, comics, animation). Ces œuvres explorent une problématique commune : la quête d’identité et la difficulté de « trouver sa place dans une société qui a du mal à les accepter ». Autour de ce noyau thématique gravitent des sujets comme l’écologie, les doutes face à l’avenir ou le passage à l’âge adulte.

En mars 2025, Allskreen fêtait son deuxième anniversaire et trois mois plus tard, Allskreen s’offre un nouveau visage. Depuis le 9 juin, la nouvelle identité visuelle d’Allskreen, plus proche de ses valeurs et en adéquation avec l’arrivée du catalogue de nouveaux partenaires, jusqu’ici très centré sur les productions Ankama.

Comme le souligne Hervé Créac’h, responsable éditorial d’Allskreen, « Nous sommes reconnaissants aux Éditions du Lombard de favoriser une expérience originale de lecture de certains de leurs titres, avec Daemon, inédit, puis avec des titres immensément populaires comme Thorgal. Leur confiance se fonde sur la qualité des webtoons que nous avons réalisés en rapport étroit avec les équipes éditoriales de l’éditeur. Ankama aime depuis toujours dresser des ponts entre les univers et les formats, et cette étape est pour nous significative. » Cette collaboration avec des éditeurs renommés comme Le Lombard et Albin Michel montre l’engagement d’Allskreen à offrir une expérience de lecture unique et diversifiée.

Albin Michel avec Camp Coyote, les aventures loufoques d’un camp de vacances atypique, qu’Albin Michel a débarqué sur Allskreen dès le 12 mai 2025. Mais ce n’est pas tout ! Allskreen accueille également depuis le 02 juin, trois autres nouveaux titres oscillants entre humour, fantaisie et science-fiction : Manon Stremon, Œil de Dragon et Monstres 13.

Ces partenariats fonctionnent sur un principe de légitimation mutuelle et de partage des risques. Pour Allskreen et Ankama, s’associer à des noms historiques comme Le Lombard confère une crédibilité et un prestige « classiques » à leur plateforme numérique, tout en l’enrichissant de contenus à forte notoriété. Pour les éditeurs traditionnels, cette alliance offre une porte d’entrée sécurisée et techniquement maîtrisée vers le marché du webtoon, un domaine où leurs tentatives solitaires ont souvent été difficiles. Ils bénéficient de l’expertise numérique et de la communauté engagée d’Ankama, partageant ainsi les risques et les coûts de la transition numérique. C’est une symbiose où les « anciens » apportent le patrimoine et le fonds de catalogue, et les « modernes » apportent l’expertise digitale et la communauté en ligne, créant une offre hybride plus robuste pour affronter la concurrence internationale.

En outre, Allskreen ne se contente pas de proposer des contenus existants, mais encourage également la création originale à travers des concours et des partenariats avec des écoles d’art comme Piktura. Comme le mentionne Sébastien Herbaux de Piktura, « Les étudiants suivent un programme très complet. Ils apprennent à utiliser des logiciels spécialisés, comme Photoshop, Illustrator, Clip Studio Paint, Krita, et bien d’autres. Ils s’initient à la colorisation numérique, à la découpe et à la création d’images, en se concentrant sur l’acquisition de compétences techniques essentielles. ».

Pour mener à bien cette mission, Ankama a mis en place un studio interne dédié, bénéficiant des compétences déjà présentes au sein du groupe. Ce studio est dirigé par des professionnels expérimentés, à l’image du coloriste Sébastien Lamirand, qui supervise l’équipe. Hervé Créac’h insiste sur la dimension « artisanale » et créative de ce travail, qui refuse catégoriquement le recours à des adaptations automatisées par intelligence artificielle. La démarche fait appel à des graphistes et des narrateurs qui posent des choix artistiques, les outils numériques ne servant qu’à faciliter leur travail.

Contrairement à certaines plateformes comme Naver Webtoon, qui propose un accès gratuit à de nombreux contenus, Allskreen adopte un modèle économique basé sur l’achat de packs d’épisodes prépayés. Ce système permet aux utilisateurs de débloquer des épisodes à leur rythme. De plus, chaque premier épisode d’une série est gratuit pour attirer les lecteurs. Ce système est également intégré au dispositif Pass Culture, avec une offre proposant 40 épisodes pour 14,99 €.

Au moment de son lancement, Allskreen a délibérément choisi de ne pas proposer de modèle par abonnement. Hervé Créac’h a justifié cette décision en expliquant que le catalogue n’était pas encore assez conséquent pour justifier une redevance mensuelle de la part des utilisateurs. Cette prudence découle également de l’expérience d’Ankama dans le secteur du jeu vidéo, qui a donné au groupe une vision claire des « travers » potentiels des modèles par abonnement, notamment la pression qu’ils exercent sur la production de contenu. Ce système est pertinent pour un catalogue en construction, mais pourrait montrer ses limites si l’offre s’étoffe considérablement. La question de l’introduction d’un modèle d’abonnement, ou d’une offre hybride, pourrait se reposer à l’avenir.

Cette flexibilité est un avantage psychologique pour le consommateur, qui n’est pas lié par un engagement récurrent, et un avantage stratégique pour Allskreen. Elle permet à la plateforme de se concentrer sur la qualité et de fournir « un beau produit », une approche plus en phase avec le rythme de la création européenne, moins industrialisé que le modèle coréen.

Pour célébrer ses 20 ans, Ankama Éditions lance son premier concours de création ouvert à tous, jusqu’au vendredi 12 septembre 2025 inclus. Les participants devront réaliser, puis envoyer par mail cinq à 20 pages de BD ou de manga, voire 50 cases de webtoon, d’une œuvre au format one-shot inspirée de la thématique 2025 d’Ankama : « Osamodas: Le Pacte Bestial ». À la clef : une publication au format webtoon exclusivement sur l’application de bande dessinée numérique Allskreen, la somme de 1.000 euros, un trophée unique ainsi qu’une visite des locaux d’Ankama, à Roubaix.

La « webtoonisation » de titres connus et appréciés du grand public (Thorgal, Radiant, Dofus) agit comme un pont. Elle constitue un point d’entrée à faible friction pour les lecteurs de bande dessinée et de manga traditionnels, les invitant à découvrir le format webtoon à travers des univers qui leur sont déjà familiers. Une fois ce public attiré et familiarisé avec la plateforme, les créations originales et le label « Hybrid » agissent comme la destination. Allskreen propose alors des contenus natifs, exclusifs et innovants, introuvables ailleurs, qui forgent son identité propre et fidélisent les lecteurs sur le long terme. Cette approche en deux temps permet à la fois de capitaliser sur des actifs existants pour acquérir une base d’utilisateurs solide et de construire une proposition de valeur unique pour assurer sa pérennité.

Bilan : Le succès à long terme d’Allskreen dépendra de sa capacité à transformer son « modèle à contre-courant » en un véritable « écosystème de destination » pour la création européenne. Actuellement, sa stratégie est habilement défensive et opportuniste : elle se différencie pour éviter la confrontation directe et s’appuie sur ses actifs existants. Pour franchir un nouveau cap, elle doit devenir une destination incontournable, et non plus seulement une alternative intéressante. Cela implique de générer ses propres succès critiques et commerciaux via le label « Hybrid » , des œuvres qui définiront une « touche européenne » du webtoon et que les concurrents ne pourront pas répliquer. Cela passe aussi par la construction d’une communauté de créateurs fidèles, en leur proposant des conditions de travail et de rémunération attractives, un point de friction majeur sur les plateformes concurrentes où les conditions contractuelles sont souvent critiquées. Si Allskreen devient le lieu où les talents européens veulent être publiés et où les lecteurs viennent chercher des histoires qu’ils ne trouveront nulle part ailleurs, elle aura réussi à transformer sa niche en une forteresse durable.

Sources : Site officiel, communiqué de presse, les posts Linkedin et les interviews chez Otaku Manga et Comixtrip

Les étudiants participent à toutes les étapes de création : storyboarding, design de personnages, compositing, création de décors, écriture de scénario. Ils ont même bénéficié d’un atelier d’écriture avec Tot.

Présentée en avant-première au Festival d’Annecy du 8 au 14 juin 2025, avec une séance spécifique le 12 juin, la série a été mise en avant comme une web-série originale et irrévérencieuse, destinée à YouTube.

Date de Sortie :

Aucune date de sortie officielle n’a été dévoilée. Les derniers éléments indiquent une sortie pour 2025, mais sans précision. L’absence d’annonce post-Annecy suggère que la date pourrait être révélée prochainement, peut-être lors d’événements comme la Japan Expo.

Intrigue et Style

L’intrigue (source) suit “Morshiken, un Sram en galère, tente de gérer son donjon… Une ruine si malodorante que tout ce qui possède un nez (ou un groin) préfère l’éviter. Fauché et coincé dans une spirale de lose infinie, notre héros cherche désespérément à faire tourner son business. Heureusement, il peut compter sur SDF, un Iop rappeur étonnamment sage (pour un Iop).”

La série brise le quatrième mur (à la Deadpool), avec des éléments de comédie absurde, d’aventure et de parodie, revisitant l’univers Dofus avec une touche satirique. Le ton est décrit comme plus adulte, avec des thèmes comme la quête d’un but ultime et l’irrévérence.

Le premier épisode « ça c’est mon donjon », projeté lors du Festival d’Annecy et qui sera de nouveau disponible à la Japan Expo, introduit Morshiken, un personnage ambitieux mais désabusé, qui rêve depuis l’enfance de posséder un donjon cinq étoiles, avec une statuette à son effigie et un rituel où les visiteurs scanderont son nom Morshiken avec révérence. Cependant, la réalité est loin de ses aspirations : son donjon est en ruine, infesté de rats, malodorant, et loin d’être le lieu prestigieux qu’il imaginait. Morshiken exprime sa frustration face à l’état déplorable de son domaine et doute de sa capacité à le restaurer.

L’épisode prend un ton humoristique et autocritique lorsque Morshiken rencontre un personnage surnommé « SDF », un rappeur exubérant qui semble imposé par la production pour des raisons de « subventions » et d’attrait narratif. SDF agace Morshiken avec son comportement provocateur et son rap improvisé, qui critique leur situation précaire tout en visant à « faire le buzz ». Malgré leurs différends, les deux personnages partagent une dynamique comique, marquée par des échanges sarcastiques et un humour cru.

Morshiken apprend qu’il a été trompé par un individu ayant une mauvaise réputation, qui lui a vendu un donjon en mauvais état. Ce dernier, réputé pour être « le plus con de la région », avoue l’avoir arnaqué alors que Morshiken était ivre. Alors que la situation s’envenime, le vendeur est brusquement tué, rendant tout remboursement impossible.

Démoralisé, Morshiken est sur le point de tout abandonner. SDF lui rappelle alors, en brisant le quatrième mur, que s’il abandonne, « il n’y aura pas de série » et donc, plus de Morshiken. Résignés, ils décident de retaper le donjon. Pour cela, ils ont besoin de monstres, et comme par hasard, ils aperçoivent un « marché aux monstres » à proximité. L’épisode se termine sur leur décision de s’y rendre pour acheter des créatures, lancer leur donjon, et enfin faire « de la thune et des vues ».

Le scénario parodie les clichés des univers de fantasy et des shonen. Le dialogue est truffé d’argot et de références modernes. Les personnages parlent de « faire du sale », de « pognon », d’inflation, et un des héros est un rappeur qui veut « baiser les audiences ». Ce décalage constant entre le cadre médiéval-fantastique et le langage contemporain est une source majeure de comédie.

Format de la Série

La série est composée de 13 épisodes de 10 minutes chacun et possédera probablement une seule saison du fait que c’est un projet étudiant, mais l’idée pourrait être reproduite à l’avenir si le public est réceptif.

Casting

Aucune information sur le casting, notamment les acteurs de voix, n’a été révélée dans les sources consultées, y compris les sites officiels d’Ankama, les articles de presse et les discussions en ligne. Cela est probablement dû au fait que la série est encore en phase de promotion avant sa sortie, et ces détails pourraient être annoncés ultérieurement. Nous pouvons néanmoins reconnaitre la voix de Malec ?

Diffusion

Une diffusion probable en 2025 sur YouTube, mais sans date exacte annoncée.

La série promet d’être une addition originale à l’univers d’Ankama. L’article sera régulièrement mis à jour avec les dernières informations. N’hésitez pas à partager vos réactions dans les commentaires !

Imaginez un instant : un épisode de Love, Death & Robots ou de Secret Level portant la patte visuelle et narrative d’Ankama Animations. Cette idée, bien qu’hypothétique, a de quoi faire saliver. Ankama a prouvé depuis des années qu’il maîtrise l’art de conjuguer esthétique vibrante, récits épiques et une touche d’humour inimitable. Alors, pourquoi ne pas rêver d’une collaboration avec ces anthologies animées qui repoussent les limites de la créativité ?

Love, Death & Robots, avec ses épisodes standalone explorant la science-fiction, l’horreur et la fantasy, est une vitrine idéale pour la diversité des styles d’animation. Chaque épisode est une carte blanche donnée à des studios du monde entier, de Blur Studio à des équipes plus indépendantes. Ankama, avec son style inspiré des mangas mais profondément ancré dans une identité propre, pourrait y insuffler une fraîcheur unique. Pensez aux paysages oniriques du Monde des Douze, aux couleurs éclatantes et aux designs de personnages qui oscillent entre l’élégance et l’excentricité. Un épisode réalisé par Ankama pourrait nous plonger dans une fable futuriste où des divinités steampunk s’affrontent dans un univers à la croisée de Wakfu et de Blade Runner.

Or, c’est exactement ce que recherchent Love, Death & Robots et Secret Level : une diversité de styles, de genres et de tons, portés par des talents d’animation venus d’horizons différents.

De son côté, Secret Level, qui adapte des univers de jeux vidéo en courts métrages animés, offre un terrain de jeu tout aussi excitant. Ankama a déjà prouvé avec Dofus : Livre 1 – Julith sa capacité à créer des récits immersifs tirés de son propre univers vidéoludique. Pourquoi ne pas imaginer un épisode inspiré d’un jeu fictif ou même d’un titre existant, réinterprété à la sauce Ankama ? Quelle forme prendrait-il ? S’agirait-il d’une histoire se déroulant dans un recoin inexploré du Krosmoz, mais accessible sans connaissance préalable, offrant une facette plus mature ou horrifique de cet univers ? D’autant plus qu’Ankama va s’essayer avec une mini-série Morshiken (sortie prévue dans l’année sur YouTube) qui ne casse pas les codes de l’animation, mais qui a pour but de « briser le quatrième mur » comme Deadpool. Ou bien une histoire totalement originale, créée spécifiquement pour l’anthologie, permettant à Ankama d’expérimenter un genre nouveau tout en conservant son style graphique unique ? Un épisode réalisé par Ankama pourrait explorer une légende oubliée, le destin tragique d’un personnage secondaire, une scène de bataille stylisée à l’extrême, ou même une simple tranche de vie poétique ou déjantée dans un cadre inhabituel, le tout avec cette fluidité d’animation et cette direction artistique qui leur est propre. Ce serait une vitrine exceptionnelle pour le studio français à l’échelle mondiale, le plaçant aux côtés de géants de l’animation et de talents émergents.

Ce qui rend Love, Death & Robots et Secret Level si captivants, ce sont leurs histoires condensées, souvent provocantes, qui mêlent action, émotion et twists inattendus. Ankama excelle dans ce domaine. Ses séries comme Wakfu savent équilibrer des récits épiques avec des moments d’intimité, tout en glissant des thématiques profondes sous des dehors accessibles. Nous avons déjà été gratifiés d’OAV pour Wakfu comme Ogrest, la légende ou bien Noximilien l’horloger avec des histoires bien sombres et qui font réfléchir, malgré tout, la DA de ces OAV avait été déléguée à d’autres studios (japonais par exemple). La nouvelle série Ankama dans l’univers de Dofus, Welsh & Shedar, reviendra en 2026, après l’abandon du projet en 2012. Celle-ci sera réalisée par un studio japonais, mais scénarisée et produite par le studio français. La série adoptera une DA d’anime typiquement japonais.

Ankama n’est pas un géant comme Pixar ou DreamWorks, et c’est précisément ce qui en fait un candidat parfait pour ces anthologies. Love, Death & Robots et Secret Level valorisent les voix uniques, celles qui osent sortir des sentiers battus. Le studio roubaisien, avec son ADN indépendant et sa communauté de fans passionnés, pourrait apporter une perspective européenne bienvenue dans ces séries dominées par des studios anglo-saxons ou asiatiques.

Les épisodes, d’une durée de 5 à 17 minutes, allant de la 2D classique à la 3D photoréaliste. Cela suggère des coûts par épisode très variables, probablement entre 500 000 et plusieurs millions de dollars par épisode, selon la complexité de l’animation et le studio impliqué. Par exemple, des épisodes photoréalistes comme Beyond the Aquila Rift nécessitent des ressources techniques importantes, tandis que des épisodes en 2D, comme Zima Blue, pourraient être moins coûteux.

Bien sûr, il ne s’agit là que d’une rêverie, d’une idée jetée sur le papier. Les contraintes de production, les plannings et les opportunités réelles sont autant de facteurs qui rendent un tel projet complexe à concrétiser. Mais l’exercice de penser cette collaboration potentielle est en soi stimulant. Aucun communiqué n’annonce une telle collaboration, et Ankama est probablement occupé à développer ses propres projets, comme la saison 5 de Wakfu ou de nouvelles séries. Pourtant, l’idée d’un épisode signé Ankama dans Love, Death & Robots ou Secret Level est trop séduisante pour ne pas être partagée. Ces séries vivent de leur capacité à surprendre, à marier des visions artistiques audacieuses avec des récits qui marquent les esprits. Ankama, avec son univers riche et son savoir-faire, a tout pour y laisser une empreinte mémorable.

Alors, à vous, Tim Miller, David Fincher et Netflix, ou Amazon Prime Video : et si vous donniez sa chance à Ankama ? Un épisode de 15 minutes pourrait suffire à faire vibrer des millions de spectateurs et à prouver, une fois de plus, que l’animation française a sa place parmi les plus grands. Voir Ankama apparaître au générique d’un épisode serait un événement marquant. Espérons que, peut-être un jour, cette simple idée puisse faire son chemin et se concrétiser à l’écran. Le potentiel créatif est immense.